divendres, 25 de maig de 2012

TETSUO ARAKI



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TETSUO ARAKI

Se trata de un director de Madhouse, comenzó en el 2001 como storyboarder y director de episodios de la saga Galaxy Angel (2001 - 2005)





Luego pasó por Di Gi Charat (2001 - 2003) y pronto pasó como director de serie con la OVA Otogi-Jūshi Akazukin (2005)

   


 Pero no sólo trabajó en shojos de Magical Girls! También hizo su aportación en los Seinens de género negro como Gungrave (2003)





Black Lagoon (2006)


 


 y desde luego su obra más famosa como director:


PREMIO GERTIE 2012 AL MEJOR ANIME

 Death Note

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Se trata de una serie de novelas ligeras y manga sobre Light Yagami, un estudiante brillante que se encuentra una libreta perteneciente a un dios de la muerte, con la cual puede provocar la muerte de cualquier persona únicamente escribiendo su nombre mientras piensa en su cara. Yagami intentará crear un mundo nuevo asesinando con la libreta a todos los criminales del mundo, pero la trama se va complicando terriblemente cuando un super-detective llamado L comienza a preparar toda clase de estrategias para descubrirlo.

La série de anime la produjo Madhouse entre el 2006 y el 2007 y cuenta con 37 episodios dirigidos por Tetsuro Araki, también hay un especial de 2 horas posterior a la série, Death Note Rewrite: Visions of a God, en que el shinigami Ryuk explica lo sucedido durante la historia y un segundo especial, como continuación del anterior: Death Note: Rewrite 2: L's Successor, basado en los investigadores de la trama original.





La serie es muy creativa y original y tuvo mucho éxito tanto en Japón como en occidente y se han producido 2 películas de imagen real, la crítica la ha alabado diciendo que es muy entretenida y que la tensión aumenta constantemente. Las críticas negativas en cambio han alegado que la trama y la inclusión de escenas gore son inmorales y misóginas, e incluso provocó un crímen por imitación en Bélgica, se venden libretas "Death Note" de imitación, pero en USA varios estudiantes han sido expulsados del instituto por poseerlas, éstos hechos han propiciado su prohibición en la República Popular China, aunque incluso allí hay ediciones pirata.

Después de Death Note, Araki ha trabajado en  más series seinen como Kurozuka (2008)




y Highschool of the Dead (2010)


 


y Como director invitado de Aoi Bungaku Series (2009), un Chanbara coproducido entre Madhouse y Nippon





 su última serie ha sido Guilty Crown (2011)


 

Tetsuo Araki se trata de un director de shojo que reorientó su carrera hacia el seinen con un éxito tremendo, ha ganado mucha popularidad rapidamente y yo apuesto porque pronto figurará como uno de los grandes.

Di Gi Charat

Di Gi Charat:


divendres, 18 de maig de 2012

J.C. STAFF




y además...


VER ESPECIAL: ANIME ERÓTICO PARA NIÑOS

y próximamente...


VER SELECCIONADOS A LOS PREMIOS GERTIE 2012

J.C. STAFF

Otro estudio de anime mediano: J.C. Staff



Fue fundado en 1986 como estudio de OVA's, su primera saga fue la trilogía Yōtōden (1987)




 su anime más popular ha sido Utena (1997), una tragi-comedia estudiantil, un género muy popular en Japón, sobretodo entre el público femenino ya que da pie a todo tipo de argumentos y tramas, como los Super-Héroes de Artes Marciales como Ranma 1/2, Las Magical Girlfriends como Lamu, los Harem Animes como Love Hina, e incluso géneros sin relación como los animes de Mechas como Evangelion, los Psicho-Thrillers como Higurashi no Naku Koro ni o la Fantasía Épica como Utena





también han producido otros anime de éxito como Excel Saga (1999)

 

  Azumanga Daioh, (1999)




 y Alien 9 (2001) del autor de Manga-Anime Superflat Hitoshi Tomizawa, que también había trabajado en el manga Milk Closet. 



En éste caso, al igual que con las obras de Henmaru Machino, la principal fuente de crítica del estilo Superflat es la sexualidad de la cultura Otaku y el Lolicon, y muestran escenas implícitamente eróticas completamente distorsionadas, psicodélicas y grotescas.


J.C. Staff continuó con series de TV como Ikki Tousen (2003)

 


Shingetsutan Tsukihime (2003)






 Shakugan no Shana (2005)

 


La revista Josei más vendida es la  You, con apenas 194,791 ejemplares. Se trata de un sector poco interesado en el manga-anime, y de hecho apenas existe Anime Josei, una excepción sería Honey & Clover de J.C. Staff



Se trata de una série de mangas creados por Chika Umino, que fue adaptado en una série de anime de 2 temporadas, una de 24 episodios emitida en el 2005 y dirigida por Ken'ichi Kasai. Trata sobre un grupo de estudiantes de arte que comparten piso: 3 chicos a los que se les añadirán 2 chicas con quien se irán organizadon triángulos amorosos entre unos y otros.



