dissabte, 30 de juliol de 2011

EL ANIME DEL FUTURO

El futuro del anime es imprevisible, a diferencia de la animación occidental, la japonesa nunca se estanca, está en constante renovación, en cuanto una fórmula se estanca, sale otra. Aún así, examinemos las fórmulas que hoy por hoy funcionan en el anime.

El estilo del anime actual comenzó cuando Hideaki Anno entró como director de anime revolucionando la industria con producciones como la saga de Evangelion (1995), Nadia: The Secret of Blue Water (1990–1991)



y Kare Kano (1998)



Actualmente es actor y director de películas de Imagen Real, así como se encuentra produciendo la tetralogía de películas Rebuild of Evangelion (2007-) 



El caso es que Hideaki Anno supo sacar provecho de la espectacularidad del manga-anime de su mejor época, y lo hizo madurar con un enfoque post-moderno basado en expresar el carácter y la emotividad de sus personajes, a través de la psicodélia, para hacer una espécie de crítica a la sociedad japonesa.

Anno había creado la idea, pero fue Takashi Murakami, quien la enmarcó como ARTE, le puso precio y la etiquetó como: SUPERFLAT:  "super-plano" refiriendose tanto a la cultura del arte gráfico bidimensional tradicional y contemporáneo propio de Japón, como a la sensibilidad plana de la cultura consumista japonesa y de sus fetichismos sexuales. Es un movimiento artístico que sobretodo ha gustado mucho en USA, y que al igual que la obra de Anno trata de recuperar los estereotipos del la cultura del manga-anime y re-hacerlos con un enfoque artístico ácido.



En el mundo del manga-anime tendríamos a artistas superflat como Koji-Morimoto.



Actualmente Morimoto trabaja en su segundo largometraje: Sachiro. El caso es que la revisión psicodélica de la cultura popular japonesa, ha resultado un recurso narrativo que ha gustado mucho en el manga-anime de las últimas 2 décadas y a influenciado a obras de estudios no-ligados con éste movimiento como FLCL, la filmografía de Satoshi Kon, o Serial Experiments Lain.

En lo que respecta a la animación CGI, tras el estrepitoso fracaso de Final Fantasy, los japoneses se limitaron a la animación 2D, salvo algunas escepciones como Appleseed (2004). En el caso de Ghibli, ser el último gran estudio de animación del mundo en realizar animación estrictamente tradicional se había convertido en todo un orgullo, el año que viene estrenarán una secuela de Porco Rosso: The Last Sortie. La tendencia general ha sido la animación Tradigital, gracias a la cual pudieron volver a realizar superproducciones de animación como las películas del fallecido Satoshi Kon, incluyendo su aún inédita Dreaming Machine, y la película de animación más cara de la historia! (que por cierto, hace tiempo que no es Akira):




Steamboy (2004).

Hoy en día la mayoría de grandes estudios de animación japoneses ya trabajan en animación Tradigital... Gainax con Evangelion, Sunrise con Steam Boy, Madhouse con Capitán Herlock: La Odissea sin Fin...



De hecho la productora Toei, a través del estudio digital Marza Animation Planet, perteneciente al grupo Sega, pronto estrenará una película del Capitán Harlock en Animación CGI 3D



 También tienen en proyecto otra película en animación CGI de Saint Seiya



Otras películas que en breve se estrenaran son Gatchaman (2012) de Hisayuki Toriumi



No confundir con la película china Gatchaman, de Estudios Imagi, también aún pendiente de estreno


Little Ghostly Adventures of Tofu Boy de Arashi no Yoru Ni



Tatsumi, de Eric Koo,



y Friends: Mononoke Shima no Naki, de Takashi Yamazaki,



Se puede decir que al igual que en los 60 el manga y el anime comenzaron a retro-alimentarse, actualmente el manga-anime y el arte Superflat se retro-alimentan igualmente. En cuanto a animación televisiva, tras los éxitos de Evangelion y Cowboy Beebop, optaron por buscar guiones más elaborados, mezclar temáticas y resucitar géneros clásicos dándole un tratamiento nuevo, versionar novelas ligeras o guionizar series cortas de calidad, se volvió un bocado más apetitoso que la tendencia anterior de versionar mangas, así  nacieron series como Deathnote, Mushishi, Welcome to N.H.K o So Ra No Wo To. En muchos casos se tratan de series no emitidas en España... pero actualmente la TV ha dejado de tener la distribución exclusiva de la cultura popular, por lo que ya no existen fronteras, y todo arte que exista tiene opción a formar parte de la cultura personal de cada uno. Bienvenidos a la Era Digital. Además, poco a poco japón se está comenzando a poblar de estudios de Animación CGI,  ya sea como estudios subcontratados o como departamentos de corporaciones. Si a ésto le añadimos el auge de los live-actions de manga-anime...

El resultado es un futuro bastante espectacular y psicótico para la cultura popular japonesa, y eso sin contar con el efecto de la psicosis colectiva que estan viviendo desde el asunto de Fukushima.

1 - DESLUMBRANTE 3D
2 - LA ANIMACIÓN DEL FUTURO
3 - EL ANIME DEL FUTURO

dilluns, 25 de juliol de 2011

LA REINA DEL HUMOR ABSURDO

La subcultura Otaku se formó alrededor que las Space Operas y los Mechas, pero hacía falta algo más para enganchar a los espectadores, algo divertido, fantástico y con sex-appeal, fue en este punto donde entró en juego Rumiko Takahashi, la Reina del Humor Absurdo.

Antes de nada, quisiera aclarar confusiones, Rumiko Takahashi no es una autora de anime, sinó de manga. Sus obras han sido tan populares que se han adaptado en numerosas ocasiones en anime.

De hecho era una autora de dojinshi (fanzines manga) hasta que en 1978 le editaron la serie de Urusei Yatsura / Lum, una comedia de ciencia ficción que tuvo mucho éxito.


