VER ESPECIAL SOBRE PELÍCULAS DE ANIME PROBLEMÁTICAS
dissabte, 29 d’octubre del 2011
ANIME ENFERMO
Hoy voy a hacer un mini-especial sobre películas de anime que podríamos considerar enfermas; No son necesariamente malas películas, en su casi mayoría están realizadas por grandes maestros y alguna de ella es una auténtica joya... pero por algún motivo misterioso han acabado siendo un fracaso o desapareciendo de la memoria colectiva. Pónganse la mascarilla y el fonendoscopio, que abrimos el consultorio.
Síntomas:
Diagnóstico:
DEFUNCIÓN
Síntomas:
GRAVE
Síntomas:
Anime News:
Se situa en una casi-alternativa versión de la Tierra, pero sin "adacadabras tecnológicos", y la pantalla se ilumina con una maravillosa dirección artística de una especie de mundo familiar, pero fantasticamente ajeno. Sólo fíjense, por ejemplo, en las pistolas que usan los personajes, no son pistolas láser ni revólveres, pero pequeños detalles hacen que se entiendan como pistolas, inteligentemente modificadas para que encajen con el resto de este magnífico universo que Gainax ha creado.
Y la historia! Jo tío! No es una tontada infantil sobre salvar el universo. No es una colección de aventureros molones luchando contra demonios malignos. Nada de eso. Es una tierna historia sobre un hombre roto y aburrido buscando su redención, sumergiéndose él mismo en una causa que le resulta importante cuando todo el mundo la considera un chiste, y encontrar la iluminación espiritual a pesar de estar todo corrupto por la política como una excusa para promulgar la guerra. Es sobre un hombre que se busca a sí mismo. Es una historia madura, resonante y auténtica. Cada simple detalle de la película es una completa idiosincracia. Es maravillosa. Y no sólo es única, está escepcionalmente bien realizada. Cada fotograma estremece con su detallismo.
Causas:
GRAVE
2 - ODIN: PHOTON SAILER STARLIGHT (1985)
Síntomas:
DEFUNCIÓN
El productor, Yoshinobu Nishizaki se pasó al mercado de las OVA's hentai, y acabó en la cárcel por posesión de drogas y tráfico de armas.
Síntomas:
Diagnóstico:
CURADA
PRODUCCIONES ENFERMAS
5 - FINAL FANTASY: THE SPIRITS WITHIN (2001)- 50 millones de dólares de déficit.
- Escepticismo antes de su estreno.
- No ganó ningun premio importante, ni fue nominada a los Oscars
- Críticas mayoritariamente negativas:
- Presupuesto exagerado.
- Era demasiado pretencioso aún hacer películas de animación fotorrealistas.
- La animación por captura de movimiento no acaba de dar buenos resultados.
- La protagonista, Aki, es una mera chica objeto que no aporta nada a la historia.
- No tiene ninguna relación con la saga de videojuegos.
- La trama es confusa y la historia absurda.
- Personajes sin carisma.
- No aporta nada.
- Los estudios Enix y la productora de videojuegos Square retrasaron su fusion debido a las pérdidas de la película.
- La industria de la animación japonesa no volvió a aventurarse a la animación CGI salvo contadas escepciones.
- Popularizó el concepto de Efecto Valle Inquietante.
DEFUNCIÓN
- En cuanto terminaron la secuela: Final Fantasy VII Advent Children, se pasaron a la co-producción de anime convencional.
- Fracaso Comercial
- La única película de la trilogía Animerama que no estuvo dirigida ni guionizada por Osamu Tezuka
- Contiene unos abusos de sexo y violencia que entorpecen el argumento romántico.
- Fue incomprendida en occidente.
- Mushi Pro quebró al año siguiente.
- Se trata de una obra de culto poco conocida, odiada y admirada por igual.
Síntomas:
- Mal resultado en taquilla.
- Críticas Positivas:
Anime News:
Se situa en una casi-alternativa versión de la Tierra, pero sin "adacadabras tecnológicos", y la pantalla se ilumina con una maravillosa dirección artística de una especie de mundo familiar, pero fantasticamente ajeno. Sólo fíjense, por ejemplo, en las pistolas que usan los personajes, no son pistolas láser ni revólveres, pero pequeños detalles hacen que se entiendan como pistolas, inteligentemente modificadas para que encajen con el resto de este magnífico universo que Gainax ha creado.
Y la historia! Jo tío! No es una tontada infantil sobre salvar el universo. No es una colección de aventureros molones luchando contra demonios malignos. Nada de eso. Es una tierna historia sobre un hombre roto y aburrido buscando su redención, sumergiéndose él mismo en una causa que le resulta importante cuando todo el mundo la considera un chiste, y encontrar la iluminación espiritual a pesar de estar todo corrupto por la política como una excusa para promulgar la guerra. Es sobre un hombre que se busca a sí mismo. Es una historia madura, resonante y auténtica. Cada simple detalle de la película es una completa idiosincracia. Es maravillosa. Y no sólo es única, está escepcionalmente bien realizada. Cada fotograma estremece con su detallismo.
Causas:
- Presupuesto exagerado: 800 millones de yens.
- En occidente sólo se estrenó en vídeo.
- Su secuela: Aoki Uru, nunca llegó a producirse por falta de presupuesto.
GRAVE
- A pesar de considerarse una obra culto de la Edad de Oro, ha quedado bajo la sombra de otras producciones como Akira o las siguientes producciones de Gainax.
2 - ODIN: PHOTON SAILER STARLIGHT (1985)
- Pobre recepción en taquilla
- Duras críticas de la prensa y del sector Otaku
- Desarrollo lento y aburrido.
- Final inconcluso.
- La versión americana fue duramente re-editada, pasando de 2 horas y cuarto a 90 minutos de metraje.
- El argumento es un refrito de Space Battleship Yamato.
- La banda sonora glam metal japonés del grupo Loudness queda ridícula.
- La productora canceló la producción de las siguientes 2 secuelas, ya que en su concepto original formaba parte de una trilogía.
- Está considerada la peor película de la Edad de Oro del Manga-Anime.
DEFUNCIÓN
El productor, Yoshinobu Nishizaki se pasó al mercado de las OVA's hentai, y acabó en la cárcel por posesión de drogas y tráfico de armas.
1 - AKIRA (1988)
Síntomas:
- Fracaso en su estreno en Japón.
- Modesto estreno internacional
- Algunas críticas irregulares:
Diagnóstico:
- Presupuesto exagerado (para una película japonesa de 1988).
- Condensaron 6 volúmenes de manga con cerca de 2000 páginas en 2 horas, resultó excesivo.
- El manga aún no había terminado durante la producción, el final no lo tenía pensado Otomo.
- El final fue una sugerencia de Alejandro Jodorowski que ni Otomo ni Jodorowski recuerdan que significaba.
- Spielberg y George Lucas declararon que el público americano no entendería esta película.
- Las grandes distribuidoras americanas se negaron a distribuirla, su estreno original fue muy reducido y doblado al inglés de Hong Kong.
- Estrenada justo cuando comenzó la crisis inmobiliaria japonesa.
- La Productora: Akira Comitée, quebró.
- El fracaso de Akira provocó la quiebra de su distribuidora.
- Al quebrar la distribuidora de Akira Comitée y TMS provocó una reacción en cadena que hundió todas las distribuidoras.
- Al quebrar todas las distribuidoras quebraron todas las superproductoras de anime, salvo Ghibli, distribuída por Disney.
- Causó el fin de la llamada Edad de Oro del Manga-Anime
CURADA
- La distribución en vídeo en occidente fue todo un éxito, la película se volvió rentable, un símbolo de la animación japonesa y uno de los animes más elogiados.
dimecres, 26 d’octubre del 2011
Clannad
Clannad (2008 - 2009).
Aparte de las novelas rosas, los otros géneros de novelas ligeras y pulps también han conseguido hacerse un hueco en el anime al aportar tramas con más miga que las que aportaba el manga, dando como resultado animes de éxito como The Melancholy of Haruhi Suzumiya (2006), Sola (2007), Pani Poni Dash! (2005)
Aparte de las novelas rosas, los otros géneros de novelas ligeras y pulps también han conseguido hacerse un hueco en el anime al aportar tramas con más miga que las que aportaba el manga, dando como resultado animes de éxito como The Melancholy of Haruhi Suzumiya (2006), Sola (2007), Pani Poni Dash! (2005)
dimarts, 25 d’octubre del 2011
NIPPON ANIMATION
En 1962 se fundó un estudio de animación llamado Zuiyo Eizo, no era algo grande como Toei, Mushi o Tatsunoko, se trataba más bien de un estudio asociado que en 1969 se hicieron cargo del World Masterpiece Theater, una franquicia de series de anime basado en literatura juvenil que se produjo hasta el 2007.
entre estas series también había historias ecologistas como Las Fábulas del Bosque Verde (1973)
Basadas en un relato de Thorton W. Burgess, se trataba de las aventuras de dos marmotas y los animales del bosque y contaba con 52.