El manga tuvo muy buena aceptación, y llegaron a producir una película de imagen real y 2 séries de TV, una japonesa y otra de Taiwan.  También se produjo otra temporada de 12 episodios emitida en el 2006 y dirigida por Tatsuyuki Nagai.

  también han producido la comedia de fantasía Zero No Tsukaima (2006)


 

Toradora! (2008 - 2009)




su última franquicia popular es Toaru Kagaku no Index (2008)



La productora sufrió daños por el terremoto de Tohoku del 2011, aún así continúan con series como la saga de Bakuman (2010 - 2012), Ano Natsu de Matteru (2012)

 

  Kill Me Baby (2012)

  o


o Zero no Tsukaima F (2012)


 


 Se trata de una productora de anime comercial, pero que ha conseguido hacerse un hueco con los géneros considerados más complicados de vender: joseis, yuris, lolicons, estilo super-flat, humor absurdo, fusiones de géneros... el caso es que han sabido escoger obras manga de éxito y al ser producciones baratas han conseguido crecer muy rápidamente

5 PELÍCULAS DE ANIME INDISPENSABLES

Para celebrar el segundo aniversario de la sección anime hoy voy a hacer un artículo especial, sobre 5 películas de anime que yo considero indispensables.

No voy a decir que son las 5 mejores películas de anime de la historia, yo no soy quien para declarar eso, pero sí que son 5 películas que de alguna manera han marcado un antes y un después en la historia de la animación japonesa.

Veámoslas:

EL CUENTO DE LA SERPIENTE BLANCA

Se trata de una película de Toei, éste estudio fue fundado en 1948 bajo el nombre de Japan Animated Films 日本動画映画, y no fue hasta 1956, en que la compañía Toei compró los estudios y los bautizó como Toei Doga 東映動画株式会社 (llamándose Toei Animation fuera de Japón). No inventaron la animación Japonesa, pero si inventaron el Anime tal y como lo conocemos. En 1958 sacaron la primera animación japonesa en color: Hakujaden o El Cuento de la Serpiente Blanca, que a pesar de buscar una imitación del estilo Disney, está considerada el primer anime de la historia:



Podemos ver que para estrenar el género recurrieron a la Fantasía, un super-género del anime que se fue desarrollando hasta que hoy día englobaría la mayoría de Chanbaras, los Super-Héroes de Artes Marciales, las Magical Girls, la Fantasía Eroica, buena parte del Gore, y a modo de mezcla de géneros también engloba muchos títulos de Ciencia Ficción, Terror Psicológico, Hentai e incluso Dramas Estudiantiles.

FAREWELL TO SPACE BATTLESHIP YAMATO

Cuando hablamos de la historia del Manga-Anime, hablamos de ésta época: La Edad de Oro del Manga Anime: 1978 - 1988, una época en la que Japón se encontraba en pleno boom económico, el manga-anime acabó por definir sus técnicas y estilos, devoró el mercado oriental y comenzó a comerse el mercado europeo. El género de la Space Opera fue todo un boom en el mundo del manga-anime, éste género vivió todo un boom en occidente a raíz de Star Wars, pero en Japón lo experimentó 2 años antes, en 1974, a raíz de una serie de inmenso éxito llamada Space Battleship Yamatoo tal como se llamó en occidente:Star Blazers.  La película que se considera que encendió la Edad de Oro fue una versión de ésta serie de TV: Farewell to Space Battleship Yamato (1978)



esta película tuvo tanto éxito en Japón que eclipsó la franquicia Star Wars. No había duda, el cine de animación japonés se había recuperado del duro revés que había sufrido a principios de los años 70. Los autores fueron dos "samurais" del manga-anime, por un lado tenemos al productor y escritor Yoshinobu Nishizaki, y por el otro lado tenemos al diseñador Leiji Matsumoto, dos autores que se conocieron en Academy Productions tras el quiebre de Mushi. Uno acabaría convirtiéndose en una leyenda del manga-anime, el otro mordería el polvo hundido en la desgracia. Trata sobre un futuro post-apocalíptico en que la humanidad debe vivir bajo tierra por culpa de las radiaciones, deciden buscar un planeta habitable donde reconstruir su civilización para lo que reconstruyen el mítico buque insignia de la Segunda Guerra Mundial, la nave Yamato, como nave espacial. Pero por el camino deberán enfrentarse a toda una serie de fuerzas místicas que se opondrán a la supervivencia de la humanidad.



Técnicamente innovaron con conceptos como el Money Shot o permitir que cada animador trabaje en su propio estilo. El éxito en Japón de ésta serie fue tal, que en Tsuruga se llegaron a levantar una docena de estatuas de bronce de 4 metros de altura de los personajes de la serie. Por lo visto al público japonés le gustó aquel universo de héroes trágicos, heroínas lánguidas pero con un gran carácter, enfrentamientos constantes contra fuerzas místicas y un amor de tradición náutica hacia las naves.