El productor Toriumi apreció el potencial de Mamoru Oshii para el humor absurdo, y en los Estudios Pierrot lo puso como director e storyboarder a cargo de Urusei Yatsura / Lamu / Lum. (1981)



Lum fue la primera comedia de anime en tener éxito en occidente, además introdujo los conceptos del humor Ecchi, las mágical girlfirends y junto con GundamStarblazers fundó la subcultura Otaku, que lo convirtió instantaneamente en un director de culto. A Oshii no le hacía mucha gracia esta subcultura que se había originado, pero por el momento quiso aprovechar el éxito y dirigió 2 películas de Lum, la primera fue  Urusei Yatsura: Only You (1983)



Lum duró 195 episodios hasta 1986 y pasó por las manos de diferentes directores y guionistas, pero ninguno como Mamoru Oshii, que cuando se encargó de realizar la segunda película: My Beautiful Dreamer (1984), asqueado del humor Ecchi y de la subcultura Otaku, decidió crear un guión psicodélico de cero muy alejado del manga original.



Después de esto, Oshii dejó los Estudios Pierrot y se fue a trabajar en obras más independientes en Studio Deen, donde dirigió y guionizó una película surrealista con conceptos místicos: Angel's Egg (1985)

Cuando se terminó la serie de Lum, el Estudio Pierrot y los otros dos estudios asociados creadores de Lum: Kitty Animation y Studio Deen, se volvieron a juntar para producir otra adaptación de manga de Takahashi: Maison Ikkoku,



Trataba sobre historias en una residencia de estudiantes, inspirada en las vivencias de la propia Rumiko, duró 96 episodios y se realizaron 3 OVA's



y un Life Action para la TV.



Las historias de Takahashi habían encajado bien en el mercado de las OVA's, a mediadios de los 80 se produjeron algunas como Maris the Chojo,



Fire Tripper,



y Laughing Target



y en 1991 se produjeron Mermaid's Forest

 

y Mermaid's Scar



Kitty Studios en 1989 volvieron a apostar por Takahashi, y entonces produjeron la franquicia de anime de más éxito basada en la obra de esta Mangaka,



En el caso de que una chica se encontrara flirteando entre un grupo de chicos, hablaríamos de un Reverse Harem, no es un género tan popular como el Harem tradicional, aunque en algunos casos como el Anime de Super-Héroes de Artes Marciales Ranma 1/2 los dos géneros se mezclan

Ranma 1/2, la serie duró bastante, aunque los índices de audiencia eran muy irregulares, finalmente Kitty Studios quebró y la serie quedó inconclusa en 1992, con un total de 161 episodios y 2 largometrajes, trata de Ranma, un chico prepotente que lleva toda la vida entrenándose para ser un gran maestro de las artes marciales. Tras un accidente en China sufre una maldición según la cual se convierte en chica cuando se moja con agua fría y vuelve a ser hombre al mojarse en agua caliente. Las tramas se desarrollan al tener que vivir en casa de Akane, una chica malhumorada a quien le prometió en matrimonio su padre, Akane y Ranma se rechazan constantemente, y la situación se va volviendo demencial al aparecer constantemente nuevos pretendientes para los dos personajes. La franquicia cuenta con dos largometrajes: Big Trouble in Nekonron, China (1991)



y Nihao, My Concubine (1992)



entonces la retomó Studio Deen, con parte de los náufragos del Estudio Kitty, y continuaron la serie hasta 1996 con 12 OVA's.

  • Shampoo's Sudden Switch - The Curse of the Contrary Jewel (1993)
  • Tendo Family Christmas Scramble (1993)
  • Akane vs. Ranma! I'll Be the One to Inherit Mother's Recipes! (1994)
  • Stormy Weather Comes to School! Growing Up With Miss Hinako (1994)
  • The One to Carry On (Episodios 1 y 2, 1994)
  • Reawakening Memories (Episodios 1 y 2, 1994 - 1995)
  • Hell Hath No Fury Like Kasumi Scorned (1995)
  • Team Ranma vs. the Legendary Phoenix (1996)
  • Oh, Cursed Tunnel of Lost Love! Let My Love Be Forever (1996)
  • The Two Akanes! "Ranma, Look at Me!" (1996)

No fue hasta el 2000 en que se volvería a adaptar otra obra de Takahashi: Inuyasha, por los Estudios Sunrise

 

duró 4 años con 167 episodios y 4 películas

   

La serie terminó inconclusa, mientras el manga continuó editándose, luego lanzaron una segunda serie sobre Inuyasha: The Final Act, entre el 2009 y el 2010

 

En el 2003 realizó la serie de 13 episodios Mermaid saga, basada en sus historias de los 80.



En el 2008, para celebrar el 50 aniversario de la revista Weekly Shonen Sunday, y el 30 aniversario de Lum, hicieron una exhibición especial llamada It's a Rumic World, que incluyó las dos últimas OVA's de Ranma 1/2

   

la OVA Inuyasha Black Tetsusaiga

 

y fueron presentados por un corto nuevo, con los personajes de Lum, Ranma 1/2 e Inuyasha

 


Últimamente TMS ha adaptado algunas de las obras cortas de Takahashi de los 80 en anime, en la serie Rumiko Takahashi Anthology,con obras como The Tragedy of P, The Merchant of Romance, Middle-Aged Teen, Hidden In The Pottery, Aberrant Family F, As Long As You Are Here, One Hundred Years of Love, In Lieu of Thanks, Living Room Lovesong, House of Garbage, One Day Dream, Extra-Large Size Happiness, y The Executive's Dog.

 

Takahashi se trata de la autora de manga más popular, su obra se trata de una fusión de elementos shonen y de shojo, que (almenos dentro de los cánones japoneses) en ningún momento acaba siendo demasiado onanista, ni demasiado repipi. Creó el género de las Mágical Girlfriends, las Comedias Ecchi, el Reverse Harem y le dió un enfoque nuevo a los Super-Héroes de Artes Marciales. Pero tampoco hay necesidad de supervalorarla, es injusto atribuírle la autoria de los animes que hemos comentado, Takahashi no hace anime, y en cambio los autores de estos animes, salvo Mamoru Oshii, han quedado olvidados bajo la sombra de Takahashi, es como un chiste absurdo.

Fivel y el Tesoro de la Isla de Manhattan

Universal con Fivel y el Tesoro en la Isla de Mahattan



ANIME MUSICAL


Ver Especial Anime Musical

diumenge, 24 de juliol de 2011

ANIME MUSICAL

Al igual que entre las productoras americanas, el anime comenzó imitando los Musicales Disney, concretamente fue Toei, en 1958 con El Cuento de la Serpiente Blanca.