El auténtico boom de esta franquicia llegó en 1974, cuando produjeron Heidi
Éste anime basado en un relato de Johanna Spiri tuvo mucho éxito en Japón y Europa, pero se trataba de un experimento de Isao Takahata, un drama para niños, y que encima fuese la primera superproducción de anime para la TV. Fue tan caro que no pudieron rentabilizarlo sólo con su estreno en las pantallas, y a pesar de que habían conseguido la co-producción de la productora alemana ZDF, fue deficitaria, tanto que en 1975 debieron dividir Zuiyo Eizo en dos productoras: Zuiyo, que se hizo cargo de los derechos y la deuda de Heidi, y Nippon Animation, que contando con el personal, los contactos en Europa y el material que usaron para Heidi, pudieron dedicarse a más producciones de anime de calidad.
Nippon instantaneamente tuvo éxito con más series como la Abeja Maya
o El Perro de Flandes, la primera producción ya como Nippon para el World Masterpiece Theater.
Nippon produjo más obras del estilo de Fábulas del Bosque Verde como El Bosque de Tallac (1977)
o Banner y Flappy (1979)
Ambas series son producciones de Nippon Animation basadas en relatos de Ernest Thomson Sheton.
El Bosque de Tallac trata sobre unos ositos de las montañas de California, que tras perder a su madre a manos de un cazador son criados por una cowgirl y un niño nativo americano, un comerciante los roba para venderlos a un circo que organiza peleas de oseznos contra perros, los ositos consiguen escaparse del circo y se pierden por las montañas. Un año más tarde los niños se encuentran los osos, ya adultos, se alimentan matando al ganado de las granjas cercanas, y los granjeros de la zona se disponen a matarlos.
Banner y Flappy es una coproducción alemana, trata sobre una ardilla criada por una gata doméstica que vuelve al bosque, allí deberá volver a aprender los peligros de la vida en la naturaleza: Los depredadores, las dificultades para encontrar comida, las rivalidades entre machos por encontrar hembra, se les incendia el bosque y deben migrar, los humanos edifican en los territorios que antes ocupaban ellos... incluso hay un capítulo en que banner se vuelve adicto a las setas alucinógenas.
Ambas series eran elogios a la naturaleza, pero con un trasfondo bastante más cruel a los estándares occidentales de la época para historias infantiles. En España las distribuyó BRB, la productora que más adelante seguiría éstas fórmulas para producir David el Gnomo.
Durante la producción de Ana de las Tejas Verdes (1979), Miyazaki abandonó el estudio para producir la película de Lupin III y el Castillo de Cagliostro.
BRB era una empresa de merchandising española que tras hacerse con los derechos de explotación de la mascota del Mundial de de Futbol en España 1982: Naranjito, se encontró con unos beneficios enormes y una gran infraestructura de merchandising creada, que pudieron usar para crear más séries de televisión en co-producción con Nippon Animation, como D'Artacan y los 3 Mosqueperros
Ruy, el Pequeño Cid (1980),
y La Vuelta al Mundo de Willy Fog
En los 80 hicieron más obras basadas en literatura occidental: Tom Sawyer (Mark Twain), El Pequeño Lord (Frances Hodgson),
Mujercitas (Louisa May Alcott).
o Sonrisas y Lágrimas (Maria Augusta Trapp)
Nippon también produjo adaptaciones de literatura occidental de otras temáticas no-melodramáticas como Vickie el Vikingo (Runer Johnson) Las Aventuras de Peter Pan (J.M. Barrie), o Alicia en el País de las Maravillas (Lewis Carrol)
También hay escepciones como Chibi Maruko-chan (1990), basado en un manga de Momoko Sakura.
Se trataba de una serie costumbrista sobre una niña super-inteligente, que consiguió un 40% de share en su mejor momento, convirtiéndose así en una de las series de anime de más éxito de todos los tiempos.
Su última serie basada en literatura occidental fue Jeanie with the Light Brown Hair (1992)
Y su última serie original: Yamato Nadeshiko Shichi Henge (2006)
y el telefilm Miyori no Mori (2007)
Que productora tan peculiar, mientras Toei explotaba la idea de anime basado en mangas y Tatsunoko probaba fórmulas nuevas para el mercado occidental, Nippon probó con la literatura, una idea arriesgada de Takahata, pero que funcionó bien! Tras la partida de Takahata y Miyazaki se acabaron las innovaciones, pero tenían suficiente material para aguantar dignamente durante los años 80. Luego se estancaron... perdieron popularidad y quedaron como un reflejo de lo que habían sido. El Manga-Anime se había fundado como un género de fantasía, y por lo visto la audiéncia decidió que volvieran a ello.
entre estas series también había historias ecologistas como Las Fábulas del Bosque Verde (1973)
Basadas en un relato de Thorton W. Burgess, se trataba de las aventuras de dos marmotas y los animales del bosque y contaba con 52.
El auténtico boom de esta franquicia llegó en 1974, cuando produjeron Heidi
Éste anime basado en un relato de Johanna Spiri tuvo mucho éxito en Japón y Europa, pero se trataba de un experimento de Isao Takahata, un drama para niños, y que encima fuese la primera superproducción de anime para la TV. Fue tan caro que no pudieron rentabilizarlo sólo con su estreno en las pantallas, y a pesar de que habían conseguido la co-producción de la productora alemana ZDF, fue deficitaria, tanto que en 1975 debieron dividir Zuiyo Eizo en dos productoras: Zuiyo, que se hizo cargo de los derechos y la deuda de Heidi, y Nippon Animation, que contando con el personal, los contactos en Europa y el material que usaron para Heidi, pudieron dedicarse a más producciones de anime de calidad.
Nippon instantaneamente tuvo éxito con más series como la Abeja Maya
o El Perro de Flandes, la primera producción ya como Nippon para el World Masterpiece Theater.
Nippon produjo más obras del estilo de Fábulas del Bosque Verde como El Bosque de Tallac (1977)
o Banner y Flappy (1979)
Ambas series son producciones de Nippon Animation basadas en relatos de Ernest Thomson Sheton.
El Bosque de Tallac trata sobre unos ositos de las montañas de California, que tras perder a su madre a manos de un cazador son criados por una cowgirl y un niño nativo americano, un comerciante los roba para venderlos a un circo que organiza peleas de oseznos contra perros, los ositos consiguen escaparse del circo y se pierden por las montañas. Un año más tarde los niños se encuentran los osos, ya adultos, se alimentan matando al ganado de las granjas cercanas, y los granjeros de la zona se disponen a matarlos.
Banner y Flappy es una coproducción alemana, trata sobre una ardilla criada por una gata doméstica que vuelve al bosque, allí deberá volver a aprender los peligros de la vida en la naturaleza: Los depredadores, las dificultades para encontrar comida, las rivalidades entre machos por encontrar hembra, se les incendia el bosque y deben migrar, los humanos edifican en los territorios que antes ocupaban ellos... incluso hay un capítulo en que banner se vuelve adicto a las setas alucinógenas.
Ambas series eran elogios a la naturaleza, pero con un trasfondo bastante más cruel a los estándares occidentales de la época para historias infantiles. En España las distribuyó BRB, la productora que más adelante seguiría éstas fórmulas para producir David el Gnomo.
Durante la producción de Ana de las Tejas Verdes (1979), Miyazaki abandonó el estudio para producir la película de Lupin III y el Castillo de Cagliostro.
BRB era una empresa de merchandising española que tras hacerse con los derechos de explotación de la mascota del Mundial de de Futbol en España 1982: Naranjito, se encontró con unos beneficios enormes y una gran infraestructura de merchandising creada, que pudieron usar para crear más séries de televisión en co-producción con Nippon Animation, como D'Artacan y los 3 Mosqueperros
Ruy, el Pequeño Cid (1980),
y La Vuelta al Mundo de Willy Fog
En los 80 hicieron más obras basadas en literatura occidental: Tom Sawyer (Mark Twain), El Pequeño Lord (Frances Hodgson),
Mujercitas (Louisa May Alcott).
o Sonrisas y Lágrimas (Maria Augusta Trapp)
Nippon también produjo adaptaciones de literatura occidental de otras temáticas no-melodramáticas como Vickie el Vikingo (Runer Johnson) Las Aventuras de Peter Pan (J.M. Barrie), o Alicia en el País de las Maravillas (Lewis Carrol)
También hay escepciones como Chibi Maruko-chan (1990), basado en un manga de Momoko Sakura.
Se trataba de una serie costumbrista sobre una niña super-inteligente, que consiguió un 40% de share en su mejor momento, convirtiéndose así en una de las series de anime de más éxito de todos los tiempos.