Se creó mucha espectación alrededor del universo de Yamato y de las otras historias de Leiji Matsumoto. Matsumoto por su banda en 1977 hizo suya la fórmula de Space Battleship Yamato pasando a producir las series de mangas: Galaxy Express 999 y Capitán Harlock, su personaje más famoso, que también participó en la Edad de Oro con la película Arcadia de mi juventud (1982)

AKIRA





En cuanto las productoras japonesas fueron suficientemente potentes lógicamente se plantearon una adivinanza: Si con nuestras técnicas narrativas hacemos maravillas con la animación limitada, que pasaría si las aplicásemos a la Cel-Animation de calidad?

Aplicar estas técnicas a la Cel-Animation de 24 dibujos por segundo es tan complejo y elaborado que el resultado fueron una serie de películas de finales de los 80 como Royal Space Force: The Wings of Honneamise (1987) o Akira (1988), tan caras que fue imposible rentabilizarlas a corto plazo.

Al parecer a Otomo le gustó participar en superproducciones de anime, por lo que decidió adaptar el manga de Akira. Otomo aún estaba trabajando en esta serie de manga, con todo y con esas consiguieron estrenarla al año siguiente, la que concretamente era la película de anime más cara de la historia.



A pesar de ser una de las películas de anime de más éxito internacional, ha sufrido críticas muy duras ya que sólo es fiel al cómic durante la primera mitad de la historia, después la trama cambia completamente. De hecho podemos decir que se trata de una Producción Enferma


Síntomas:
  • Fracaso en su estreno en Japón.
  • Modesto estreno internacional
  • Algunas críticas irregulares:
MakigumoAkira es rica en ideas, pero le falta expresión. No es posible exponer tantos elementos temáticos, luego diluirlos para atraer al público palomitero y aún pretender que todo funcione.


Se trata de una historia cyberpunk sobre Kaneda y Tetsuo, dos miembros de una banda de moteros de Neo-Tokio, una ciudad reconstruida sobre las ruinas de Tokio tras la Tercera Guerra Mundial. Tetsuo será secuestrado por unos militares que realizaran experimentos con él con tal de convertirlo en un ser supremo, ya que su último experimento, con un niño llamado Akira, fue un fracaso. Kaneda se aliará con Kei, una terrorista, con tal de rescatar a Tetsuo, mientras Tetsuo por su banda sufre la transformación que le convertirá en un monstruo ultra-destructivo.



Diagnóstico:
  • Presupuesto exagerado (para una película japonesa de 1988).
  • Condensaron 6 volúmenes de manga con cerca de 2000 páginas en 2 horas, resultó excesivo.
  • El manga aún no había terminado durante la producción, el final no lo tenía pensado Otomo.
  • El final fue una sugerencia de Alejandro Jodorowski que ni Otomo ni Jodorowski recuerdan que significaba.
  • Spielberg y George Lucas declararon que el público americano no entendería esta película.
  • Las grandes distribuidoras americanas se negaron a distribuirla, su estreno original fue muy reducido y doblado al inglés de Hong Kong.
  • Estrenada justo cuando comenzó la crisis inmobiliaria japonesa.

Para llevar a cabo una obra de esta magnitud, fundaron una productora llamada Akira Committee, formada por las empresas Kodansha Ltd., Mainichi Broadcasting System, Inc., Bandai Co., Ltd., Hakuhodo Incorporated, Toho Co., Ltd., Laserdisc Corporation, Sumitomo Corporation y Tokyo Movie Shinsha Co., Ltd. 





Se trataba de una producción de animación muy elaborada, se usaron 160.000 cels, fue la primera producción de anime realizada con lib-sync: filmaron las bocas de los dobladores y las transladaron a los personajes con rotoscopia. Los efectos sonoros estuvieron muy cuidados, el sonido de la moto de Kaneda lo hicieron con el motor de una Harley Davidson de 1929 mezclado con el sonido de un reactor.

El final de la película es diferente al del manga, la serie de manga terminó 2 años después que se estrenara la película, Otomo no estaba contento con el final que tenía pensado para el manga, por lo que decidió cambiarlo en la película.


Consecuencias:
  • La Productora: Akira Comitée, quebró.
  • El fracaso de Akira provocó la quiebra de su distribuidora.
  • Al quebrar la distribuidora de Akira Comitée y TMS provocó una reacción en cadena que hundió todas las distribuidoras.
  • Al quebrar todas las distribuidoras quebraron todas las superproductoras de anime, salvo Ghibli, distribuída por Disney.
  • Causó el fin de la llamada Edad de Oro del Manga-Anime


Las críticas fueron irregulares, basicamente aclamaron su espectacularidad y su factura, pero la criticaron por basarse demasiado en crear una estética atractiva, presentar conceptos impactantes y dejarle un guión débil. Sin embargo Lucas y Spielberg se equivocaron al declarar que los Norte-Americanos no entenderían Akira porque la película creó una nueva moda del manga-anime en occidente a principios de los años 90.