Sin embargo el anime rápidamente se distanció de la temática Disney, y el Musical no fue uno de los géneros propios que desarrollaron, a excepción de escenas concretas.

En la Edad de Oro del Anime, se creó la Subcultura Otaku, y toda una industria del merchandising alrededor de ella, se vendían muy bien los discos de Bandas Sonoras de las series de éxito, por lo que las series pasaron a prestarle más atención a sus bandas sonoras, fue el caso de Macross-Robotech (1982), que a pesar de tratarse de una Space Opera de Real Robots, parte de la trama se basa en una bishoujo que quiere triumfar en el mundo de la música.



Aunque en la saga Macross, donde los números musicales han jugado un mayor papel han sido en Macross 7



y en la saga competencia de Macross, Gundam, acabaron también añadiendo una cantante bishoujo en Gundam Seed



Pero de todas formas, las cantantes bishoujo son un concepto más propio del shojo que de los Mechas, lo popularizó Akemi Takada, con series como Creamy Nanny (1983) y Fancy Lala (1988)



En los 90 se volvieron más populares las magical girls que combaten el mal que las magical girls cantantes, aún así apareció algún shojo musical como Idol Nagisa



El caso es que las bandas sonoras de anime se vendían muy bien, incluso se desarrolló la subcultura de las Idol, cantantes de estética bishoujo que alcanzan las más altas cotas de fama, ventas y popularidad, a la siguiente semana son parte de un espectáculo de parque de atracciones y al cabo de un mes, nadie las recuerda. Una obra seria donde podemos ver en lo que consiste el trabajo de una Idol, es en Perfect Blue (1997), de Satoshi Kon



Perfect Blue fue admirada por la crítica, por lo que el resto de productoras intentaron pensar en otras formas creativas de hacer musicales de anime, y de paso generar merchandising rentable, en los años 2000 aparecieron Kodomos Musicales como Pichi Pichi Pitch (2003)



animes Harem como Lovely Idol (2005)



magical girls como Lovely Angel Project (2006)



La Corda d'Oro (2006)



o Shinkyoku Soukai Polyphonica (2007)



shojos como Skip Beat (2008),



También se han hecho Shonens como Interestella 5555 o Beck: Mongolian Chop Squad (2004)



Joseis como Nana (2006) o Nodame Cantabile (2007)



e incluso seinens, como Detroit Metal City (2008)



Al contrario de lo ocurrido en occidente durante el siglo XX, el género Musical nunca ha sido un precepto para el anime japonés, y eso no ha quitado que se acabaran volviendo muy populares. En las películas de animación occidentales frecuentemente usan a cantantes famosos para popularizar sus bandas sonoras, en Japón ocurre a la inversa, participar en la banda sonora de un anime es decisivo para la carrera de un cantante, entre músicos hay bofetadas por conseguir un contrato de una productora de anime, hecho que también motiva a que vayan cambiando las bandas sonoras de las series constantemente para que haya rotación de músicos. En occidente los grupos de bandas sonoras de anime son unos completos desconocidos fuera de la subcultura otaku, pero en Asia son top ventas, y se ha llegado a un punto en que las cantantes de anime literalmente saltan de la pantalla al escenario.



VER ESPECIAL MUSICALES ANIMADOS OCCIDENTALES:

1 - EL MUSIC HALL ANIMADO
2 - POP, ROCK, PUNK, METAL Y RETORNO A BROADWAY

dilluns, 18 de juliol de 2011

Nadia: The Secret of Blue Water

Hideaki anno entró como director de anime revolucionando la industria con producciones como la saga de Evangelion (1995), Nadia: The Secret of Blue Water (1990–1991)

El Viento de Amnesia

Otro anime post-apocalíptico interesante es A Wind Called Amnesia.



Se trata de una adaptación de una novela de 1990 por Kazuo Yamazaki. Trata de que en el mundo ha habido un extraño cataclismo que ha probocado que los humanos lo olviden todo, volviendo a un estado de "hombres de las cavernas", 2 años después, una misteriosa chica inmune al cataclismo re-educa a un joven para que le ayude a encontrar la causa de tal desastre, mientras exploran los restos de la civilización Americana.  

Otros géneros donde las tramas post-apocalípticas han tenido bastante éxito en el anime son la Space Opera (dando lugar a Westerns Futuristas como Trigun) y los Super-Héroes de Artes Marciales, pensemos que éstos últimos personajes andan destruyendo ciudades como quien come palomitas, sin embargo no le suelen prestar demasiada importancia al drama que generan, en Dragon Ball arrasan la Tierra docenas de veces... y no importa, reúnen las bolas del dragon y flop! arreglado. Sólo en la Historia de Trunks le prestan cierta relevancia.

MAMORU OSHII: EL TRAIDOR DE LOS OTAKUS

Los japoneses habían descubierto en los años 70 los géneros que realmente les funcionaban, y desarrollaron toda una subcultura basada en robots, héroes espaciales, chicas mágicas y humor picante, la Subcultura Otaku. La Edad de Oro se formó alrededor de esta subcultura, las producciones mejoraron en cuanto a elaboración y presupuesto, pero las temáticas eran una explotación de los géneros y argumentos que tenían más éxito. En esta época hubo 2 productoras de anime que se quisieron apartar de esta subcultura, una fue Ghibli, fundada como "el nuevo viento" del anime, la otra fue el Grupo Headgear.


Eiko Toriumi era un director de anime que se curtió en los 70 en los Estudios Tatsunoko, creando series como Comando G (1972), Demetan Croaker, The Boy Frog (1973), Tekkaman: The Space Knight (1975) y Goliath the Super Fighter (1976), pero en 1979 rompió lazos con Tatsunoko y junto con otros animadores, fundó los Estudios Pierrot. Uno de los autores que tomó como discípulo fue Mamoru Oshii.

Mamoru Oshii siempre estuvo fascinado por el cine Europeo, tras terminar su carrera en la Tokyo Gakugei University en 1976, había entrado a trabajar en los Estudios Tatsunoko, como storyboarder en  Ippatsu Kanta-kun, una serie con diseño de personajes de Akemi Takada.



y durante esta época trabajó de storyboarder en otras series de Tatsunoko como Time Bokan (1976), con diseño de personajes de Yoshitaka Amano.