Su última serie basada en literatura occidental fue Jeanie with the Light Brown Hair (1992)
Y su última serie original: Yamato Nadeshiko Shichi Henge (2006)
y el telefilm Miyori no Mori (2007)
Que productora tan peculiar, mientras Toei explotaba la idea de anime basado en mangas y Tatsunoko probaba fórmulas nuevas para el mercado occidental, Nippon probó con la literatura, una idea arriesgada de Takahata, pero que funcionó bien! Tras la partida de Takahata y Miyazaki se acabaron las innovaciones, pero tenían suficiente material para aguantar dignamente durante los años 80. Luego se estancaron... perdieron popularidad y quedaron como un reflejo de lo que habían sido. El Manga-Anime se había fundado como un género de fantasía, y por lo visto la audiéncia decidió que volvieran a ello.
Saber Rider and the Star Sheriffs
Un anime de Western Futurista que recuerdo de mi infancia es Saber Rider and the Star Sheriffs
Ésta serie sigue una tónica parecida al Western Futurista americano Bravestarr, y al japo-americano Galaxy Rangers
Ésta serie sigue una tónica parecida al Western Futurista americano Bravestarr, y al japo-americano Galaxy Rangers
dilluns, 24 d’octubre del 2011
Cybersix
Otro artista occidental de influencia anime sería el argentino Carlos Meglia, era un animador de Hanna Barbera que en el 91 creó la serie de cómics Cybersix
Cybersix, como serie de TV es una serie japo-argentino-canadiense de 1999 que consta de 13 episodios. Trata de una chica que es el resultado de un experimento nazi que ejerce como super-heroïna evitando los planes malignos del doctor Von Reichter.
Cybersix, como serie de TV es una serie japo-argentino-canadiense de 1999 que consta de 13 episodios. Trata de una chica que es el resultado de un experimento nazi que ejerce como super-heroïna evitando los planes malignos del doctor Von Reichter.
dissabte, 22 d’octubre del 2011
dilluns, 17 d’octubre del 2011
Final Fantasy VII: Advent Children
El caso es que Square Pictures sólo se atrevió a usar el tipo de animación de Final Fantasy: The Spirits Within en 2 ocasiones más: en el corto El Último Vuelo de Osiris y en Final Fantasy VII: Advent Children
dissabte, 15 d’octubre del 2011
divendres, 14 d’octubre del 2011
ANIME BUDISTA
La semana pasada habíamos hablado de la Animación Religiosa y el Anime Cristiano, pero detengámonos un momento, ¿qué hay de las religiones orientales? Al igual que en la India, en los países de Extremo Oriente se funden los mitos religiosos con el folklore, pasando a formar parte de la cultura popular con total normalidad. Muchos mitos budistas han sido versionados como Manhua Anime como serían los casos de Nezha (1979)
O Havoc in Heaven (1961)
Una producción de los Hermanos Wan considerada la obra cumbre de la animación china, con un estilo muy influenciado por la Ópera de Pekín. Esta película estaba planeada como una continuación de Princess Iron Fan en 1941, sin embargo debieron cancelar su producción a causa de la Segunda Guerra Mundial, y después a causa de la Guerra Civil, no la retomaron hasta 1954, terminaron la primera parte en 1961, la segunda parte en 1964 y las estrenaron juntas en 1965. Sin embargo no se volvió a hacer nada parecido, ya que al año siguiente tuvo lugar la Revolución Cultural, y cerraron todos los estudios de animación de China.
La historia está basada en el mito del Viaje al Oeste, y trata del Rey Mono (Sun Wukong) que se revela ante el Emperador de Jade del Cielo. Se trata de una obra casi inédita en occidente y que ha influenciado a muchísimas películas (animadas o no) de toda Asia. De hecho, Sun Wukong es un personaje que ha protagonizado multitud de animes, tanto chinos como Journey to the West
Como japoneses, como Dragon Ball
PREMIO GERTIE 2011 A LA MEJOR FRANQUICIA DE ANIME
En el caso de Japón, si bien no han sido demasiado amigos de versionar mitos budistas y sintoístas fielmente como anime, sí que han impregnado todo tipo de obras con conceptos religiosos. Por ejemplo en Dream Saga, Susanoo, el dios de la destrucción, consume a Amaterasu, la divinidad del sol, para destruir y recrear la Tierra sobrecontaminada por la humanidad.
Hay otros animes que utilizan conceptos religiosos orientales para explicar temas de ecología, como La Princesa Mononoke,
Y desde luego Pom Poko
En otros animes como
Little Prince and the Eight-Headed Dragon,
Y Blue Seed
Susanoo pretende salvar la Tierra convirtiendo a los humanos en vegetales.
En Tenjou Tenge, Nagi Souichirou es poseído por el espíritu de Susanoo, convirtiéndose en un guerrero indestructible que sólo la encarnación de Amaterasu puede vencer.
El personaje de Lamu / Lum / Urutsei Yatsura está basado en un demonio sintoísta, y contiene referencias de diferentes mitos religiosos,
en la película My Beautiful Dreamer, intentan escapar de su mundo y observan que este es tal y como se describe en la mitología budista: Situado en un círculo, aguantado sobre 7 elefantes que se alzan sobre una tortuga que flota en el Cosmos. En un capítulo hacen una parodia sobre La Historia de la Cueva, en la que los dioses encierran al dios del sol en una cueva para acudir a un espectáculo erótico.
en la película My Beautiful Dreamer, intentan escapar de su mundo y observan que este es tal y como se describe en la mitología budista: Situado en un círculo, aguantado sobre 7 elefantes que se alzan sobre una tortuga que flota en el Cosmos. En un capítulo hacen una parodia sobre La Historia de la Cueva, en la que los dioses encierran al dios del sol en una cueva para acudir a un espectáculo erótico.
En Naruto, Amaseratsu es una técnica de combate Ninja.
—ナルト—
Pero si me pusiera a enumerar más referencias sintoístas en anime, seguramente no terminaría jamás este artículo, así que terminaré con una rareza, se trata de un video promocional de Aum Shinrikyo, un culto minoritario basado en el budismo pero con tintes de filosofías cristianas y New Age, obsesionado con el Apocalipsis, el antisemitismo, contrario a la corona británica y a la masonería, crearon mangas y videos de anime como forma de entrar en la cultura popular japonesa para difundir su mensaje.
Organizaron un ataque con gas sarín en el metro de Tokyo en 1995. Mataron a 13 personas e hirieron a 7.000 más. El fundador de la religión, Shoko Asahara fue detenido y condenado a muerte en el 2006, aunque aún no se ha decretado la fecha de la ejecución. Aum Shinrikyo aún existe como religión oficial, aunque bajo estrecha vigilancia policial y distando mucho de ser lo que fue.
Quizá las productoras de anime tienen razón cuando versionan mitos antiguos en series de todo tipo: Más vale no tomarse las religiones al pie de la letra.
ANIME CRISTIANO
El cristianismo no es desconocido para los japoneses, y aunque la población cristiana japonesa sea una minoría, produjeron series de contenido cristiano incluso antes que los norte-americanos. El ejemplo más conocido sería El Superlibro (1981), de Estudios Tatsunoko.
Recordemos que Tatsunoko se dedicaba a vender los derechos de sus series a las distribuidoras para asegurarse su fácil distribución, en este caso la serie quedó como una coproducción con la productora americana Christian Broadcasting Network. Trataba sobre unos niños que viajan por el tiempo a través de un libro mágico recorriendo sucesos bíblicos, contaba con 26 episodios a los que le siguió una segunda serie: El Superlibro II (1982 – 1983) con 26 episodios más.
En este caso los niños viajan por el tiempo para buscar a su perro robot que se ha perdido por el tiempo, y trata sólo de temas del viejo testamento. A pesar de que la serie fue elogiada por muchas asociaciones cristianas y aún hoy se emite por muchos canales de TV religiosos, otras asociaciones se quejaron de que habían condensado mucho las historias y de que era insultante yuxtaponer las historias bíblicas con personajes contemporáneos y hasta un perro robot. Quizá esto motivó a Hanna Barbera a ser más fiel con su serie sobre historias bíblicas.
La Productora Christian Broadcasting Network actualmente está produciendo un remake en animación CGI, pero esta vez completamente americano.
Entre la primera y segunda temporada se estrenó un spin-off: The Flying House, una serie de 52 episodios sobre unos niños que se refugian en la casa de un científico loco y descubren una máquina del tiempo que los va enviando al pasado, reviviendo episodios del nuevo testamento.
También se realizó un largometraje llamado Penguinian Attack.
Sin embargo estas series no parecen ser una adaptación seria sobre la Biblia, un ejemplo que sí lo sería podría ser el corto de Estudios 4º: My Last Day, basado en la Pasión de Cristo, resulta fiel y demuestran un gran nivel de documentación histórica.