Estado Actual:
CURADA
  • La distribución en vídeo en occidente fue todo un éxito, la película se volvió rentable, un símbolo de la animación japonesa y uno de los animes más elogiados.


En 1990 hubo un proyecto de realizar una película en imagen real, pero lo desestimaron al ver el presupuesto necesario. Finalmente Warner Brothers se hizo cargo del proyecto y producirá 2 películas, con Katsuhiro Otomo como productor ejecutivo y dirigidas por Albert Hughes con actores como Leonardo di Caprio y Morgan Freeman. Morgan Freeman de quien hará? De Tetsuo, de Kaneda o de Akira? Como demonios puede quedar una versión americana de Akira?

Las influencias de Akira han acabado impregnando todo el seinen, como Animatrix, Roujin Z (1991) guionizado por el propio Otomo e Incluso ha influenciado a "seinens occidentales" como X-Men y videoclips como Stronger de Kanye West y Draft Punk

Pero en su momento Akira fue un fracaso por su inmenso presupuesto, y de hecho únicamente Ghibli tuvo éxito en la Edad de Oro al realizar superproducciones, fue necesario que se desarrollasen las técnicas de Animación Tradigital para que el resto de productoras japonesas volvieran a este tipo de obras. Éste fracaso de las superproducciones de anime, unido  a la explosión de la burbuja financiera en Japón y a la muerte de Osamu Tezuka marcó el fin de la Era de Oro del Anime. La industria de la animación japonesa tardaría 8 años en volver a levantar cabeza.

PERFECT BLUE

Las bandas sonoras de anime se venden muy bien, incluso se desarrolló la subcultura de las Idol, cantantes de estética bishoujo que alcanzan las más altas cotas de fama, ventas y popularidad, a la siguiente semana son parte de un espectáculo de parque de atracciones y al cabo de un mes, nadie las recuerda. Una obra seria donde podemos ver en lo que consiste el trabajo de una Idol, es en Perfect Blue (1997), de Satoshi Kon





Perfect Blue de 1997 está basada en la novela homónima de Yoshikazu Takeuchi. Se trata de un thriller psicológico sobre una ídolo juvenil que se siente acosada por un fan loco y acaba viendose envuelta en una trama paranoica donde se mezcla la realidad con las ilusiones.

El tema de "doble personalidad" de la historia está bien documentado a nivel médico, aunque para la película tuvieron que acelerar el proceso. Satoshi Kon consultó al escritor Yoshikazu Takeuchi si les permitían hacer estos cambios en la historia para que quedara más cinematográfica, Takeuchi aceptó, siempre que respetase la trama original.



Esta película en su origen iba a ser un una serie de Ova's, pero tras el terremoto de Kobe de 1995, los estudios quedaron destruidos. Katsuhiro Otomo se encargó como supervisor ejecutivo de la película de terminar de producir una ova única y después exhibirla por festivales de cine de todo el mundo donde tuvo muy buena acogida.

En el 2002 se realizó una versión en imagen real de esta película: Perfect Blue: Yume Nara Samete, esta vez más fiel al libro.


Perfect Blue fue admirada por la crítica, por lo que el resto de productoras intentaron pensar en otras formas creativas de hacer musicales de anime, y de paso generar merchandising rentable.

EL VIAJE DE CHIHIRO

Prácticamente todos los aficionados al manga-anime señalan a Ghibli como la mejor productora, pero por qué hablo precisamente El Viaje de Chihiro como la obra de Ghibli más importante?

Algunos señalan como su mejor película El Castillo de Cagliostro, la primera superproducción de Miyazaki, otros Nausicäa, la primera película propiamente de Ghibli, otros señalan La Tumba de las Luciérnagas, la obra más galardonada del estudio; Mi Vecino Totoro, la Princesa Mononoke, Ponyo en el Acantilado... Todas son más que memorables, mi preferida es concretamente Pom Poko, que ni siquiera es de Miyazaki! pero la película Ghibli que ha gozado de más éxito sin duda ha sido El Viaje de Chihiro, con 273 millones de dólares recaudados es la película más taquillera de la historia del cine japonés y el único anime que ha ganado el Oscar al Mejor Largometraje Animado en el 2002.




Dirigida y guionizada por Miyazaki, trata sobre Chihiro, una niña que viaja con sus padres para mudarse de casa, por el camino visitan un extraño lugar abandonado a partir del cual acaban inmersos en un mundo de fantasía oriental.