Toriumi apreció el potencial de Oshii para el humor absurdo, y en los Estudios Pierrot lo puso como director e storyboarder a cargo de Urusei Yatsura / Lamu / Lum. (1981)



Lum estaba basada en un manga de la entonces desconocida Rumiko Takahashi, y fue la primera comedia de anime en tener éxito en occidente, además introdujo los conceptos del humor Ecchi, las mágical girlfirends y junto con GundamStarblazers fundó la subcultura Otaku, que lo convirtió instantaneamente en un director de culto. A Oshii no le hacía mucha gracia esta subcultura que se había originado, pero por el momento quiso aprovechar el éxito y dirigió 2 películas de Lum, la primera fue  Urusei Yatsura: Only You (1983)



Y también en 1983 dirigió la primera OVA que se había hecho nunca: Dallos (1983). Pero Oshii estaba ya cansado del humor Ecchi, y para la secuela Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer (1984) optó por dejar de lado las historias de Takahasi, y preparó un guión retorcido y psicodélico mucho más adulto.



Después de esto, dejó los Estudios Pierrot y se fue a trabajar en obras más independientes en Studio Deen, donde dirigió y guionizó una película surrealista con conceptos místicos: Angel's Egg (1985)



la película contó con diseños de Yoshitaka Amano, diseñador de anime veterano con obras como Meteoro, Time Bokan, Comando G, Tekkaman, y Honey Bee y fue producida por Toshio Suzuki, el productor asociado de Nausicäa que poco después fundó Ghibli junto con Miyazaki y Takahata. Estando Mamoru Oshii en la flamante Ghibli, comenzó a preparar la película Anchor,  pero Miyazaki y Takahata no querían producir esta clase de películas surrealistas para adultos, tras una discusión entre los 3 productores Anchor fue cancelada al poco de empezar la producción. Desde entonces Oshii se ha mantenido siempre escéptico ante las películas de Ghibli, considera a Miyazaki un tirano con sus animadores, pero por otro lado admira sus películas:

Sería muy aburrido si Miyazaki y Takahata dejaran de producir películas y me sentiría vacío.

En 1987 dejó Ghibli y junto con el guionista amigo suyo Kazunori Itō se convirtió en el director del grupo Headgear. Itō era un guionista de series de anime como Lum (1986), Magical Angel Creamy Mami (1983) y Dirty Pair (1985). Los otros integrantes fueron: el mangaka Masami Yuki , creador de sagas como Assemble Insert (1985), Birdy the Mighty (1985) y Kyūkyoku Chōjin R (1985); el Diseñador Industrial Yutaka Izubuchi, que había participado en la serie Panzer World Galient (1984)y la diseñadora de personajes Akemi Takada, responsable de Comando G (1972), Ippatsu Kanta-kun, Magical Angel Creamy Mami (1983),  Honoo no Alpenrosé: Judy & Randy (1985), Maison Ikkoku (1987) basado en un manga de Rumiko Takahashi y Maicching Machiko-sensei (1981).

Este grupo de 5 artistas de manga-anime tan diverso, crearon la franquicia Patlabor, que incluiría mangas, series de TV, OVA's y películas. Pensemos que estamos en 1988, el exagerado presupuesto no rentabilizado de Akira ha probocado una reacción en cadena que ha hundido toda la industria del anime, salvo Ghibli, y para postres se aproxima una crisis económica, esta situación se ve reflejada en Patlabor, que trata de un futuro sumido en una crisis económica al desarrollar la technología de los Mechas para la industria de la construcción de forma irresponsable. Patlabor revitalizó el género, ofreciendo historias costumbristas sobre mechas civiles, con problemáticas más reales y guiones mejor pensados.



El éxito de Patlabor animó a Production IG a explorar el campo de los mechas y el ciberpunk, con creaciones dirigidas por Kenji Kamiyama como la serie de Ghost in the Shell 




Hicieron mas adaptaciones de este manga de Masamune Shirow como Ghost in the Shell: S.A.C. 2nd GIG





y la pelicula para television Ghost in the Shell: S.A.C. Solid State Society



Durante esta época, Oshii entró en el mundo del cine de imagen real y produjo la llamada Saga de KerberosThe Red Spectacles (1987), Stray Dog: Kerberos Panzer Cops (1991) y Talking Head (1992).

En 1995 estrenó en Japón, Norte-América y Europa su obra maestra, y una de las obras Cyberpunk más importantes del anime: Ghost in the Shell. La primera pelicula para cines de Ghost in the Shell, que combinó fondos realizados a mano con diseños informáticos. Fue el primer anime en ser un Top Ventas en el mercado de video de USA y recibió todo tipo de elogios de la crítica. Trata sobre una cyborg buscando el sentido a la existencia.



Tras este éxito, Oshii se tomó 5 años sabáticos, y dirigió la co-producción japo-polaca de imagen real: Avalon (2001), realizada con una técnica de animación CGI 3D en 2D desarrollada para los efectos especiales conocida como Superlivemation




Poco a poco fueron desarrollando la técnica, y la usaron también en los cortos de Minipato



Se trata de cortos cómicos con personajes SD que imitan la estética de las marionetas de papel japonesas conocidas como papsart ningyou, a imitación de las animaciones flash de Jibjab. La Superlivemation es una técnica que se basa en animar "marionetas de papel digitales" basadas en dibujos y/o fotografías, para el falso documental Tachiguishi-Retsuden retocaron cerca de 30.000 fotos, y las compusieron en lo que Oshii denomina: Demasiada información para ser animación y demasiada poca información para ser imagen real = SUPERLIVEMATION. 

 


La película también incluye numerosas referencias a la cultura popular y la história japonesas, hay escenas en imagen real de bombardeos de la segunda guerra mundial, sacan fotos del tren bala, la torre de Tokyo, la bomba de Hiroshima, etc...

Finalmente, tras 4 años de producción, volvió al anime con la esperada secuela Ghost in the Shell 2: Innocence (2004)



Para realizarla, Oshii tuvo que rechazar la propuesta de participar en Animatrix. La trama se basa en el personaje de Batou, que investiga una serie de brutales asesinatos, mientras intenta reconciliarse con su deteriorada humanidad. La película recibió críticas irregulares pero fue el primer anime nominado a una Palma de Oro de Cannes.

