Sakura Wars

Una franquicia SteamPunk de bastante éxito es: Sakura Wars



Originariamente se trataba de un videojuego de Sega de 1996 de Rol Táctico, está basado en el Tokyo de los años 20, donde unas chicas defienden la ciudad de las fuerzas del mal a través de un comando de Mechas llamado: Fuerza de Asalto Imperial.

Existen 6 OVA’s de entre 1 y 6 episodios cada una,

Sakura Wars (1997)
Sakura Wars 2 (1999)
Sakura Taisen: Sumire (2002)
Sakura Taisen: École de Paris (2003)
Sakura Taisen: Le Nouveau Paris (2004)
Sakura Taisen: New York, NY (2007)

Una serie de TV de 25 episodios de Madhouse (2000)y un largometraje para cines de Production I.G. (2001).



Si bien la película está muy trabajada, es espectacular y los fondos recreando el Tokyo anterior a la segunda guerra mundial son fantásticos, es muy hortera, el vestuario tiene más estética de bishojo kawai onanista que de la época Meiji/Eduardina, y en cuanto al guión no tiene ni pies ni cabeza, no tiene por qué haber un guión lógico en una historia de mechas, ok, pero a nivel estético tampoco funciona bien, a la oposición sin sentido de la estética Meiji y diseños bishojo actuales le añaden unas escenas en animación CGI de complejos militares subterráneos absurdamente exagerados, añaden ordenadores, armas de rayos, robots automáticos propulsados a reacción… eso sí, todo con tachuelas (es una forma fácil de convertir diseños cyberpunks en steampunks), si no fuera por los escenarios ni nos enteraríamos de que están en los años 20.

Millenium Actress

Millennium Actress:

MAMORU OSHII: El Traidor de los Otakus

VER ESPECIAL SOBRE MAMORU OSHII

Sakura Wars

STORYBOARDING DIGITAL:

Para realizar un storyboard de anime, se divide la historia en partes y se encarga a diferentes artistas, el resultado es una combinación de estilos inconexa, aunque el storyboard es sólo un paso previo a la animación definitiva. Production IG inventó un nuevo cargo llamado Screen Arquitect, cuyo trabajo consiste en crear una atmósfera de efectos digitales de iluminación y efectos de cámara que se aplica al story board animado durante la preproducción. Ésto, combinado con la composición digital facilita la post-producción de la película, si antes no se hacía así era porque los efectos visuales tradicionales eran mucho más elaborados.

Sakura Wars: The Movie (2001)

Sherlock Holmes

Sherlock Holmes (Arthur Conan Doyle, 1984)
realizada por Miyazaki

Westerns Animes de Speed Racer

Enviado por Alvaro:

Yo recuerdo haber visto de niño muchas series de Tatsunoko, como "Meteoro", "El Superlibro" "Gatchaman" y "Robotech", una pena que su futuro sea tan incierto.

Una de las creaciones más conocidas de la empresa, "Meteoro" ha tenido, además de la películas live action dos versiones animadas norteamericanas que son francamente horribles:
The New Adventures of Speed Racer:



y "Speed Racer: The Next Generation"(La odio), producida por Lionsgate:

TATSUNOKO PRODUCTIONS

VER ESPECIAL SOBRE TATSUNOKO PRODUCTIONS

TATSUNOKO PRODUCTION

Hoy voy a hablar de otro de los estudios pioneros de manga-anime: Tatsunoko Production

Fue fundado en 1962 por los Hermanos Yoshida, su nombre es un juego de palabras que significa Los Chicos de Tatsuo (el fundador se llamaba Tatsuo Yoshida) o Dragón Marino, hecho por el cual el logo de la compañía es un caballito de mar.

Mientras la principal productora de anime de la época, Toei Animation, estaba especializada en largometrajes para cine, Tatsunoko se especializó en la animación para TV, debutaron en 1965 con la serie para TV Space Ace

Se trata de una productora que ha visto con buenos ojos abrirse hacia occidente con tal de conseguir promocionar la animación japonesa, por lo que siempre ha tenido manga ancha a la hora de que las distribuidoras occidentales re-editen y doblen a su antojo sus series, éste fue el destino de su segunda serie: Speed Racer / Meteoro (1967)

y permaneció durante décadas como política de la empresa en más series como Comando G / Gatchaman (1972)



Tatsunoko se ha dado a conocer por series de acción y ciencia ficción, pero también realizó cuentos de hadas y series kodomo como Minashigo Hutch (1970)



o The Adventures of Pinocchio (1972),



A lo largo de su historia autores como Katsuhisa Yamada y Kazuo Yamazaki fueron pasando por su plantilla. Cabe destacar sobretodo Hiroshi Sasagawa, que a través de la serie Time Bokan (1975) creó un nuevo estilo de comedia absurda en anime.