En el 2000 los últimos dos proyectos de Miyazaki habían sido rechazados por el productor: Kirino Mukouno Fushigina Machi, basada en un libro japonés, y una historia basada en una heroína adolescente, ambas historias situadas en una casa de baños. Entonces se le ocurrió crear una historia basada en la hija de 10 años de un amigo suyo, también situada en una casa de baños, obviamente. Miyazaki había producido películas para niños pequeños y chicas adolescentes, pero nunca había realizado una obra para niñas preadolescentes, leyó unas cuantas revistas shojo y vió que casi todo eran super-héroinas sexis e historias de amor. Miyazaki pensó que eso no es lo que realmente quieren ver las niñas así que preparó un guión de 3 horas sobre una heroina infantil... en este caso el productor Toshio Suzuki se lo aceptó, pero le recortó el metraje a 125 minutos, esto supuso cierta dificultad, debieron eliminar escenas, dejar parte de las tramas secundarias sin explicación y eliminaron escenas donde se recrearian con las vistas y paisajes.

Costó 19 millones de dólares, eso es menos que La Princesa Mononoke, y al igual que ésta película, fue anunciada como "La última superproducción en Animación Tradicional" a pesar de tener efectos especiales digitales. Una peculiaridad de Chihiro es que para ser una heroina manga-anime... es fea:


Vale, igual pensáis que aunque no se trata de una niña bishojo con micro-mini faldita, peinados imposibles de colorines y varita que la convierte en moeko onanista, tampoco es para tanto... De hecho Miyazaki es contrario a esa clase de personajes y su único personaje sexy es  Fujiko Mine / Patricia, la ex-novia de Lupin III, que aparte de ser adulta... es un personaje con mucho carácter.


Pero en el caso de Chihiro... es fea incluso para no ser una moeko bishojo, miremos otro personaje de Miyazaki como Satsuki de Mi Vecino Totoro:


Ojos grandes, facciones y expresiones agradables, hombros firmes, cara en forma de almendra... aunque tenga la estética de una niña japonesa normal de los años 60, cumple con los cánones estéticos del manga-anime. Chihiro no


Miyazaki tenía la intención de hacer una niña "normal", de manera que la audiencia se sintiera más identificada con ella. Cuando comenzaron a animarla se horrorizó, vio que al cobrar movimiento sus gestos eran desgarbados, demasiado duros para tratarse de una niña de 10 años, así que reinterpretó al personaje dando a entender que se trata de una niña convirtiéndose en una mujer encantadora.

También hay leyendas sobre el Viaje de Chihiro! Bueno, al fin y al cabo esta película está basada en todo un folklore japonés que el espectador occidental no tiene por qué conocer. ESTE ARTÍCULO está extraído de Kirai, un Geek en Japón y aclara muchos detalles étnicos que a muchos espectadores no-japoneses se le pueden escapar


Recuerdo que vi El Viaje de Chihiro sin apenas saber nada sobre folklore japonés, y me dió la impresión de que era una preciosa película en que "no pasaba nada": Chihiro llega al pueblo encantado, sigue las instrucciones de los personajes mitológicos que va encontrando, y vuelve con sus padres. Fin. Me decepcionó bastante a nivel guión. No se trata de que la historia tenga significados ocultos, se trata de que la historia muestra abiertamente significados que no teníamos por qué saber. Para disfrutar de esta película es recomendable tener ciertos conocimientos de las leyendas tradicionales sintoistas y entonces la historia cobra sentido y magia.

He creado a una heroïna que es una niña ordinaria, alguien con quien la audiencia se sienta reconocida. No es una historia en la que los personajes crezcan, sino una historia en la que éstos nos revelan lo que llevan en su interior. Quiero que mis jóvenes amigas vivan eso, y creo que ellas también quieren.

Hayao Miyazaki





Y sí! soy consciente de que me dejo muchos animes memorables fuera del ranking como Metropolis, Ghost in the Shell, Royal Spaceforce Wings of Honneamise o Hiroshima, y eso sin citar más películas de Ghibli o Satoshi Kon, pero creo que éstas 5 películas son unos perfectos referentes de las mejores productoras de anime y de la historia de la animación japonesa en los últimos 50 años.

Roujin Z

Las influencias de Akira han acabado impregnando todo el seinen, como Animatrix, Roujin Z (1991) guionizado por el propio Otomo



Incluso ha influenciado a "seinens occidentales" como X-Men y videoclips como Stronger de Kanye West y Draft Punk

Arcadia de mi Juventud

La película Farewell to Space Battleship Yamato Se trataba de una space opera basada en la exitosa serie de Space Battleship Yamato, esta película tuvo tanto éxito en Japón que eclipsó la franquicia Star Wars. No había duda, el cine de animación japonés se había recuperado del duro revés que había sufrido a principios de los años 70. Se creó mucha espectación alrededor del universo de Yamato y de las otras historias de Leiji Matsumoto como la película Arcadia de mi juventud (1982)



y también de otras franquicias de ciencia ficción como Gundam, cuya primera serie originariamente no funcionó muy bien, pero sus 2 recopilaciones en cines fueron todo un éxito: Mobile Suit Gundam (1981 - 1982)

dissabte, 12 de maig de 2012

EL FUTURO DE GHIBLI



VER ESPECIAL: EL FUTURO DE GHIBLI

EL FUTURO DE GHIBLI

Hemos hablado sobre el Futuro de Disney pero... qué hay de la "Walt Disney Japonesa"?