Después de Innocence, le ofrecieron participar en un corto para la película París, Je t'aime, pero lo rechazó al final. También estuvo a punto de participar en el 2005 como guionista y consultor de animación CGI de la película Elle is Burning, de Kenta Fukasaku, pero tras leer el guión desestimaron el proyecto al considerarlo demasiado caro. Su próxima película llegaría en el 2008: Sky Crawlers



Trata sobre un mundo donde las guerras son llevadas por empresas privadas y los pilotos de aviones son niños creados artificialmente para ello. Después de esta película escribió el guión para Production IG: Musashi: The Dream of the Last Samurai, posiblemente el primer documental en anime producido.



En el 2009 dirigió la película de imagen real:  Assault Girls y fue el director creativo del corto de   Halo Legends de Production IG. 



Oshii anunció que su próxima película sería una versión de Gigantor, pero aún no se sabe si se tratará de un life-action o de un anime.

Actualmente se trata de uno de los directores de anime más prestigiosos junto con Katsuhiro Otomo. Curiosamente, al contrario de Otomo, Oshii  surgió del anime más comercial, concretamente de las comedias ecchi, se convirtió en un ídolo de la subcultura Otaku y popularizó a Rumiko Takahashi realizando series que sencillamente, no eran lo suyo, hasta que pudo meter baza y desarrolló su propio estilo: Oscuro, místico, psicodélico, con ritmo pausado, detallismo extremo y argumentos densos, un estilo narrativo más parecido al cine de europa del Este que al del manga-anime. Es uno de los pocos autores de anime que tuvo el valor de reinventarse a él mismo en un momento en que ya funcionaba bien.

dissabte, 16 de juliol de 2011

Servicio de Repartos la Brujita

Otra ganadora del gran premio de Animage en 1989 fue "Servicio de Reparto La Brujita"



Miramax tambien se ha encargado de distribuir otras películas del estudio Ghibli como en 1997 La Princesa Mononoke. Esta película es sin duda la más violenta del estudio (en cuanto a violencia visceral, en lo que se refiere a violencia psicológica "La Tumba de las Luciérnagas supera a "La lista de Schlinder", "Malena" e incluso "Descalzos sobre Hiroshima"). Mononoke hizo saltar la alarma de un estudio que se olía la trajedia: Padres que irian con los niños al cine diciendo "que monos! dibujitos en plan Heidi!" y que a las primeras matanzas y amputaciones tendrian que salir corriendo de la sala. El directivo Harvey Weinstein se dispuso a "tunearla", cuando se lo comentó a Miyazaki, le envió por correo una katana auténtica con una nota que ponía "SIN CORTES!"

EL SHINIGAMI DE LA ANIMACIÓN JAPONESA

Si Tezuka es el Kami San (Diós) del Manga-anime, Kihachiro Kawamoto es el Shinigami (Diós de la Muerte) de la animación japonesa.

Kihachiro Kawamoto era un gran aficionado a los títeres, cuando conoció las películas checoslovacas de Jirí Trnka, decidió dedicarse al stop motion, con lo que en los años 50 entró a trabajar con el maestro del stop motion japonés: Tadahito Mochinaga. En 1958 co-fundó los estudios Shiba Productions, donde se dedicó a la animación comercial. En 1963 fue a Praga, a estudiar animación de la mano de Trnka, allí definió su estilo personal, optó por hacer animación con muñecos, y el propio Trnka le sugirió que trabajase reflejando la propia cultura japonesa. Cuando volvió a Japón, Kawamoto realizó en solitario cortos como Breaking of Branches is Forbidden (1968).  El estilo de cortos suyos como The Demon (Oni, 1972),

Dōjōji Temple (Dōjōji, 1976)


Dōjōji Temple (1976) per abricot5725

y  House of Flame (Kataku, 1979) estaba muy influenciado por la estética del No, el teatro kabuki, y las marionetas bunraku, y le hicieron ganar muchos premios internacionales.


House of Flame (1979) per abricot5725

También realizó cortos en kinigami (cut-out japonés) como Travel (Tabi, 1973) y A Poet's Life (Shijin no Shogai, 1974).



En 1981 realizó un largometraje: Rennyo and His Mother, un life action de marionetas. Más adelante, participó en televisión realizando las marionetas de la serie, basada en leyendas chinas, Romance of the Three Kingdoms (Sangokushi, 1982–84).


En 1990  fue nombrado Presidente de la Asociación Japonesa de Animadores tras la muerte de Osamu Tezuka, y volvió a Praga, donde realizó Briar Rose, or The Sleeping Beauty en los Estudios Trnka.



También realizó muchos cortos en colaboración con su amigo Tadanari Okamoto, entre ellos su última obra: The Restaurant of Many Orders (1991), terminada tras la muerte del propio Okamoto.





Volvió a trabajar para la televisión japonesa realizando los muñecos de la serie The Tale of Heike (Heike Monogatari, 1993–94).



Y en el 2003 supervisó la película Winter Days, que consisten en 35 animaciones realizadas por los animadores más prestigiosos del mundo, entre ellos Isao Takahata, Alexander Petrov , Yuri Norlthstein y Jaques Drouin, ilustrando poemas tradicionales de menos de 2 minutos de Matsuo Bashō.



Su único largometraje animado fue The Book of the Dead (Shisha no Sho, 2005), tras el cual se jubiló, y continuó siendo el presidente de la Asociación de animadores Japoneses hasta que 5 años más tarde murió.



Oscuro, misterioso, anti-popular, imprevisible... Kawamoto no se dedicó a imitar a nadie ni a crear un estilo nuevo, sinó a recrear el arte ancestral, y sucedió a grandes animadores japoneses muertos.