El hecho de que en Nippon Animation fuesen muy populares las versiones de clásicos literarios occidentales, hizo que apareciesen versiones anime como Sonrisas y Lágrimas (1991)
Una serie de 40 episodios sobre una monja que deberá hacerse cargo de unos niños de la alta sociedad austriaca, mientras redescubre la alegría de vivir con libertad y la quiere compartir con los propios niños, pero… Los nazis entran en escena, y la susodicha “libertad” queda truncada.
Otro caso de anime cristiano sería la película americano-neozelandesa-Singapurense de los 10 Mandamientos (2007)
Otra versión del Éxodo, esta vez en animación CGI, que contó con las voces de Ben Kingsley, Cristian Slater y Alfred Molina. Se trataba de una versión modesta que apenas recaudó un millón de dólares.
STEAM PUNK
Se trata de un género originariamente literario propio de los años 80 y 90, aunque ya habían premisas. Es una variante del cyberpunk que nos ofrece un periodo histórico alternativo (generalmente la Inglaterra Victoriana) desbordado por toda una serie de tecnologías fantásticas basadas en maquinarias a vapor, es un género sobretodo influenciado por la fantasía de H.R. Wells y Jules Verne.
En animación es un género que no se había tocado mucho hasta los años 90, salvo algunos ejemplos como las películas checoslovacas de Karel Zeeman, o el corto escocés Great!, pero pensemos que el manga-anime llegó a convertirse en un monstruo que devoraba géneros, y el Steam Punk no era una excepción, lo utilizaron como recurso narrativo para innovar en géneros sobre-explotados como la fantasía épica con obras como Fullmetal Alchemist. La primera Versión es del 2003
y la segunda es del 2010
Se trata de una historia de magi-ciencia steam-punk, la primera versión era más basada en el terror psicológico, mientras que la segunda era más de aventuras. En vez de usar la segunda versión para mejorar los defectos de la primera, la usaron para hacer una versión más fiel al manga... Al no ser fan del manga me encontré con 2 versiones de la misma historia igualmente buenas (quizá la segunda tiene una dirección más elaborada y la primera un guión más conciso)
o Escaflowne, ofreciéndonos unos mundos en los que se atisbaba una incipiente revolución industrial.
Pero antes que nada comprendamos qué es la revolución industrial para los japoneses, ellos lo llaman: La Era Meiji, es una época en que Japón, a consecuencia de la Guerra Ruso-Japonesa debieron pedir ayuda a los USA, y estos les obligaron a abrir sus puertos a los comerciantes occidentales. Japón había estado cerrado al resto del mundo desde la Era Tokugawa, en el siglo XVII, el comercio con Europa había desestabilizado el poder central, y todo acabó en una guerra civil. Hasta finales del siglo XIX Japón era un país medieval, y debieron adaptarse rápidamente a las culturas industriales si no querían ser aplastados por los rusos, los chinos o convertirse en una colonia occidental. Podemos imaginarnos lo que debía suponer para un japonés de aquella época comprender el nuevo mundo que se les presentaba con trenes de vapor, luces de gas, pistolas y cámaras fotográficas. Debía ser un poco como en el corto Historia de Dos Robots, de Robot Carnival (1987), donde dos Super-Robots steampunks, uno anglosajón y otro japonés se pelean en el Nagasaki del siglo XIX por dominar Japón.
El caso es que Japón se adaptó tan bien a la revolución industrial que para los años 20 ya era el país más poderoso de oriente, en los 30 amenazaba a todos los demás países y colonias, en los 40 se metió en una guerra genocida de la que era imposible salir bien parado y en los 50 era una isla en ruinas que en cuanto se recuperó se convirtió en el país tecnológicamente más avanzado del mundo, la historia de Japón en el siglo XX fue tan rápida y tan oscura que su revolución industrial ha quedado enturbiada en su memoria colectiva, un caldo de cultivo más idóneo para la fantasía que para las recreaciones históricas.
Miyazaki había producido la serie de TV Conan el Niño del Futuro, una historia post-apocalíptica en que algunas sociedades han involucionado, tiene algunas notas Steam-punk, pero quizá anda más relacionado con el cyberpunk, de hecho la diferencia entre los géneros Cyberpunk y Steampunk se pueden volver muy ambiguas, sobretodo cuando la estética está basada en la segunda revolución industrial,
Historias como Metrópolis,
メトロポリス
o So Ra No Wo To (la primera basada en un futuro retro y la segunda basada en un mundo post-apocalíptico) son historias steampunk a pesar de no-presentar estas estéticas Victorianas.
Casos como Turn A Gundam
y Galaxy Express 999, ya serían space operas con estética Victoriana añadida.
Y tampoco deberíamos olvidarnos de otro género muy relacionado con el SteamPunk: El Western Futurista, que en anime ha dado muchas franquicias como Trigun
Miyazaki produjo la serie de Sherlock Holmes, que a pesar de ser historias de género negro, el villano, el Dr Moriarti, es un personaje totalmente Steampunk y cada capítulo se resuelve siempre por medio de espectaculares persecuciones en locos artefactos a vapor.
Ghibli produjo dos películas más, que esta vez sí se pueden calificar como Steampunk: El Castillo en el Cielo (1986) y el Castillo Ambulante (2004), ambas suceden en países europeos ficticios.
El Castillo en el Cielo (Laputa en la versión original) es la primera película firmada por Ghibli, trata sobre Sheeta, una niña misteriosa que se escapa de unos militares de una fortaleza voladora y acaba en una región minera donde la recoge un niño llamado Pazu. Pazu la ayudará a esconderse tanto de los militares como de unos piratas aéreos ya que por lo visto Sheeta es la clave para descubrir el paradero de Laputa, una antiquísima ciudad flotante que nadie sabe donde se encuentra.
La historia está influenciada por Los Viajes de Gulliver, siendo Laputa uno de sus reinos mágicos, una ciudad de estética hindú flotante donde el poder es ostentado por quienes dominan la tecnología, también tiene similitudes con el poema hindú Ramayana y en cuanto a la estética de los escenarios están basados en la arquitectura galesa.
Si bien se trata de una de las mejores películas de Miyazaki, se trata de una de sus obras más infravaloradas, las críticas a la película fueron irregulares en su momento, muchos lo atribuyen a los cambios en las reediciones occidentales, cambiaron el título original de la película en las versiones española, mexicana y norte-americana (por motivos evidentes), pero también hicieron otros cambios en los diálogos que no acabaron de convencer, cada distribuidora modificó lo que quiso, las voces de los protagonistas en la versión americana no eran propias de niños… Era la época en que las distribuidoras occidentales realizaban atrocidades al versionar anime, Ghibli precisamente fue de las primeras productoras que se plantearon evitar que les mutilasen sus producciones y en sucesivas reediciones han procurado hacer versiones lo más parecidas posibles a la original.
En cuanto a El Castillo Ambulante se trata de una versión de un libro de Diana Wynne Jones, trata sobre una chica llamada Sophie que sufre una maldición de una bruja convirtiéndola en una anciana de 90 años y a no poder contárselo a nadie, entonces deberá encontrar a Howl, un brujo que vive en un castillo mecánico, al no poder explicarle su problema vivirá con él como asistenta, mientras conoce a Howl, un brujo joven y rebelde que se niega a participar en la sangrienta guerra que se está llevando a cabo en aquel reino.
Se trata de una mitología muy compleja que combina elementos de magia y de ciencia ficción Steam Punk. La historia es diferente a la del libro, Miyazaki le ofreció un pase privado a la escritora la cual dijo:
Es fantástica. No, no tengo nada que añadir, yo escribo libros, no películas. Sí, será diferente al libro, de hecho parece que será muy diferente, pero es lo que hay. Aún será una película fantástica.
En cuanto a la situación geográfica, mientras el libro está inspirado en Gales, la película presenta un mundo fantástico inspirado en la ciudad de Colmar, en Alsacia. Las críticas fueron en su mayoría positivas y recibió una nominación al Oscar al Mejor Largometraje Animado. Si bien se la considera la película visualmente más espectacular de Ghibli, el Chicago Sun Times la consideró una de sus películas más débiles.
Una franquicia SteamPunk de bastante éxito es: Sakura Wars
Originariamente se trataba de un videojuego de Sega de 1996 de Rol Táctico, está basado en el Tokyo de los años 20, donde unas chicas defienden la ciudad de las fuerzas del mal a través de un comando de Mechas llamado: Fuerza de Asalto Imperial.
Existen 6 OVA’s de entre 1 y 6 episodios cada una,
Sakura Wars (1997)
Sakura Wars 2 (1999)
Sakura Taisen: Sumire (2002)
Sakura Taisen: École de Paris (2003)
Sakura Taisen: Le Nouveau Paris (2004)
Sakura Taisen: New York, NY (2007)
Una serie de TV de 25 episodios de Madhouse (2000)y un largometraje para cines de Production I.G. (2001).