Hablamos sobre el futuro de la animación japonesa AQUI

El animador conocido como "El Walt Disney Japonés" es Osamu Tezuka, fallecido en 1989 y cuyas 2 productoras: Mushi Pro y Tezuka Productions actualmente parecen más interesadas en explotar las franquicias clásicas que en producir algo nuevo o de calidad.

El relevo de "Walt Disney Japonés" lo tomó Hayao Miyazaki, aunque yo siempre insisto en que Miyazaki no es el mejor creativo de Ghibli... pero parece no haber dudas en que la "Walt Disney Japonesa" actualmente es Ghibli, y de hecho distribuyen sus películas a través de Disney.

Cual es el futuro de este gigante de la animación japonesa?

Las últimas películas de Ghibli fueron Arrietti y el Mundo de los Diminutos (2010)



Una película basada en la novela Los Diminutos de Mary Norton, sobre una duendecilla que vive en los recovecos de una casa que se hace amiga de un niño enfermo que vive con su abuela. Muchos criticaron esta película por ser de las más flojas de Miyazaki... En realidad Miyazaki sólo participó en el montaje, y la dirección no es ni de Goro Miyazaki, ni de Isao Takahata, Yoshifumi Kondō, Hiroyuki Morita ni ningún otro de los directores importantes de Ghibli, es el debut de Hiromasa Yonebayashi, el director más joven de Ghibli.

Aún así la película recibió elogios por su animación y banda sonora de Cécile Corbel.

The Guardian:
Un cuento agradable e invitador, profundo y más rico que un simple impacto visual instantáneo, de todas formas esta película no encaja con los éxitos previos como El Viaje de Chihiro o La Princesa Mononoke en términos de escala épica o trasfondo adulto. 


From Up to Poppy Hill (2011)



La segunda película de Goro Miyazaki, guionizado por Hayao y basado en el manga homónimo de Chizuru Takahashi, Yonebayashi también participó aquí como animador clave. Trata sobre una adolescente de Yokohama de 1963 preocupada por el boom de la construcción. La película sufrió un retraso en su producción a causa del Tsunami de Tohoku, pero finalmente se estrenó en Julio del 2011, funcionó mejor que Cuentos de Tierra Mar, pero aún así ha recibido críticas irregulares:

The Japan Times:
Una película juvenil melodrámatica y todo corazon, es predecible y la dirección es torpe, sin embargo mantiene un gran detallismo sobre la época en que está basada y nos trae esta era de realismo nostálgico.

The Tale of the Bamboo Cutter



Se sabe muy poco sobre esta futura producción programada para el 2013, este vídeo es de los años 60 o 70 y no sé si es obra de alguien de Ghibli, pero por el estilo podría ser.

La película en cuestión está basada en un cuento tradicional japonés y la está realizando Isao Takahata, el que para mí es el mejor director de Ghibli.

En cuanto a Hayao Miyazaki, teoricamente se encuentra trabajando en una secuela de Porco Rosso: Last Sortie



Miyazaki declaró que produciría una secuela de Porco Rosso si Ponyo tenía éxito, y de hecho lo tuvo. Esta secuela estaría situada en España, durante la Guerra Civil con un Porco Rosso envejecido. Sin embargo se sabe muy poco sobre este proyecto, incluso la han eliminado de la parrilla de futuras películas de Ghibli.

En cuanto a Yoshifumi Kondō murió en 1998 tras trabajar como director de animación en La Princesa Mononoke






Tomomi Mochizuki, tras Ocean Waves tiró por el shojo comercial hasta que en el 2010 entró en Manglobe a producir el chanbara de estética experimental House of Five Leaves



y Hiroyuki Morita, tras Haru en el Reino de los Gatos, ha acabado como animador clave de producciones comerciales como Afro Samurai, Doraemon o Fullmetal Alchemist: The Sacred Star of Milos (2011)



El éxito de Ghibli hasta ahora se ha asentado sobre dos pilares: Hayao Miyazaki (71 años) e Isao Takahata (76 años), el primero ha llenado las salas de espectadores y el segundo ha llenado de premios la sala de trofeos de Ghibli, juntos han protagonizado un dúo potentísimo que ha arrasado el mercado del manga-anime y ha revolucionado la industria, pero evidentemente no estarán ahi por mucho más... Deben preparar la continuación de esta productora y ahí están Goro Miyazaki y Hiromasa Yonebayashi... que son buenos pero aún no les llegan a la suela de los zapatos a los 2 fundadores de Ghibli. A corto plazo Ghibli continuará siendo la Reina del manga-anime, sin duda, pero el futuro de esta productora a largo plazo aún no está resuelto.

divendres, 11 de maig de 2012

Ultraman Jonias

la version en anime de Ultraman (1979) con Tsuburaya Productions.