El Pupetoon japonés estuvo muy bien considerado en occidente en los años 60, antes de que se abriera el mercado de Europa del Este, tal como podemos observar en las coproducciones japo-americanas de Rankin & Bass, sin embargo en los años 70, mientras el anime basado en el estilo de Tezuka fue ganando popularidad hasta convertirse en todo un fenómeno, el stop motion quedó apartado. Es una verdadera lástima, ya que autores como Kihachiro Kawamoto habían conseguido no sólo dominar éste arte, sinó adaptarlo a su cultura propia y darle una estética única. Tras la muerte de Tezuka, fue justo nombrar a Kawamoto como Presidente de la Asociación de Animadores Japoneses.

divendres, 15 de juliol de 2011

Akemi Takada

la diseñadora de personajes Akemi Takada, responsable de Comando G (1972), Ippatsu Kanta-kun, Magical Angel Creamy Mami (1983),  Honoo no Alpenrosé: Judy & Randy (1985), Maison Ikkoku (1987) basado en un manga de Rumiko Takahashi y Maicching Machiko-sensei (1981), 

Yutaka Izubuchi

el Diseñador Industrial Yutaka Izubuchi, que había participado en la serie Panzer World Galient (1984)

Kazunori Itō

Kazunori Itō se convirtió en el director del grupo Headgear. Itō era un guionista de series de anime como Lum (1986), Magical Angel Creamy Mami (1983) y Dirty Pair (1985).

dijous, 14 de juliol de 2011

Eiko Toriumi

Eiko Toriumi era un director de anime que se curtió en los 70 en los Estudios Tatsunoko, creando series como Comando G (1972), Demetan Croaker, The Boy Frog (1973)



Tekkaman: The Space Knight (1975)



y Goliath the Super Fighter (1976)



Pero en 1979 rompió lazos con Tatsunoko y junto con otros animadores, fundó los Estudios Pierrot. Uno de los autores que tomó como discípulo fue Mamoru Oshii.

KATSUHIRO OTOMO: EL MAESTRO DEL CAOS

Entre 1978 y 1988 tuvo lugar la llamada Edad de Oro del Manga Anime, el anime había conseguido mucha popularidad rápidamente y ésto sumado a las aportaciones de los encargos occidentales hizo que las productoras se encontraran ganando dinero a manos llenas, al estar en aquellos momentos el mercado occidental con la guardia baja, las productoras japonesas quisieron probar de hacer películas cada vez más caras y espectaculares con la intención de ganarse el mercado americano y coronarse como la mayor industria de la animación del mundo. Fue en aquella época donde se creó todo un star sistem alrededor de autores como Leiji Matsumoto, Hayao Miyazaki e Isao Takahata, Mamoru Oshii, y desde luego, el autor de la obra más cara, espectacular y deficitaria de aquella época: Katsuhiro Otomo.

Katsuhiro Otomo era un autor de manga de ciencia ficción, género negro y terror, con obras como A Gun Report, Fireball o Domu. En 1982 entró en el mundo del anime como diseñador de personajes de la película Harmagedon.



Al año siguiente, Otomo comenzó su opera magna de manga: Akira, en la que trabajaría durante 8 años a lo largo de 2182 páginas, y lo fue alternando con otros trabajos de anime, Otomo es un gran fan del shonen Tetsuin 28 Go, por lo que los nombres de muchos personajes vienen de esa obra. En 1987 dirigió, guionizó y animó por primera vez un corto de anime, se trataba de uno de los cortos de la película Neo-Tokyo: Construction Cancellation Order.





Y el mismo año también participó en los cortos del prólogo y el epílogo de Robot Carnival.





Al parecer a Otomo le gustó participar en superproducciones de anime, por lo que decidió adaptar el manga de Akira. Otomo aún estaba trabajando en esta serie de manga, con todo y con esas consiguieron estrenarla al año siguiente, la que concretamente era la película de animación más cara de la historia.



A pesar de ser una de las películas de anime de más éxito internacional, ha sufrido críticas muy duras ya que sólo es fiel al cómic durante la primera mitad de la historia, después la trama cambia completamente.

Se trata de una historia cyberpunk sobre Kaneda y Tetsuo, dos miembros de una banda de moteros de Neo-Tokio, una ciudad reconstruida sobre las ruinas de Tokio tras la Tercera Guerra Mundial. Tetsuo será secuestrado por unos militares que realizaran experimentos con él con tal de convertirlo en un ser supremo, ya que su último experimento, con un niño llamado Akira, fue un fracaso. Kaneda se aliará con Kei, una terrorista, con tal de rescatar a Tetsuo, mientras Tetsuo por su banda sufre la transformación que le convertirá en un monstruo ultra-destructivo.

Para llevar a cabo una obra de esta magnitud, fundaron una productora llamada Akira Committee, formada por las empresas Kodansha Ltd., Mainichi Broadcasting System, Inc., Bandai Co., Ltd., Hakuhodo Incorporated, Toho Co., Ltd., Laserdisc Corporation, Sumitomo Corporation y Tokyo Movie Shinsha Co., Ltd. 

Se trataba de una producción de animación muy elaborada, se usaron 160.000 cels, fue la primera producción de anime realizada con lib-sync: filmaron las bocas de los dobladores y las transladaron a los personajes con rotoscopia. Los efectos sonoros estuvieron muy cuidados, el sonido de la moto de Kaneda lo hicieron con el motor de una Harley Davidson de 1929 mezclado con el sonido de un reactor.

El final de la película es diferente al del manga, la serie de manga terminó 2 años después que se estrenara la película, Otomo no estaba contento con el final que tenía pensado para el manga, por lo que decidió cambiarlo en la película tras una conversación con Alejandro Jodorowski, por un final que ni siquiera Otomo comprendía, y en cuanto a Jodorowski, no recuerda que le dijo a Otomo.

Las críticas fueron irregulares, basicamente aclamaron su espectacularidad y su factura, pero la criticaron por basarse demasiado en crear una estética atractiva, presentar conceptos impactantes y dejarle un guión débil, resultado de comprimir 6 volumenes de manga en 2 horas. En Japón fue un fracaso que casi provoca la quiebra de toda la industria del anime. En Estados Unidos se estrenó la versión doblada al inglés de Hong Kong, ya que ninguna gran distribuidora quiso encargarse de ella porque Steven Spielberg y George Lucas declararon que era un producto que los norte-americanos no entenderían. Sin embargo Lucas y Spielberg se equivocaron porque la película creó una nueva moda del manga-anime en occidente a principios de los años 90, convirtiendose en todo un símbolo de la animación japonesa.


En 1990 hubo un proyecto de realizar una película en imagen real, pero lo desestimaron al ver el presupuesto necesario. Finalmente Warner Brothers se hizo cargo del proyecto y producirá 2 películas, con Katsuhiro Otomo como productor ejecutivo y dirigidas por Albert Hughes con actores como Leonardo di Caprio y Morgan Freeman. Morgan Freeman de quien hará? De Tetsuo, de Kaneda o de Akira? Como demonios puede quedar una versión americana de Akira?