Mamoru Oshii trabajó de storyboarder en esta y otras series de Tatsunoko, Time Bokan también contó con diseño de personajes de Yoshitaka Amano.

Eiko Toriumi era un director de anime que se curtió en los Estudios Tatsunoko, creando series como Comando G (1972), Demetan Croaker, The Boy Frog (1973),



Tekkaman: The Space Knight (1975)



y Goliath the Super Fighter (1976),



pero en 1979 rompió lazos con Tatsunoko y junto con otros animadores, fundó los Estudios Pierrot. Uno de los autores que tomó como discípulo fue Mamoru Oshii. Toriumi apreció el potencial de Oshii para el humor absurdo, y en los Estudios Pierrot lo puso como director e storyboarder a cargo de Urusei Yatsura / Lamu / Lum. (1981).

Tatsunoko continuó con sus cuentos de hadas como Temple the Balloonist (1977)



The Littl' Bits (1980)



y Superbook (1981), basado en historias bíblicas



Sin embargo nos encontrábamos en plena Edad de Oro del Manga-Anime y Tatsunoko se encontraba lejos del nivel de producción que estudios como Toei, TMS, Nippon Animation o Sunrise estaban consiguiendo, para poder competir en este flamante nuevo escenario utilizaron su mejor arma: la colaboración con distribuidoras, en 1982 crearon la franquicia Macross, y le cedieron los derechos a la distribuidora Harmony Gold en America (que la rebautizó como Robotech en 1985) y a las productoras Studio Nue y Big West Advertising en Japón, a cambio de que se encargaran de financiarles. Su intención era crear una franquicia capaz de competir contra Gundam



El productor Mitsuhisa Ishikawa fue el encargado en 1987 de formar un equipo para crear la franquicia Zillion



Mitsuhisa Ishikawa creó la productora asociada IG Tatsunoko Limited en Tokio, como estudio subcontratado de Tatsunoko Productions. La idea de Ishikawa era crear un estudio paralelo para evitar que se dispersase el personal de Tatsunoko después de producir Zillion, el director de esa serie, Takayuki Goto, pasó a dirigir la nueva productora, y el estudio subcontratado que trabajó para Zillion: Kyoto Animation, tambien formó parte del nuevo equipo. El nombre de IG viene de las iniciales de Ishikawa y Goto.

Su primer éxito fue Patlabor, basado en los mangas de 1993 del grupo Headgear.

De hecho, esta serie fue tan lucrativa que mientras preparaban la película de Patlabor 2, compraron el 20% de las acciones de la empresa que tenía Tatsunoko Production, y así en 1993 consiguieron su independencia empresarial bajo el nombre de Production IG.



Patlabor les animó a explorar el campo de los mechas y el ciberpunk, con creaciones dirigidas por Kenji Kamiyama como la serie de Ghost in the Shell. En el caso del estudio asociado de IG, Bee Train, fue fundado por el ex-animador de Tatsunoko Koichi Mashimo.

El caso es que Tatsunoko no estaba funcionando como superproductora de anime, en cuanto uno de sus mejores artistas conseguía un éxito, se iba a otra productora, si formaban un estudio asociado, se independizaba, ellos continuaron con su fórmula de anime destinado a distribuidoras occidentales como Samurai Pizza Cats (1990)



Participaron como productora asociada con Gainax en la producción de Neon Genessis Evangelion (1996), cierto



pero con el tiempo se han ido basando más en re-makes de sus franquicias como Yatterman (2008)



y coproducciones con otros estudios como Nurse Witch Komugi (2002) con su ex-estudio asociado Kyoto Animation



Robotech: The Shadow Chronicles (2006) con su distribuidora americana Harmony Gold



Casshern Sins (2008) un remake de la serie de 1977 con Madhouse



Beyblade: Metal Fusion (2009) con SynergySP



Yozakura Quartet (2010) con KMMJ Studios



y Gatchaman (2011) con Imagi



En el 2005 el 88% de sus acciones fueron compradas por la juguetera Takara, y en el 2010 Production I.G., el antiguo estudio asociado estrella de Tatsunoko compro el 11,2% de las acciones, Mitsuhisa Ishikawa ahora se dedica parcialmente a supervisar a Tatsunoko. Las últimas noticias sobre Tatsunoko son que van a hacerse cargo de producir algunas series Marvel.