Si bien la película está muy trabajada, es espectacular y los fondos recreando el Tokyo anterior a la segunda guerra mundial son fantásticos, es muy hortera, el vestuario tiene más estética de bishojo kawai onanista que de la época Meiji/Eduardina, y en cuanto al guión no tiene ni pies ni cabeza, no tiene por qué haber un guión lógico en una historia de mechas, ok, pero a nivel estético tampoco funciona bien, a la oposición sin sentido de la estética Meiji y diseños bishojo actuales le añaden unas escenas en animación CGI de complejos militares subterráneos absurdamente exagerados, añaden ordenadores, armas de rayos, robots automáticos propulsados a reacción… eso sí, todo con tachuelas (es una forma fácil de convertir diseños cyberpunks en steampunks), si no fuera por los escenarios ni nos enteraríamos de que están en los años 20.
Finalmente quisiera hablar de la película SteamPunk más espectacular: Steamboy (2004), Se trata de la segunda superproducción dirigida por Katsuhiro Otomo, Sunrise la realizó durante 10 años, con 180,000 dibujos y 440 escenas de animación CGI, su presupuesto de 22 millones de dólares la convirtió, al igual que Akira, en la película de anime más cara de la historia, iba a ser la producción que confirmase una nueva Edad de Oro del manga-anime.
Trata sobre una familia de ingenieros que quieren usar el poder de una válvula de vapor experimental para cambiar el mundo, pero cada personaje tiene unas intenciones diferentes para este invento y el Londres de 1863 acaba convirtiéndose en un campo de batalla de artefactos mecánicos a cada cual más loco, con super-robots y mega-ciudades explotando incluidos.
Recibió el premio de Mejor Película de Animación en el Festival de Cine de Sitges del 2004, a pesar de que las críticas fueron irregulares. El Washington Post declaró:
La película no transciende de su elaborado trabajo de producción para narrar una realidad independiente. Sólo son imágenes de lo que pudo ocurrir.
Steamboy fue un fracaso de público, apenas recaudó 10 millones de dólares. Muchos lo atribuyen a una falta de marketing en occidente y a su limitada distribución.
El Steampunk se trata de un género peculiar, antiguo y nuevo a la vez, más que un género es una estética, ya que no tiene una temática concreta y se puede adaptar a otros géneros, eso sí, siempre que exista una profunda documentación y creatividad. Quién sabe, podría experimentar un boom en un futuro cercano.
VER ESPECIAL CYBERPUNK
VER ESPECIAL WESTERN FUTURISTA
En animación es un género que no se había tocado mucho hasta los años 90, salvo algunos ejemplos como las películas checoslovacas de Karel Zeeman, o el corto escocés Great!, pero pensemos que el manga-anime llegó a convertirse en un monstruo que devoraba géneros, y el Steam Punk no era una excepción, lo utilizaron como recurso narrativo para innovar en géneros sobre-explotados como la fantasía épica con obras como Fullmetal Alchemist. La primera Versión es del 2003
y la segunda es del 2010
Se trata de una historia de magi-ciencia steam-punk, la primera versión era más basada en el terror psicológico, mientras que la segunda era más de aventuras. En vez de usar la segunda versión para mejorar los defectos de la primera, la usaron para hacer una versión más fiel al manga... Al no ser fan del manga me encontré con 2 versiones de la misma historia igualmente buenas (quizá la segunda tiene una dirección más elaborada y la primera un guión más conciso)
o Escaflowne, ofreciéndonos unos mundos en los que se atisbaba una incipiente revolución industrial.
Pero antes que nada comprendamos qué es la revolución industrial para los japoneses, ellos lo llaman: La Era Meiji, es una época en que Japón, a consecuencia de la Guerra Ruso-Japonesa debieron pedir ayuda a los USA, y estos les obligaron a abrir sus puertos a los comerciantes occidentales. Japón había estado cerrado al resto del mundo desde la Era Tokugawa, en el siglo XVII, el comercio con Europa había desestabilizado el poder central, y todo acabó en una guerra civil. Hasta finales del siglo XIX Japón era un país medieval, y debieron adaptarse rápidamente a las culturas industriales si no querían ser aplastados por los rusos, los chinos o convertirse en una colonia occidental. Podemos imaginarnos lo que debía suponer para un japonés de aquella época comprender el nuevo mundo que se les presentaba con trenes de vapor, luces de gas, pistolas y cámaras fotográficas. Debía ser un poco como en el corto Historia de Dos Robots, de Robot Carnival (1987), donde dos Super-Robots steampunks, uno anglosajón y otro japonés se pelean en el Nagasaki del siglo XIX por dominar Japón.
El caso es que Japón se adaptó tan bien a la revolución industrial que para los años 20 ya era el país más poderoso de oriente, en los 30 amenazaba a todos los demás países y colonias, en los 40 se metió en una guerra genocida de la que era imposible salir bien parado y en los 50 era una isla en ruinas que en cuanto se recuperó se convirtió en el país tecnológicamente más avanzado del mundo, la historia de Japón en el siglo XX fue tan rápida y tan oscura que su revolución industrial ha quedado enturbiada en su memoria colectiva, un caldo de cultivo más idóneo para la fantasía que para las recreaciones históricas.
Miyazaki había producido la serie de TV Conan el Niño del Futuro, una historia post-apocalíptica en que algunas sociedades han involucionado, tiene algunas notas Steam-punk, pero quizá anda más relacionado con el cyberpunk, de hecho la diferencia entre los géneros Cyberpunk y Steampunk se pueden volver muy ambiguas, sobretodo cuando la estética está basada en la segunda revolución industrial,
Historias como Metrópolis,
メトロポリス
o So Ra No Wo To (la primera basada en un futuro retro y la segunda basada en un mundo post-apocalíptico) son historias steampunk a pesar de no-presentar estas estéticas Victorianas.
Casos como Turn A Gundam
y Galaxy Express 999, ya serían space operas con estética Victoriana añadida.
Y tampoco deberíamos olvidarnos de otro género muy relacionado con el SteamPunk: El Western Futurista, que en anime ha dado muchas franquicias como Trigun
Miyazaki produjo la serie de Sherlock Holmes, que a pesar de ser historias de género negro, el villano, el Dr Moriarti, es un personaje totalmente Steampunk y cada capítulo se resuelve siempre por medio de espectaculares persecuciones en locos artefactos a vapor.
Ghibli produjo dos películas más, que esta vez sí se pueden calificar como Steampunk: El Castillo en el Cielo (1986) y el Castillo Ambulante (2004), ambas suceden en países europeos ficticios.
El Castillo en el Cielo (Laputa en la versión original) es la primera película firmada por Ghibli, trata sobre Sheeta, una niña misteriosa que se escapa de unos militares de una fortaleza voladora y acaba en una región minera donde la recoge un niño llamado Pazu. Pazu la ayudará a esconderse tanto de los militares como de unos piratas aéreos ya que por lo visto Sheeta es la clave para descubrir el paradero de Laputa, una antiquísima ciudad flotante que nadie sabe donde se encuentra.
La historia está influenciada por Los Viajes de Gulliver, siendo Laputa uno de sus reinos mágicos, una ciudad de estética hindú flotante donde el poder es ostentado por quienes dominan la tecnología, también tiene similitudes con el poema hindú Ramayana y en cuanto a la estética de los escenarios están basados en la arquitectura galesa.
Si bien se trata de una de las mejores películas de Miyazaki, se trata de una de sus obras más infravaloradas, las críticas a la película fueron irregulares en su momento, muchos lo atribuyen a los cambios en las reediciones occidentales, cambiaron el título original de la película en las versiones española, mexicana y norte-americana (por motivos evidentes), pero también hicieron otros cambios en los diálogos que no acabaron de convencer, cada distribuidora modificó lo que quiso, las voces de los protagonistas en la versión americana no eran propias de niños… Era la época en que las distribuidoras occidentales realizaban atrocidades al versionar anime, Ghibli precisamente fue de las primeras productoras que se plantearon evitar que les mutilasen sus producciones y en sucesivas reediciones han procurado hacer versiones lo más parecidas posibles a la original.
En cuanto a El Castillo Ambulante se trata de una versión de un libro de Diana Wynne Jones, trata sobre una chica llamada Sophie que sufre una maldición de una bruja convirtiéndola en una anciana de 90 años y a no poder contárselo a nadie, entonces deberá encontrar a Howl, un brujo que vive en un castillo mecánico, al no poder explicarle su problema vivirá con él como asistenta, mientras conoce a Howl, un brujo joven y rebelde que se niega a participar en la sangrienta guerra que se está llevando a cabo en aquel reino.