Para sus diferentes proyectos, Sunrise iba abriendo sub-estudios asociados, como Sunrise nº1 y Sunrise nº2, una de las primeras series propias que hicieron fue Invincible Steel Man Daitarn 3 (1978)

Kamen Rider

No pasa desapercibido el carácter autoparódico de éste género, de hecho a partir de las adaptaciones televisivas comenzaron a añadir secundarios cómicos humanos, que contrastaban con otras series que pretendían ser más dramáticas como Kamen Rider (1971 - actualidad)



Es un género extensísimo, Mothra tiene una película original, una trilogía re-make y varios cameos, Ghidorah cuenta con una trilogía original y es un villano habitual en otros kaijus, Gamera cuenta con 13 películas propias, y sin duda el rey del género es Godzilla, que cuenta con 28 películas japonesas, siendo así la saga de películas comerciales más larga de la historia, libros, cómics, mangas, 4 series de TV, 2 de ellas de animación: Godzilla (1977) de Hanna Barbera

Ultra Q

en 1966 adaptaron por primera vez el género Kaiju a la TV con Ultra Q

 

EIJI TSUBURAYA

Hoy voy a hablar de un artista de los efectos especiales japonés: Eiji Tsuburaya


Tsuburaya era modelista aficionado desde niño, se trataba de un niño prodigio obsesionado con la aviación que a los 14 años acabó el instituto e ingresó en la Escuela Japonesa de Aviación. La escuela cerró 2 años después debido a un accidente, por lo que Tsuburuya pasó a trabajar en una compañía juguetera. Por casualidad conoció al director Yoshiro Edemasa que le ofreció trabajar como cámara en la productora Nikkatsu en 1919 y luego en Ogasaware Productions, donde trabajó en la película Hunchback of Enmeiin y en la exitosa A Page of Madness (1925)




Aunque no comenzó a trabajar exclusivamente como cámara hasta 1927 en Shochiku Kyoto Studios, donde usó técnicas inéditas en el cine japonés, como el uso de grúas para las cámaras o las sobre-impresiones, que usó por primera vez en Chohichiro Matsudaira. Tsuburaya pronto sería conocido por su uso de los efectos especiales. Durante los años 30 fue pasando por diferentes estudios, hasta que acabó en Toho en 1938 como jefe de efectos especiales, se montó su propio sub-estudio dependiente en 1939 y ganó varios premios. Durante la Guerra Sino-Japonesa y la Segundo Guerra Mundial realizó efectos especiales para películas de propaganda belicista como The Imperial Way of Japan (1938), Naval Bomber Squadron (1940), The Burning Sky (1940)


 


  Decisive Battle in the Skies (1943), Kato hayabusa sento-tai (1944) y The War at Sea from Hawaii to Malaya (1942)


 


 Según la leyenda, el general Mc Arthur quedó tan impresionado con esta película que pidió a Frank Capra que añadiese parte del metraje en un documental como muestra del Ataque a Pearl Harvour. Tras la segunda guerra mundial, a causa de haber participado en películas de propaganda le costó encontrar trabajo en ninguna productora, así que se montó su propio estudio: Tsuburaya Visual Effects Research, que trabajó en efectos especiales por encargos, hasta que en los 50 volvió a Toho, allí realizó los efectos especiales de su obra más famosa


 


Godzilla (1954). Tal cómo dijo Tsuburuya:

Cuando trabajé para Nikkatsu Studios, King Kong llegó a Kyoto y nunca olvidé esa película. Pensé para mí mismo, "algún día haré una película de monstruos como ésta". 

Junto al director Ishiro Honda y al productor Tomoyuki Tanaka, formó el llamado Trío Dorado. Al contrario de King Kong, Godzilla no usó la técnica del stop motion, sinó la suitmation, el hecho de filmar a un actor disfrazado sobre una maqueta le permitía añadir más detalle a la escena, se volvió la técnica propia del género Kaiju y de hecho hoy en día es toda una tradición japonesa aún en uso. El éxito de Godzilla fue tan monstruoso que Toho comenzó a producir toda suerte de kaijus, siendo los más populares de ellos los realizados por el "Trío Dorado". Aparte de los Kaijus Tsuburaya trabajó en los efectos especiales de otras producciones como The Mysterians (1957)

 

o The H-Man (1958)


 


 Cabe destacar que Toho en aquella época tenía unos presupuestos muy ajustados, y el material era bastante deplorable, para la película The Three Treasures (1959) inventó en su garaje un sistema para imprimir película en formato ancho.