El futuro de Tatsunoko es incierto, puede que Production IG la resucite o puede que la limite a explotar sus franquicias y a utilizar sus valiosos contactos con las distribuidoras americanas. Se trata de un caso atípico de productora japonesa, que no "mima" a sus animadores estrella, no da pie a la innovación, se basa más en "hacer uso de lo que funciona", coproducir, distribuir, confiar en el mercado occidental... Tatsunoko ha llevado una política de empresa más parecida a la de una productora occidental, y lo ha acabado pagando muy caro. Sus estudios asociados la han superado, sus franquicias han envejecido, es un destino muy triste para uno de los estudios pioneros en exportar el anime a occidente.

Bey Blade

El éxito de franquicias como Pokemon, dio a entender que lo importante de éstas séries no era el "bicho", eran las historias de autosuperación de los niños, cómo conseguían ser el luchador, entrenador de bichos, jugador de cartas, o lo que sea más guay del mundo, y "hacerse con todos" los objetos de lucha que existan; explotan el orgullo, la avaricia y la envídia del niño para venderles juguetes (viva la ética del anime!). A dónde quiero llegar? bueno... si lo importante de los "bichos coleccionables" es coleccionar, y no el bicho en sí... se podrían hacer séries de niños que coleccionen todo tipo de cosa que comporte luego un juego, no? Éste sería el principio de una série como... 




BeyBlade. Aquí no coleccionan bichos, coleccionan, y combaten con peonzas poseídas por espiritus (jooooooder!). En su origen era un manga publicado entre el 2000 y el 2002,  Madhouse produjo una série en el 2001, que se extendió a una segunda en el 2002: Beyblade: V-Force. Después produjeron la película: Beyblade: The Movie - Fierce Battle



y a continuación produjeron una tercera série en el 2003: Beyblade: G-Revolution 
 



La saga tuvo un intermedio y volvió en 2009 con 51 episodios más, en un supuesto futuro en el que aparecen unas misteriosas "peonzas prohibidas", en realidad la série salió cuando quisieron promocionar una nueva línea de peonzas de metal: Beyblade: Metal Fusion  



y otra série en el 2010: Beyblade: Metal Masters, que aún está en producción.



Pero volviendo a los "Bichos Coleccionables"... Existe alguna série BUENA?

Cuentos de Tierramar

Las producciones de GHIBLI han incluido un par de obras de Espada y Brujería: Howl's Moving Castle (2004), y Goro Miyazaki's Gedo Senki (2006).

EL VIAJE DE CHIHIRO



VER ESPECIAL DE EL VIAJE DE CHIHIRO

EL VIAJE DE CHIHIRO

PREMIO GERTIE 2012 A LA MEJOR PELÍCULA ANIMADA

Prácticamente todos los aficionados al manga-anime señalan a Ghibli como la mejor productora, pero cual sería la obra de Ghibli más importante?

Algunos señalan El Castillo de Cagliostro, la primera superproducción de Miyazaki, otros Nausicäa, la primera película propiamente de Ghibli, otros señalan La Tumba de las Luciérnagas, la obra más galardonada del estudio; Mi Vecino Totoro, la Princesa Mononoke, Ponyo en el Acantilado... Todas son más que memorables, mi preferida es concretamente Pom Poko, que ni siquiera es de Miyazaki! pero la película Ghibli que ha gozado de más éxito sin duda ha sido El Viaje de Chihiro, con 273 millones de dólares recaudados es la película más taquillera de la historia del cine japonés y el único anime que ha ganado el Oscar al Mejor Largometraje Animado en el 2002.




Dirigida y guionizada por Miyazaki, trata sobre Chihiro, una niña que viaja con sus padres para mudarse de casa, por el camino visitan un extraño lugar abandonado a partir del cual acaban inmersos en un mundo de fantasía oriental.