Se trata de una mitología muy compleja que combina elementos de magia y de ciencia ficción Steam Punk. La historia es diferente a la del libro, Miyazaki le ofreció un pase privado a la escritora la cual dijo:
Es fantástica. No, no tengo nada que añadir, yo escribo libros, no películas. Sí, será diferente al libro, de hecho parece que será muy diferente, pero es lo que hay. Aún será una película fantástica.
En cuanto a la situación geográfica, mientras el libro está inspirado en Gales, la película presenta un mundo fantástico inspirado en la ciudad de Colmar, en Alsacia. Las críticas fueron en su mayoría positivas y recibió una nominación al Oscar al Mejor Largometraje Animado. Si bien se la considera la película visualmente más espectacular de Ghibli, el Chicago Sun Times la consideró una de sus películas más débiles.
Una franquicia SteamPunk de bastante éxito es: Sakura Wars
Originariamente se trataba de un videojuego de Sega de 1996 de Rol Táctico, está basado en el Tokyo de los años 20, donde unas chicas defienden la ciudad de las fuerzas del mal a través de un comando de Mechas llamado: Fuerza de Asalto Imperial.
Existen 6 OVA’s de entre 1 y 6 episodios cada una,
Sakura Wars (1997)
Sakura Wars 2 (1999)
Sakura Taisen: Sumire (2002)
Sakura Taisen: École de Paris (2003)
Sakura Taisen: Le Nouveau Paris (2004)
Sakura Taisen: New York, NY (2007)
Una serie de TV de 25 episodios de Madhouse (2000)y un largometraje para cines de Production I.G. (2001).
Si bien la película está muy trabajada, es espectacular y los fondos recreando el Tokyo anterior a la segunda guerra mundial son fantásticos, es muy hortera, el vestuario tiene más estética de bishojo kawai onanista que de la época Meiji/Eduardina, y en cuanto al guión no tiene ni pies ni cabeza, no tiene por qué haber un guión lógico en una historia de mechas, ok, pero a nivel estético tampoco funciona bien, a la oposición sin sentido de la estética Meiji y diseños bishojo actuales le añaden unas escenas en animación CGI de complejos militares subterráneos absurdamente exagerados, añaden ordenadores, armas de rayos, robots automáticos propulsados a reacción… eso sí, todo con tachuelas (es una forma fácil de convertir diseños cyberpunks en steampunks), si no fuera por los escenarios ni nos enteraríamos de que están en los años 20.
Finalmente quisiera hablar de la película SteamPunk más espectacular: Steamboy (2004), Se trata de la segunda superproducción dirigida por Katsuhiro Otomo, Sunrise la realizó durante 10 años, con 180,000 dibujos y 440 escenas de animación CGI, su presupuesto de 22 millones de dólares la convirtió, al igual que Akira, en la película de anime más cara de la historia, iba a ser la producción que confirmase una nueva Edad de Oro del manga-anime.
Trata sobre una familia de ingenieros que quieren usar el poder de una válvula de vapor experimental para cambiar el mundo, pero cada personaje tiene unas intenciones diferentes para este invento y el Londres de 1863 acaba convirtiéndose en un campo de batalla de artefactos mecánicos a cada cual más loco, con super-robots y mega-ciudades explotando incluidos.
Recibió el premio de Mejor Película de Animación en el Festival de Cine de Sitges del 2004, a pesar de que las críticas fueron irregulares. El Washington Post declaró:
La película no transciende de su elaborado trabajo de producción para narrar una realidad independiente. Sólo son imágenes de lo que pudo ocurrir.
Steamboy fue un fracaso de público, apenas recaudó 10 millones de dólares. Muchos lo atribuyen a una falta de marketing en occidente y a su limitada distribución.
El Steampunk se trata de un género peculiar, antiguo y nuevo a la vez, más que un género es una estética, ya que no tiene una temática concreta y se puede adaptar a otros géneros, eso sí, siempre que exista una profunda documentación y creatividad. Quién sabe, podría experimentar un boom en un futuro cercano.
VER ESPECIAL CYBERPUNK
VER ESPECIAL WESTERN FUTURISTA
La Vuelta al Mundo de Willy Fog
El éxito de las series de Nippon llamaron la atención de varias productoras europeas, la española BRB encargó a Nippon las "coproducciones" de Ruy el Pequeño Cid (1979), D'Artacan y los Tres Mosqueperros (1981) y La Vuelta al Mundo de Willy Fog (1983)
Pero quién dió la campanada fue la productora (por aquel entonces francesa) Dic Entertainment,con Ulysses 31 (1980), serie realizada por Tokyo Movie Shinsha
Pero quién dió la campanada fue la productora (por aquel entonces francesa) Dic Entertainment,con Ulysses 31 (1980), serie realizada por Tokyo Movie Shinsha
diumenge, 9 d’octubre del 2011
El Castillo Ambulante
El Castillo Ambulante se trata de una versión de un libro de Diana Wynne Jones, trata sobre una chica llamada Sophie que sufre una maldición de una bruja convirtiéndola en una anciana de 90 años y a no poder contárselo a nadie, entonces deberá encontrar a Howl, un brujo que vive en un castillo mecánico, al no poder explicarle su problema vivirá con él como asistenta, mientras conoce a Howl, un brujo joven y rebelde que se niega a participar en la sangrienta guerra que se está llevando a cabo en aquel reino.
Se trata de una mitología muy compleja que combina elementos de magia y de ciencia ficción Steam Punk. La historia es diferente a la del libro, Miyazaki le ofreció un pase privado a la escritora la cual dijo:
Es fantástica. No, no tengo nada que añadir, yo escribo libros, no películas. Sí, será diferente al libro, de hecho parece que será muy diferente, pero es lo que hay. Aún será una película fantástica.
En cuanto a la situación geográfica, mientras el libro está inspirado en Gales, la película presenta un mundo fantástico inspirado en la ciudad de Colmar, en Alsacia. Las críticas fueron en su mayoría positivas y recibió una nominación al Oscar al Mejor Largometraje Animado. Si bien se la considera la película visualmente más espectacular de Ghibli, el Chicago Sun Times la consideró una de sus películas más débiles
Se trata de una mitología muy compleja que combina elementos de magia y de ciencia ficción Steam Punk. La historia es diferente a la del libro, Miyazaki le ofreció un pase privado a la escritora la cual dijo:
Es fantástica. No, no tengo nada que añadir, yo escribo libros, no películas. Sí, será diferente al libro, de hecho parece que será muy diferente, pero es lo que hay. Aún será una película fantástica.
En cuanto a la situación geográfica, mientras el libro está inspirado en Gales, la película presenta un mundo fantástico inspirado en la ciudad de Colmar, en Alsacia. Las críticas fueron en su mayoría positivas y recibió una nominación al Oscar al Mejor Largometraje Animado. Si bien se la considera la película visualmente más espectacular de Ghibli, el Chicago Sun Times la consideró una de sus películas más débiles
Royal Space Force: The Wings of Honneamise
La primera producción comercial de Gainax fue Royal Space Force: The Wings of Honneamise (1987)
Aunque hoy se considera una película de culto, fue un fracaso en taquilla. Intentaron lanzar una secuela en 1992, pero no tuvieron fondos para ello. La segunda película de Gainax fue Gunbuster (1988)
Aunque hoy se considera una película de culto, fue un fracaso en taquilla. Intentaron lanzar una secuela en 1992, pero no tuvieron fondos para ello. La segunda película de Gainax fue Gunbuster (1988)
dissabte, 8 d’octubre del 2011
GAINAX
A principios de los 80 una serie de estudiantes universitarios fundaron un estudio llamado Daicon Film, se trataba de Yoshiyuki Sadamoto, Hiroyuki Yamaga, Takami Akai, Toshio Okada, Yasuhiro Takeda, Shinji Higuchi y Hideaki Ano con la intención de crear un cortometraje para la Convención Anual de Ciencia Ficción de Japón, el corto en cuestión se llamaba Daicon III (1981)
Se trata de un corto ambicioso sobre una niña que lucha contra toda clase de monstruos y naves espaciales de ciencia ficción, sin embargo aún era una animación muy precaria. Tuvieron más éxito dos años después con el corto Daicon IV (1983)
Con un argumento muy parecido y basado en el mismo personaje, aunque ya adulto, presentó una animación más elaborada. Este corto les confirmó como una nueva productora de anime de gran talento, aún tratándose de un estudio pequeño, en 1985 cambiaron el nombre por Gainax, que significa Gigante.