Las influencias de Akira han acabado impregnando todo el seinen, como Animatrix, Roujin Z (1991) guionizado por el propio Otomo



Incluso ha influenciado a "seinens occidentales" como X-Men y videoclips como Stronger de Kanye West y Draft Punk



En 1995 trabajó en 2 cortos de la película Memories: Canon Fodder, como guionista y director, y Stink Bomb, como guionista.



Y en el 2001 participó como guionista en Metropolis.






Esta pelicula está basada en el manga de Osamu Tezuka de 1949 a su vez basado en la película alemana de 1928 de Fritz Lang. Se trata de una produccion estelar con dirección de Rintaro y animación co-realizada por Tezuka Productions. Como no podía faltar en una película de Otomo, incluye escenas de violencia y ultra-destrucción que le hizo ganar la categoria de "Mayores de 13 años" y que se emitiese en el canal de animación adulta Adult Swim.

La película se desvincula bastante del manga original, añadieron a los personajes originales más personajes del universo Tezuka como Ham Egg, President Boone, Acetylene Lamp y crearon otros de cero como Rock. El guión acabó pareciendose más al de la película de Fritz Lang, en lo que mucha gente consideró poco respetuoso con la obra de Osamu Tezuka. De todas maneras Rintaro declaró que si Tezuka estuviese vivo nunca habria aceptado que hiciesen una adaptacion en cine de su obra.

La banda sonora es de Jazz estilo New Orleans, de autores japoneses, lo cual no deja de sorprender en una produccion oriental, pero bien merece echarle un oído.

Como curiosidad: al final de la versión japonesa, aparece una foto de la empresa Kenichi & Tima Robot Company, en la que la niña robot Tima, aparece en una ventana de un camion. Esto modificaria completamente el final de la película, y es una escena que no aparece en la versión occidental.

En los años 2000 Otomo hizo sus proyectos a través del estudio Sunrise, donde produjo Steam Boy (2004), de nuevo "la película de animación más cara de la historia"



y también produjo Freedom Project (2006)



También participó en el 2006 en el anime televisivo Mushishi, como guionista



Y el mismo año dirigió un life action de esta serie



y en el 2007 realizó su última película: SOS! Tokyo Metro Explorers: The Next.



Katsuhiro Otomo es el gran maestro del seinen ahora que Satoshi Kon ha muerto y que Hideaki Anno se dedica al cine de imagen real, sólo Mamoru Oshii y Masamune Shirow se le acercan.

La obra de Otomo se aleja del manga-anime de la escuela Tezuka, con sus estéticas apocalítpicas, barrocas, sucias pero muy humanas a la vez, unos universos de superciudades que explotan, multitudes que se vuelven locas e inmensas máquinas hightech debora-hombres, todo impregnado con humor catastrófico como crítica a la propia esencia de la civilización. Sus obras son muy elaboradas y carísimas, quizá por ello su obra en anime es escasa, pero almenos supo mantenerse fiel a sus principios produciendo sólo películas de extrema calidad. Mató la Edad de Oro del Manga Anime, pero le hizo ganar el Mundo a la animación japonesa,

Halo Legends

la última producción de Toei es el cortometraje Odd One Out, de la película Halo Leyends

Ghost in the Shell 2: Innocence

Ghost in The Shell tuvo una secuela llamada Inocence, pero esta no llegó a superar el éxito de la predecesora de Mamoru Oshii

Sayonara!


VER PELÍCULA GHOST IN THE SHELL

Avalon

SUPERLIVEMANTION

Se trata de una técnica de animación CGI 3D en 2D desarrollada para los efectos especiales de la película Avalon, de Mamoru Oshii  (2001)




Poco a poco fueron desarrollando la técnica, y la usaron también en los cortos de Minipato

Isao Takahata

posteriormente a la muerte de Tezuka, Japón se encontraba en el ocaso de su Edad de Oro, habían muchísimos grandes animadores japoneses, a pesar de que sus super-producciones habían fracasado, el único gran estudio que salió bien parado fue Ghibli, y por lo tanto, se pasó a divinizar a Hayao Miyazaki




Éste hecho, incluso ha motivado la creencia de que Miyazaki es el discípulo de Tezuka. Falso. Miyazaki es el discípulo de Isao Takahata



Y tanto Miyazaki como Takahata se formaron en Toei Animation, la productora rival de Tezuka. Takahata aparte de ser el maestro de Miyazaki, es el nº2 de Ghibli, y en mi opinión es el animador más infravalorado de la história, mientras Miyazaki es un fiera con los diseños steam-punk y de fantasía, Takahata es un fiera con los guiones y la dirección, los dos hacen un equipo fantástico, pero quien recibe la fama es Miyazaki. La película con más premios de Ghibli es La Tumba de las Luciérnagas, de Takahata, él fue quien revolucionó los dramas literarios infantiles, quien creó Heidi, la primera superproducción de anime para la TV (mucha gente cree que es obra de Miyazaki), sus películas como Pom Poko ni siquiera se estrenan en muchos países occidentales, y según mi opinión, son mejores que las de Miyazaki.



Por lo visto la cultura japonesa no puede aceptar que la gloria se comparta entre 2 Ídolos, y teniendo en cuenta el carácter más extrovertido de Miyazaki se ha acabado asimilando que Ghibli = Hayao Miyazaki = El Actual Dios del Anime = El Sucesor de Tezuka, Takahata ha quedado de segundón, y como dicen los americanos... El Segundo es el Primero en Perder.

diumenge, 10 de juliol de 2011

ANIME LITERARIO

La idea de versionar mangas acabaría cuajando mejor que la de continuar con los cuentos de hadas, en Nippon Animation, Miyazaki y Takahata supieron ver (antes que los americanos) que ésta fórmula empezaba a criar moho, y decidieron darle una vuelta de tuerca buscando material literario más innovador, intentaron versionar Pipi Calzaslargas, pero la escritora sueca Astrid Lindgren se negó a venderles los derechos. Miyazaki y Takahata entonces quisieron probar con los Dramas Realistas Infantiles, Nippon no creía que pudiese tener éxito, ya que en Japón estaban teniendo más éxito las versiones de mangas, y en America las adaptaciones literarias estaban estancadas, pero a la televisión alemana le gustó la idea, y coprodujeron la serie Heidi (Johanna Spyri)