En el 2000 los últimos dos proyectos de Miyazaki habían sido rechazados por el productor: Kirino Mukouno Fushigina Machi, basada en un libro japonés, y una historia basada en una heroína adolescente, ambas historias situadas en una casa de baños. Entonces se le ocurrió crear una historia basada en la hija de 10 años de un amigo suyo, también situada en una casa de baños, obviamente. Miyazaki había producido películas para niños pequeños y chicas adolescentes, pero nunca había realizado una obra para niñas preadolescentes, leyó unas cuantas revistas shojo y vió que casi todo eran super-héroinas sexis e historias de amor. Miyazaki pensó que eso no es lo que realmente quieren ver las niñas así que preparó un guión de 3 horas sobre una heroina infantil... en este caso el productor Toshio Suzuki se lo aceptó, pero le recortó el metraje a 125 minutos, esto supuso cierta dificultad, debieron eliminar escenas, dejar parte de las tramas secundarias sin explicación y eliminaron escenas donde se recrearian con las vistas y paisajes.

Costó 19 millones de dólares, eso es menos que La Princesa Mononoke, y al igual que ésta película, fue anunciada como "La última superproducción en Animación Tradicional" a pesar de tener efectos especiales digitales. Una peculiaridad de Chihiro es que para ser una heroina manga-anime... es fea:

Vale, igual pensáis que aunque no se trata de una niña bishojo con micro-mini faldita, peinados imposibles de colorines y varita que la convierte en moeko onanista, tampoco es para tanto... De hecho Miyazaki es contrario a esa clase de personajes y su único personaje sexy es  Fujiko Mine / Patricia, la ex-novia de Lupin III, que aparte de ser adulta... es un personaje con mucho carácter.

Pero en el caso de Chihiro... es fea incluso para no ser una moeko bishojo, miremos otro personaje de Miyazaki como Satsuki de Mi Vecino Totoro:

Ojos grandes, facciones y expresiones agradables, hombros firmes, cara en forma de almendra... aunque tenga la estética de una niña japonesa normal de los años 60, cumple con los cánones estéticos del manga-anime. Chihiro no

Miyazaki tenía la intención de hacer una niña "normal", de manera que la audiencia se sintiera más identificada con ella. Cuando comenzaron a animarla se horrorizó, vio que al cobrar movimiento sus gestos eran desgarbados, demasiado duros para tratarse de una niña de 10 años, así que reinterpretó al personaje dando a entender que se trata de una niña convirtiéndose en una mujer encantadora.

También hay leyendas sobre el Viaje de Chihiro! Bueno, al fin y al cabo esta película está basada en todo un folklore japonés que el espectador occidental no tiene por qué conocer. Este artículo está extraído de Kirai, un Geek en Japón.

A continuación comento algunos temas de la película que me llamaron la atención, algunos de ellos los aprecié la primera vez que la vi. Pero la mayoría de ellos no los noté hasta que estuve en Japón, conocí mejor esta cultura, la viví y volví a ver la película varias veces:

• Comer algo de otro mundo: cuenta la leyenda que la diosa Izanami, después de crear Japón junto a Izanagi, murió al dar a luz al Dios del fuego. Su marido, Izanagi, no aceptó la muerte de su mujer y decidió viajar al inframundo de los muertos para intentar traerla de vuelta al mundo de los vivos. Consiguió encontrarla pero Izanami le dijo “Ya he comido tanta comida de este reino que me sería muy difícil volver a vuestro mundo. Vuelve sin mi”. Muy a su pesar, Izanagi tuvo que volver a su mundo dejando a su mujer atrás. Más tarde se volverían an encontrar “encarnados” en las rocas de Meoto Iwa. Son muchos los cuentos y leyendas japonesas en los que comer algo producido en otro mundo tiene el poder de hacerte quedar en ese universo. Comer con moderación te ayuda a mantenerte en ese mundo, si se come en exceso nunca puedes volver. La gula y la avaricia de los padres de Chihiro los transforma en puercos dificultando su vuelta a la “realidad”. El corazón puro de Chihiro decide no comer y su silueta comienza a desvanecerse. Afortunadamente, en ese momento, se encuentra con Haku, el cual le da un onigiri para que no desaparezca.

Chihiro comiendo el onigiri que le da Haku para no desaparecer.