 

  Tsuburaya nunca dejó de ser fiel a Toho, en 1961 trabajó en The Last War

 

 y en 1966 adaptaron por primera vez el género Kaiju a la TV con Ultra Q

 

  Ultra Man



 y la comedia Booska, the Friendly Beast. De las 3, Ultraman fue la que tuvo más éxito y desembocó en la franquicia Ultra Series, que aún hoy está activa. Su última película fue el kaiju del Trío de Oro All Monsters Attack (1969)

 

y al año siguiente murió, tras 50 años como técnico de efectos especiales en los que participó en 250 películas.

A no ser que seáis aficionados al género Kaiju seguramente no entenderéis qué mérito tiene Eiji Tsuburaya, los efectos especiales de sus películas hoy se ven... cutres... ni siquiera podemos decir que se hicieron con las mejores técnicas existentes, pensemos que en ésta época Ray Harryhausen y George Pal producían maravillas en Model Animation, pero hay que reconocer que Tsuburaya era metódico, imaginativo y muy creativo, creó toda una serie de técnicas para hacer cine fantástico con los medios de los que disponía y tuvo éxito, tanto que sus técnicas se convirtieron en todo un oficio artístico de referencia que continuó perfeccionándose tras su muerte, incluso se utilizaron en el re-make de King Kong de 1976, y a diferencia de la Model Animation de Harryhausen, la suitmation de Tsuburaya aún hoy sigue viva.

dissabte, 5 de maig de 2012

MASAMUNE SHIROW



MASAMUNE SHIROW

Hoy hablaré de otra figura del Manga: Masamune Shirow





Se trata del autor de manga cyberpunk más famoso junto con Katsuhiro Otomo, comenzó como pintor al óleo en la Universidad Artística de Osaka, pero pronto desarrolló un fuerte interés por el manga. Comenzó con la obra Blackmagic para el fanzine Atlas


que llamó la atención del editor de Sheishinsha y pasó a publicarle, más adelante dispuso de una OVA en 1987



En Sheishinsha, Shirow pasó a trabajar en dos volúmenes de Appleseed, una obra ya más profunda sobre un futuro distópico, que fue adaptado como OVA en 1988



y como 2 películas de animación CGI: Appleseed (2004)



y Appleseed ex Machina (2007), producida por John Woo



En esta época, Shirow trabajó en otras obras como Bike Nut, Gun Dancing y Dominion, ésta última funcionó bien gracias a su puntito erótico y tuvo una adaptación como OVA: Dominion Tank Police (1988)



tras dos vólumenes más del manga de Appleseed se puso a trabajar en la obra que le hizo más famoso: Ghost in the Shell, que fue adaptada en 2 películas de éxito internacional: Ghost in the Shell (1995)



Ghost in the Shell, combinó fondos realizados a mano con diseños informáticos. Fue el primer anime en ser un Top Ventas en el mercado de video de USA y recibió todo tipo de elogios de la crítica. Trata sobre una cyborg buscando el sentido a la existencia.

y Ghost in the Shell 2: Inocence (2004)



Para realizarla, el director tuvo que rechazar la propuesta de participar en Animatrix. La trama se basa en el personaje de Batou, que investiga una serie de brutales asesinatos, mientras intenta reconciliarse con su deteriorada humanidad. La película recibió críticas irregulares pero fue el primer anime nominado a una Palma de Oro de Cannes.

Sin embargo el éxito de estas dos películas de Ghost in the Shell se basa sobretodo en la dirección de Mamoru Oshii, existe la falsa creencia de que son obras de Masamune Shirow, pero Shirow apenas participó en la adaptación televisiva: Ghost in the Shell: Stand Alone Complex.



La serie de Ghost in the Shell: SAC funcionó bastante bien, por lo que Production I.G. ha contado con Masamune Shirow para realizar la serie original Shinreigari/Ghost Hound (2007), dentro del paquete de series innovadoras de Production I.G. para celebrar su veinteavo aniversario





y la serie Real Drive (2008)



Shirow últimamente tiene bastante abandonado el mundo del manga, apenas edita artworks, está bastante centrado en las adaptaciones de sus mangas de Production I.G. así como también ha participado en algunas OVA's originales como Landlock (1995)



Gundress (1999)



y Tank S.W.A.T. 01 (2006)



Se trata de un autor ultradinámico e imprevisible, que se basa mucho en la estética a medio camino entre el glamour ochentero (para lo bueno y para lo malo) y el diseño industrial de calidad, si bien su fama es bien merecida a menudo choca ver situaciones de comedia shonen colorista en un entorno de drama cyberpunk oscuro y brutal, en mi opinión Mamoru Oshii supo sacarle mejor partido a su universo... y creo que sería muy interesante verles trabajar juntos en algún proyecto.