Se trataba de un estudio creado por Otakus y para Otakus, siempre se han mostrado favorables al fan art y al dojinshi (fanzines hechos en base a personajes populares), y continuamente han presentado cortos nuevos a los festivales de ciencia ficción como ofrenda a los fans del manga-anime y parodias de películas de monstruos y superheroes japoneses como Patriotic Squadron Dai-Nippon
También hicieron el videoclip Marionette de Bo0wy
Su primera producción comercial fue Royal Space Force: The Wings of Honneamise (1987)
Aunque hoy se considera una película de culto, fue un fracaso en taquilla. Intentaron lanzar una secuela en 1992, pero no tuvieron fondos para ello. La segunda película de Gainax fue Gunbuster (1988)
Gunbuster sí funcionó bien, y facilitó la producción de más películas como la saga de Nadia
y Otaku no Video (1991)
Pero recordemos que nos encontramos en la época del crack del anime, Gainax consiguió mantenerse a flote gracias a la producción de videojuegos como la saga Princess Maker y kits de modelaje.
Finalmente en 1995 produjeron la serie que revitalizó la industria del manga-anime: Evangelion
Pero un momento... cómo podía un estudio modesto como Gainax producir series y películas al nivel de Ghibli, TMS o Sunrise? Resulta que el presidente, Takeshi Sawamura evadía impuestos, el éxito y nivel de producción de Evangelion llamó demasiado la atención y Sawamura fue detenido y sentenciado a un año de cárcel.
Pero Evangelion había abierto la caja de pandora, habían aportado el ingrediente que el manga-anime necesitaba: El Surrealismo, insistir en la psicología de las tramas y personajes y dejarse influenciar por el arte superflat, había empezado la época conocida como Era Post-Evangelion, así fue como crearon más series como FLCL
La mayoría de las animaciones de Gainax estaban basadas en guiones originales, pero también han hecho adaptaciones de mangas como Kare kano
y Mahoromantic
En el 2004 celebraron el 20 aniversario de la productora lanzando la película Diebuster, la secuela de Gunbuster
Y en los últimos años han tenido bastante éxito innovando en TV con series como Tengen Toppa Gurren Lagann (2007),
y Panty and Stocking with Garterbelt (2010).
Una companyia de Otakus y para Otakus... podría haber sido la premisa para algo aburridísimo: Una productora que se basara en repetir los estereotipos que saben que funcionan, como lo son hoy en día Toei, TMS o Tatsunoko, sin embargo no fue así, como otakus añadieron a sus obras algo que no podía añadir un simple artista o profesional: Euforia. Fue una productora que siguió la filosofía japonesa de preservar la esencia de lo bueno y renovarlo transformándolo en cualquier cosa, utilizan los géneros de siempre pero con un enfoque inteligente y estéticas innovadoras, fue mucho más que una companyia de Otakus para Otakus, fue una revolución del manga-anime.
Se trata de un corto ambicioso sobre una niña que lucha contra toda clase de monstruos y naves espaciales de ciencia ficción, sin embargo aún era una animación muy precaria. Tuvieron más éxito dos años después con el corto Daicon IV (1983)
Con un argumento muy parecido y basado en el mismo personaje, aunque ya adulto, presentó una animación más elaborada. Este corto les confirmó como una nueva productora de anime de gran talento, aún tratándose de un estudio pequeño, en 1985 cambiaron el nombre por Gainax, que significa Gigante.
Se trataba de un estudio creado por Otakus y para Otakus, siempre se han mostrado favorables al fan art y al dojinshi (fanzines hechos en base a personajes populares), y continuamente han presentado cortos nuevos a los festivales de ciencia ficción como ofrenda a los fans del manga-anime y parodias de películas de monstruos y superheroes japoneses como Patriotic Squadron Dai-Nippon
También hicieron el videoclip Marionette de Bo0wy
Su primera producción comercial fue Royal Space Force: The Wings of Honneamise (1987)
Aunque hoy se considera una película de culto, fue un fracaso en taquilla. Intentaron lanzar una secuela en 1992, pero no tuvieron fondos para ello. La segunda película de Gainax fue Gunbuster (1988)
Gunbuster sí funcionó bien, y facilitó la producción de más películas como la saga de Nadia
y Otaku no Video (1991)
Pero recordemos que nos encontramos en la época del crack del anime, Gainax consiguió mantenerse a flote gracias a la producción de videojuegos como la saga Princess Maker y kits de modelaje.
Finalmente en 1995 produjeron la serie que revitalizó la industria del manga-anime: Evangelion
Pero un momento... cómo podía un estudio modesto como Gainax producir series y películas al nivel de Ghibli, TMS o Sunrise? Resulta que el presidente, Takeshi Sawamura evadía impuestos, el éxito y nivel de producción de Evangelion llamó demasiado la atención y Sawamura fue detenido y sentenciado a un año de cárcel.
Pero Evangelion había abierto la caja de pandora, habían aportado el ingrediente que el manga-anime necesitaba: El Surrealismo, insistir en la psicología de las tramas y personajes y dejarse influenciar por el arte superflat, había empezado la época conocida como Era Post-Evangelion, así fue como crearon más series como FLCL
La mayoría de las animaciones de Gainax estaban basadas en guiones originales, pero también han hecho adaptaciones de mangas como Kare kano
y Mahoromantic
En el 2004 celebraron el 20 aniversario de la productora lanzando la película Diebuster, la secuela de Gunbuster
Y en los últimos años han tenido bastante éxito innovando en TV con series como Tengen Toppa Gurren Lagann (2007),
y Panty and Stocking with Garterbelt (2010).
Una companyia de Otakus y para Otakus... podría haber sido la premisa para algo aburridísimo: Una productora que se basara en repetir los estereotipos que saben que funcionan, como lo son hoy en día Toei, TMS o Tatsunoko, sin embargo no fue así, como otakus añadieron a sus obras algo que no podía añadir un simple artista o profesional: Euforia. Fue una productora que siguió la filosofía japonesa de preservar la esencia de lo bueno y renovarlo transformándolo en cualquier cosa, utilizan los géneros de siempre pero con un enfoque inteligente y estéticas innovadoras, fue mucho más que una companyia de Otakus para Otakus, fue una revolución del manga-anime.
Peter Pan no Bouken
Enviado por Alvaro:
La versión anime de Peter Pan:
Contesto a Álvaro por aquí ya que no me funcionan los post de blogger:
Considero una lástima que cuando se hace una versión de un clásico infantil conocido la tendencia es a darle un aire a la versión anterior de Disney. Ya no es sólo por la falta de creatividad sinó que es imposible superar la versión de Disney de este modo.
Mi versión preferida de Peter Pan es la del cómic de Régis Loisel
No deja de tener cierta estética Disney (de hecho Loisel trabajó para Disney-Paris) pero sacrifica la estética de Maravilloso Mundo Felix de Walt Disney para añadirle realismo, oscuridad, fealdad... a nivel visual ésto lo vuelve mucho más intenso. Sin embargo a los fans de Disney no les hace mucha gracia esta versión, ya que aunque reconocen su valor a nivel visual, se horrorizan al ver convertido este relato en una versión mucho más oscura que la obra de teatro de J.M. Barrie, incluso hay escenas de mancebofilia con prostitutas, hay un caméo de Jack el Destripador y una escena de canivalismo por parte de Peter Pan, eso si, todo tiene sentido y está bien explicado, no se trata de una obra ácida como El Bruto, se trata más bien de una obra agri-dulce de fantasía y terror psicológico.
La versión anime de Peter Pan:
Contesto a Álvaro por aquí ya que no me funcionan los post de blogger:
Considero una lástima que cuando se hace una versión de un clásico infantil conocido la tendencia es a darle un aire a la versión anterior de Disney. Ya no es sólo por la falta de creatividad sinó que es imposible superar la versión de Disney de este modo.
Mi versión preferida de Peter Pan es la del cómic de Régis Loisel
No deja de tener cierta estética Disney (de hecho Loisel trabajó para Disney-Paris) pero sacrifica la estética de Maravilloso Mundo Felix de Walt Disney para añadirle realismo, oscuridad, fealdad... a nivel visual ésto lo vuelve mucho más intenso. Sin embargo a los fans de Disney no les hace mucha gracia esta versión, ya que aunque reconocen su valor a nivel visual, se horrorizan al ver convertido este relato en una versión mucho más oscura que la obra de teatro de J.M. Barrie, incluso hay escenas de mancebofilia con prostitutas, hay un caméo de Jack el Destripador y una escena de canivalismo por parte de Peter Pan, eso si, todo tiene sentido y está bien explicado, no se trata de una obra ácida como El Bruto, se trata más bien de una obra agri-dulce de fantasía y terror psicológico.
dimarts, 4 d’octubre del 2011
Winter Days
Kihachiro Kawamoto en el 2003 supervisó la película Winter Days, que consisten en 35 animaciones realizadas por los animadores más prestigiosos del mundo, entre ellos Isao Takahata, Alexander Petrov , Yuri Norlthstein y Jaques Drouin, ilustrando poemas tradicionales de menos de 2 minutos de Matsuo Bashō.