El viaje de Chihiro, Spirited away, Sen to Chihiro no kamikakushi, 千と千尋の神隠し: el título de la película en nuestro idioma es bastante diferente al nombre original en japonés. La traducción literal de “Sen to Chihiro no kamikakushi, 千と千尋の神隠し” sería “La misteriosa desaparición de los espíritus de de Sen y Chihiro”. Kamikakushi, 神隠し, es casi imposible de traducir bien, literalmente los caracteres significan “dioses/kami” y “esconder”, pero juntos funcionan más como “desaparición misteriosa” o “spirited away” (El titulo de la versión en inglés) y también tienen cierta connotación de “viaje al más allá para redescubrirse a uno mismo” (“Viaje” es la opción que eligieron en la versión en español).

Sen to Chihiro 千と千尋, es la parte más importante del título, en uno de los temas principales de la película. Los caracteres de Chihiro 千尋 significan “1000″ y “fantasma / preguntar por/buscar con profundidad”. En la secuencia de la película en la que Yubaba le roba el nombre al firmar el contrato, elimina con magia el segundo carácter de su nombre y se queda sólo con 千 (De ahí lo de 千と千尋 en el título), cuya pronunciación alternativa en japonés es “Sen”. Sen y Chihiro son ocultados por lo dioses, Chihiro es convertido en Sen por Yubaba adentrándolo un paso más en el mundo de los kamis donde tendrá que vivir muchas aventuras antes de poder volver con sus padres a la “realidad”.

Todas las culturas del mundo le dan mucha importancia a los nombres propios. En el caso de Japón, no sólo es importante la pronunciación del nombre, sino de los caracteres y su significado. El nombre, los caracteres con los que se escribe, llevan parte del espíritu de la persona. El robo de un nombre, personajes que se olvidan de su propio nombre, no usar el nombre real del protagonista hasta el final, no mencionar el nombre del protagonista de una novela en primera persona; son recursos muy utilizados en novelas y cuentos japoneses. En la tradición europea también tenemos cuentos como Rapunzel de los Hermanos Grimm en el que uno de los temas principales es la importancia de los nombres propios.

“El que conoce el nombre de un hombre, tiene la vida de ese hombre en sus manos” – Ursula K. Le Guin (A Wizard of the Earthsea)

Onsen, baños termales: la primera vez que vi El Viaje de Chihiro realmente no fui consciente del simbolismo de los baños termales regentados por Yubaba. Los baños termales, los “onsen” “温泉” ♨, se pueden encontrar en prácticamente cualquier lugar de Japón. La mayoría de ellos funcionan con agua termal volcánica. Según la zona de volcanes, los onsens de ese área son famosos por tener ciertas propiedades benéficas para la piel dependiendo del tipo de minerales que contiene el agua.

En el onsen de los dioses de Chihiro se puede apreciar el ambiente de un onsen real japonés. Todavía no he estado, pero parece ser que uno de los onsens en los que se inspiró Miyazaki y su equipo para diseñar los escenarios de la película fue el Kanaguya en Nagano.



Hotel onsen Kaguya, con cierto parecido al onsen en el que termina trabajando Chihiro.

Y este es un castillo de no recuerdo donde, cuyo puente frente a él también recuerda a la entrada del onsen de la película de Ghibli.

Corrupción del ser humano, sintoísmo:
El sintoísmo aboga por la pureza y benevolencia del ser humano y en general de todos los seres vivos. Cuando alguien hace algo malo es porque ha sido invadido por un espíritu ruin. En “El viaje de Chihiro” no hay héroes, tampoco hay malos, todos los personajes evolucionan, dan vueltas. La única que es héroe, quizás sea Chihiro, que pasa de ser una niña a tener que trabajar y ver el mundo de los adultos de primera mano. Tiene que perder su inocencia, tiene que trabajar dando servicio a dioses avariciosos y traicioneros, con compañeros de trabajo que sólo piensan en el oro y ve como Kaonashi, es invadido por la gula, la corrupción y la avaricia.

Hayao Miyazaki está alabando la simplicidad de los valores de los niños y critica la corrupción que nos invade cuando tenemos que vivir como adultos en esta sociedad capitalista. En especial está señalando la época de la burbuja japonesa, en la que la mayoría de los japoneses pensaron que el dinero seguiría brotando de la nada como si fuera Kaonashi vomitando oro por la boca, en la que el ansia por consumir nunca era saciada.