Heidi fue todo un éxito, a pesar de que fue deficitaria por su presupuesto exagerado, y animó a Nippon a que realizara más dramas realistas infantiles como Marco (Edmondo de Amicis), El Perro de Flandes (Marie Louise de la Ramée), Ana de las Tejas Verdes (Lucy Maud Montgomery),Tom Sawyer (Mark Twain), El Pequeño Lord (Frances Hodgson),



Mujercitas (Louisa May Alcott).



o Sonrisas y Lágrimas (Maria Augusta Trapp)



Nippon también produjo adaptaciones de literatura occidental de otras temáticas como Vickie el Vikingo (Runer Johnson) La Abeja Maya (Waldemar Bonsels), El Bosque de Tallac y Banner y Flappy (Ernest Thompson Seton), Las Fábulas del Bosque Verde (Thornton W. Burgess), Las Aventuras de Peter Pan (J.M. Barrie), Conan el Niño del Futuro (Alexander Key) o Alicia en el País de las Maravillas (Lewis Carrol)


Otras productoras también hicieron adaptaciones literarias occidentales mas o menos libres, como TMS con Lupin III (Maurice Leblanc), Remi (Hector Malot) o Sherlock Holmes (Arthur Conan Doyle)




Pero... qué hay de la literatura japonesa moderna? Uno de los autores de literatura juvenil mejor considerados es el activista pro-derechos humanos Kenji Miyazawa, sus obras han sido versionadas en anime en varias ocasiones: Night of the Galactic Railroad (1985)




Gauche the Cellist (Yoshitsugu Tanaka 1949, Matsue Jingo 1963, Isao Takahata 1982)



y The Night of Taneyamagahara (Ghibli 2006)



También en 1996 se produjo una biografía en anime de Miyazawa, para celebrar su centenario, Spring and Chaos

 


En los años 90 había surgido otro género de anime basado en eroge (novelas rosas japonesas) y las Novelas Visuales, el primer anime basado en estos productos fue Sentimental Journey (Nobuyoshi Araki).



Luego este género ha tenido un boom en los años 2000 con obras como SHUFFLE! (Seishi Ogata), Ef: A Tale of Memories (Mikage, Yū Kagami),Kanon (Mariko Shimizu), 



gurashi no Naku Koro ni (Ryukishi07),



y Clannad (Jun Maeda, Yūichi Suzumoto).



En los años 2000 la idea de versionar mangas comenzó a parecer demasiado ligera, sobretodo de cara al seinen, de hecho las 2 franquicias de anime más alabadas por la crítica de los años 90: Cowboy Beebop y Evangelion, son guiones originales. Las productoras comenzaron a contratar guionistas brillantes para crear series de anime de duración media, otra forma de conseguir guiones elaborados era la de versionar pulps y novelas ligeras, un género literario muy popular en Japón, así fue como han aparecido series como The Melancholy of Haruhi Suzumiya (Nagaru Tanigawa), Death Note (Nisio Isin), Bakemonogatari (Nisio Isin), Fullmetal Alchemist (Makoto Inoue),    Shakugan no Shana (Yashichiro Takahashi),



Lucky Star (Tōka Takei) y



Toradora! (Yuyuko Takemiya).



Así que hagamos un rápido repaso a la evolución del anime literario: Los japoneses comenzaron emulando a Disney, tomaron el relevo a los chinos en los cuentos de hadas orientales, luego pasaron a producir cuentos de hadas occidentales y adaptaciones de mangas, en los 70's hubo el boom de los dramas literarios infantiles, y actualmente versionan novelas rosas y novelas ligeras. Ha sido una evolución rápida (sobretodo si tenemos en cuenta que en occidente parodiar Cuentos de Hadas aún se considera Innovador, y si se anuncia "EN 3D!!!" ni te cuento).

El problema que tienen las versiones de mangas... es que, incluso entre los mangas de más calidad, como los de Naoki Urusawa: Las historias manga están pensadas para editar por capítulos en revistas, hay capítulos relevantes para la historia, y otros que son paja, a veces incluso son capítulos de fan service sin relación, si un personaje secundario gusta le dan protagonismo, a veces incluso crean personajes sin sentido sólo porque quedan molones en la portada, si una serie vende bien la alargan tanto que a menudo pierde interés, las cartas de los lectores mandan sobre el manga, y aunque esto funciona para que las revistas ganen lectores... Entorpece la narrativa. Versionar literatura se ha presentado como una oportunidad de lanzar franquicias en todos los medios simultaneamente y que su historia conserve profundidad.

1 - LOS CUENTOS DE HADAS
2 - DE LA BIBLIOTECA AL CEL
3 - ANIME LITERARIO

4 - CUENTOS DE HADAS EN ANIME
5 - CUENTOS DE HADAS EN ANIME, POR ÁLVARO

dissabte, 9 de juliol de 2011

Cuentos de Hadas en Anime, por Alvaro

Enviado por Alvaro:

Con respecto al artículo "Cuentos de Hadas en Anime" me gustaría mencionar algunos títulos:

"The Snow Queen", realizada en el año 2005:



La sirenita, versión anime (No la Disney, ni tampoco la serie que hizo Saban):



Una serie basada en los cuentos de los Hermanos Grimm, hecha en 1987:







La serie anime de chicas mágicas "Princes Tutu" usa muchos motivos sacados de los Cuentos de hadas clásicos y el ballet:

dijous, 7 de juliol de 2011

Mi Vecino Totoro

En resumidas cuentas, el Kodomo clásico (dejemos ya de lado las confusiones como shin chan), es un género con una gran producción, ya que en los casos en que tiene éxito, genera unos volúmenes de merchandising brutales. Es un género muy colorista y alegre que a los niños pequeños les encanta, si bien dudo que alguno tenga un argumento con suficiente miga como para producir más de 20 episodios, y acostumbran a volverse muuuuuuuuy repetitivos, se agradece que no cuenten con fan-service o que resulten unos deboradores de cerebros consumistas como ocurre en el sub-género de los Bichos Coleccionables. Personalmente yo voto por los Kodomos de Calidad, como Mi Vecino Totoro

CUENTOS DE HADAS EN ANIME