Su único largometraje animado fue The Book of the Dead (Shisha no Sho, 2005), tras el cual se jubiló, y continuó siendo el presidente de la Asociación de animadores Japoneses hasta que 5 años más tarde murió.
Tokyo Godfathers
東京ゴッドファーザーズ - Tokyo Goodfathers
Tokyo Goodfathers, del 2003, es una película co-realizada por Keiko Nobumoto,creador de la serie Wolf Rain's y guionista de Cowboy Beebop. El título viene de la película de 1948 de John Ford 3 Goodfathers, sobre 3 ladrones que se tienen que encargar de un bebé abandonado.
La trama de Tokyo Goodfathers es una especie de versión hiperbólica de 3 Goodfathers, en esta nueva versión tenemos 3 mendigos: un alcoholico, un travesti y una niña fugitiva a cargo del bebé, que pasarán por todo tipo de tramas locas durante la nochebuena buscando la madre del bebé. Se trata de una tragi-comedia ácida con un guión excelente.
La película recibió el premio Excellence Prize en el Japan Media Arts Festival del 2003.
Kare Kano
Kare Kano (1998)
Actualmente Hideaki Ano es actor y director de películas de Imagen Real, así como se encuentra produciendo la tetralogía de películas Rebuild of Evangelion (2007-)
Actualmente Hideaki Ano es actor y director de películas de Imagen Real, así como se encuentra produciendo la tetralogía de películas Rebuild of Evangelion (2007-)
dilluns, 3 d’octubre del 2011
Arjuna
Fuera de Ghibli, otra serie de temática ecologista basada en la filosofia budista es Earth Maiden Arjuna
Se trata ni más ni menos que de una serie de Magical Girls! La protagonista es una colegiala que se transforma en un personaje con poderes mágicos para combatir contra el Mal... perdón, combate contra "el Mal", cabe decir que se trata de un Josei que intenta romper con las estructuras excesivamente lineales del género de las Magical Girls, incluyendo ambigüedades por todas partes.
La serie es de Animax y consta de 13 episodios, comienza con Juna, una chica que decide irse unos días a la costa con su novio, pero sufren un accidente de tráfico y Juna muere. Mientras está en coma ve los Raaja, una especie de monstruos mitológicos hindues que están devorando la Tierra, y que encarnan la contaminación en sí misma. Al final de la visión Juna ve a un chico llamado Chris (inspirado en Khrishna) que le ofrece resucitarla a cambio de que acepte combatir contra los Raaja junto a una organización llamada Seed. Juna acepta, y al resucitar se encuentra con un magatama en la frente con el que puede transformarse en Arjuna e invocar un arco para combatir a los Raaja.
No se trata de una transformación en estereotipo moé onanista, de hecho la chica es más sexy cuando va vestida de calle, y la lucha contra los Raaja no es para nada sencilla... Los Raaja forman parte del equilibrio de la tierra, por lo que no es conveniente atacarlos cuando están en estado latente, pero otro de los poderes de Arjuna es sentir lo que siente la tierra, por lo que a menudo siente la llamada de peligro de la naturaleza en situaciones en las que no debería hacer nada.
Capítulo tras capítulo va descubriendo nuevos poderes, como la capacidad incluso de sentir lo que siente la comida (hecho por el cual acaba obligada a volverse vegan y rechazar la alimentación no-orgánica), puede ver hasta la más microscópica señal de contaminación, leer las mentes, incluso de los fetos, y sentir dolor por los pensamientos automáticos que suelen tener las personas, hacer viajes astrales, incluso al interior de cuerpos humanos, y al final hasta puede invocar un super-robot sin saber cómo usarlo. En ningún momento Arjuna es consciente de su potencial, ni es capaz de controlar correctamente sus poderes, ni tiene idea de cómo resolver las situaciones, ni puede compatibilizar su situación con su vida cotidiana. Como superheroina es un desastre, pero la historia consiste en lo que va aprendiendo tras cada fracaso. Al final ni siquiera es capaz de evitar el fin del mundo.
La serie está basada en la leyenda india de Bhagavad Gita, aunque situada en la actual ciudad de Kobe, e incluye conceptos ecológicos como el uso de la energía nuclear, la experimentación biogenética, la industria agroalimentaria y la dependencia del petróleo, y también tocan otras teorías científicas como la Teoría del Desplazamiento Polar, la teoría del Cinturón de Van Allen, o El Último Teorema de Fermat.
Pero volviendo a Ghibli... En la Princesa Mononoke habían establecido una interminable guerra entre el hombre y la naturaleza, donde la cultura tradicional japonesa se habría formado al tratar a la naturaleza desde la distancia, aunque con respeto. Ese sería el tercer tipo de enfoque de la ecología japonesa.
Se trata ni más ni menos que de una serie de Magical Girls! La protagonista es una colegiala que se transforma en un personaje con poderes mágicos para combatir contra el Mal... perdón, combate contra "el Mal", cabe decir que se trata de un Josei que intenta romper con las estructuras excesivamente lineales del género de las Magical Girls, incluyendo ambigüedades por todas partes.
La serie es de Animax y consta de 13 episodios, comienza con Juna, una chica que decide irse unos días a la costa con su novio, pero sufren un accidente de tráfico y Juna muere. Mientras está en coma ve los Raaja, una especie de monstruos mitológicos hindues que están devorando la Tierra, y que encarnan la contaminación en sí misma. Al final de la visión Juna ve a un chico llamado Chris (inspirado en Khrishna) que le ofrece resucitarla a cambio de que acepte combatir contra los Raaja junto a una organización llamada Seed. Juna acepta, y al resucitar se encuentra con un magatama en la frente con el que puede transformarse en Arjuna e invocar un arco para combatir a los Raaja.
No se trata de una transformación en estereotipo moé onanista, de hecho la chica es más sexy cuando va vestida de calle, y la lucha contra los Raaja no es para nada sencilla... Los Raaja forman parte del equilibrio de la tierra, por lo que no es conveniente atacarlos cuando están en estado latente, pero otro de los poderes de Arjuna es sentir lo que siente la tierra, por lo que a menudo siente la llamada de peligro de la naturaleza en situaciones en las que no debería hacer nada.
Capítulo tras capítulo va descubriendo nuevos poderes, como la capacidad incluso de sentir lo que siente la comida (hecho por el cual acaba obligada a volverse vegan y rechazar la alimentación no-orgánica), puede ver hasta la más microscópica señal de contaminación, leer las mentes, incluso de los fetos, y sentir dolor por los pensamientos automáticos que suelen tener las personas, hacer viajes astrales, incluso al interior de cuerpos humanos, y al final hasta puede invocar un super-robot sin saber cómo usarlo. En ningún momento Arjuna es consciente de su potencial, ni es capaz de controlar correctamente sus poderes, ni tiene idea de cómo resolver las situaciones, ni puede compatibilizar su situación con su vida cotidiana. Como superheroina es un desastre, pero la historia consiste en lo que va aprendiendo tras cada fracaso. Al final ni siquiera es capaz de evitar el fin del mundo.
La serie está basada en la leyenda india de Bhagavad Gita, aunque situada en la actual ciudad de Kobe, e incluye conceptos ecológicos como el uso de la energía nuclear, la experimentación biogenética, la industria agroalimentaria y la dependencia del petróleo, y también tocan otras teorías científicas como la Teoría del Desplazamiento Polar, la teoría del Cinturón de Van Allen, o El Último Teorema de Fermat.
Pero volviendo a Ghibli... En la Princesa Mononoke habían establecido una interminable guerra entre el hombre y la naturaleza, donde la cultura tradicional japonesa se habría formado al tratar a la naturaleza desde la distancia, aunque con respeto. Ese sería el tercer tipo de enfoque de la ecología japonesa.
Urutsei Yatsura 2: My Beautiful Dreamer
Oshii se quiso desentender de la sub-cultura otaku, y para la película de animación de 1984 Urusei Yatsura 2: Beautiful Dreamer optó por hacer algo más artístico.
En el caso de Lamu, se trata de una Magical Girlfriend de origen alienígena, pero también puede ser de orígen mágico. En el caso que el chico se vea con más de una Magical Girlfriend en su casa, nos encontraríamos con una situación parecida a las Comedias Harem. El perfecto ejemplo de Comedia Harem de Magical Girlfriends, de origen mágico sería Oh! Mi Diosa!
En el caso de Lamu, se trata de una Magical Girlfriend de origen alienígena, pero también puede ser de orígen mágico. En el caso que el chico se vea con más de una Magical Girlfriend en su casa, nos encontraríamos con una situación parecida a las Comedias Harem. El perfecto ejemplo de Comedia Harem de Magical Girlfriends, de origen mágico sería Oh! Mi Diosa!
Viaje al Oeste
la leyenda china del Viaje al Oeste, de la que ya se habían hecho adaptaciones en anime, como el Manhua Anime de los años 60:
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