Contaminación:
Otro Dios que ha sido invadido por un espíritu malo es el monstruo pestilente que nadie tiene valor de atender, es Chihiro la que entiende que no es culpa suya haberse convertido en lo que es. Chihiro encuentra una bicicleta incrustada dentro del cuerpo del Dios. Es posiblemente el Dios de un río, como Haku. En Japón los ríos están muy contaminados y uno de los objetos que se suelen encontrar dentro de ellos son bicicletas. Al tener matrículas, es difícil deshacerse de una bici que ya no necesitas en Japón, lo más fácil y más barato es tirarla a un río. Consiguen sacar la bicicleta de la entrañas del Dios y a continuación expulsa toda la basura que llevaba dentro. En la película Ponyo, también es muy criticada la contaminación de ríos y mares.

Un Dios pestilente y contaminado por seres humanos que inconscientemente usan los ríos para tirar basura pensando que así desaparecerá para siempre.

Haikyo: Haikyo (Lugar abandonado) son lugares que se construyeron y estuvieron en funcionamiento durante los años 70 y 80 pero con el tiempo quedaron totalmente abandonados (Otra vez señalando y criticando la bonanza descontrolada de la burbuja japonesa). Al principio de la película el padre de Chihiro sugiere que lo que han encontrado al otro lado del túnel es un parque de atracciones abandonado (Creo que utiliza la palabra haikyo 廃墟 en la versión japonesa). Hay muchos parques de atracciones abandonados en Japón, hace unas semanas estuvimos a punto de visitar un parque abandonado de Gulliver al lado del Fuji pero al final terminamos visitando un pueblo entero abandonado cerca de la frontera con Gunma. Curiosamente, tal y como hizo la familia de Chihiro, nosotros también cruzamos un túnel larguísimo, estrecho, que parecía no terminar nunca, que parecía llevarnos a otro mundo. Al otro lado nos encontramos un pueblo entero abandonado, casitas, edificios, residencias, un supermercado, un hospital… Nos encontramos con un mundo completamente abandonado que no nos robó el nombre como a Chihiro, pero sí que nos transformó en zombies. Nuestra visita a este pueblo abandonado la cuentan Ikusuki y CaDs es sus blogs, yo os lo cuento mañana en otro post.

Kaonashi (Sin Cara):
Es uno de los personajes más misteriosos. Como Yubaba, tiene un lado bueno y lado malo. La “NoCara” de Kaonashi está inspirada en las caretas de los actores del teatro tradicional japonés Noh.

Dioses:Según la tradición, en Japón hay miles de Dioses kami 神. En Chihiro pasan por el onsen regentado por Yubaba por las noches, en la “realidad” se reúnen una vez al año en los territorios más sagrados del país:

Como cada año, miles de dioses se reunirán en el templo de Ise para tratar temas de dioses. También acudirá a la reunión Akihito, el actual Emperador de Japón, que aunque ya no es Dios según la mitología japonesa es descendiente de ellos y tiene que atender al encuentro. Cuando termine el día de asamblea muchos irán al onsen de El Viaje de Chihiro a relajarse disfrutando de un baño en aguas termales. – Seguir leyendo.

Curiosidades varias:

• Los caramelitos que comen los makurokurosuke (las bolitas negras) son unos dulces típicos japoneses que se llaman konpeitou. A mi no me gustan mucho pero a los niños les chifla.

Kamaji, el hombre que trabaja en las calderas del onsen le da unos tickets de tren a Chihiro. Son un tipo de tickets viejos que ya apenas se usan en Japón pero se siguen vendiendo en packs de 11.

En los exteriores se ven muchas flores ajisai, son unas flores de género de las hydrangeas (Hortensias), que suelen florecer en Japón la última semana de Junio y la primera de Julio. Viendo las flores podemos situar cronológicamente los sucesos de la película.

Haku 白, significa blanco en japonés, representa de alguna forma la pureza del personaje Haku, aunque también juega a dos bandas en algún momento he incluso se convierte en ladrón.

Sociedad vertical: la estructura con la que se organizan los empleados de la casa de baños termales gobernada por Yubaba es un espejo de la verticalidad de la sociedad Japonesa y sus empresa.

Recuerdo que vi El Viaje de Chihiro sin apenas saber nada sobre folklore japonés, y me dió la impresión de que era una preciosa película en que "no pasaba nada": Chihiro llega al pueblo encantado, sigue las instrucciones de los personajes mitológicos que va encontrando, y vuelve con sus padres. Fin. Me decepcionó bastante a nivel guión. No se trata de que la historia tenga significados ocultos, se trata de que la historia muestra abiertamente significados que no teníamos por qué saber. Para disfrutar de esta película es recomendable tener ciertos conocimientos de las leyendas tradicionales aquí citadas y entonces la historia cobra sentido y magia.

He creado a una heroïna que es una niña ordinaria, alguien con quien la audiencia se sienta reconocida. No es una historia en la que los personajes crezcan, sino una historia en la que éstos nos revelan lo que llevan en su interior. Quiero que mis jóvenes amigas vivan eso, y creo que ellas también quieren.

Hayao Miyazaki

Mis Vecinos los Yamada

La película Mis Vecinos los Yamada, de Isao Takahata.

Basada en un manga de Hisaichi Ishii, no tiene para nada el formato manga-anime propio de Ghibli, las historias están estructuradas como tiras cómicas. Se trata de la primera película 100% digital de Ghibli, ya que Takahata quería que el color fuera en estilo de acuarelas por lo que acabaron haciéndolo por ordenador. Es una sit-com familiar que cuenta anécdotas sobre la familia Yamada, que no acabó de funcionar bien. En mi opinión el discurso de la abuela del principio es muy bueno, y algunos de los gags puntuales que aparecen también, el estilo parece muy simple pero de golpe te salen con travellings dinámicos, escenas en rotoscopia… dejan bien claro que han hecho la estética simple porque les ha dado la gana, no por ahorrarse trabajo. Pero la sucesión de mini-cortos sin relación unos con otros acaba convirtiendo la película en un producto inferior a lo que podría conseguir Takahata.

El concepto de nouvelle anime ha funcionado en otras compilaciones de cortos, como Cloud de Robot Carnival, o Cannon Fodder de Katsuhiro Otomo para Memories.

La Conspiración Anime

VER ESPECIAL SOBRE LEYENDAS URBANAS DE ANIME

Las Conspiraciones del Anime

Todos hemos oído leyendas urbanas relacionadas con el mundo de la animación, sobretodo leyendas urbanas de Disney. En el caso de la Animación japonesa... Es tan psicotrónica de por sí que no hace falta inventar muchas leyendas, aunque haberlas las hay, claro.

Se trata sobretodo de leyendas ciertas. El anime es un mundo tan amplio y peculiar que las anécdotas más extrañas sobre él han acabado convirtiéndose en leyendas urbanas, a menudo tergiversadas o como resultado de una mezcla de anécdotas. Veamos algunos ejemplos:

Un Episodio de Pokemon provoca ataques epilépticos
CIERTO, aunque a personas con predisposición a ello, y se trata de un episodio retirado, concretamente el episodio 38. También existe la leyenda de que lo hicieron a drede para aparecer en todos los telediarios del mundo. Hay más detalles AQUÍ

En el episodio final de Doraemon se descubre que Nobita está en coma porque su padre, Giant, le pegaba palizas y el gato cósmico es un delirio. Tras su emisión infinidad de niños japoneses se suicidaron.
FALSO, en el capítulo final de la segunda serie de Doraemon (1978-2007) Nobita utiliza mal una máquina que hace que lo que digas se vuelva mentira, declara que desea que Doraemon se quede siempre con él, y a consecuencia de ello, Doraemon se vuelve a su época. Sin embargo al poco tiempo lanzaron una tercera serie.

VER DORAEMON, ÚLTIMO CAPÍTULO

En la Edición Original de Dragon Ball hay escenas porno.
FALSO, si es cierto que hay algunas escenas picantes censuradas en algunas ediciones occidentales, pero literalmente porno no, se trata de una confusión con unas series de OVA's Hentai basadas en Dragon Ball.

El Perro Droopy aparece en un capítulo de Dragon Ball
CIERTO, es uno de los monjes organizador del torneo de artes marciales, Toriyama es un gran fan de la animación americana de la Edad de Oro, y en sus obras (sobretodo en Dr Slump) incluye muchos personajes de la cultura popular occidental como Tarzan, Superman, los Storm Troopers, R2D2, Terminator, James Bond, Frankenstein o el Doctor Spok, por lo que no era tan descabellado que aparezca Droopy.

En un Capítulo de Banner y Flappy, la ardillita Banner se vuelve adicto a las setas alucinógenas
CIERTO, se trata de un capítulo que critica a las drogas... impensable en una serie infantil occidental.

Una compañera de clase de Go Nagai se quitaba los sujetadores enmedio del aula al grito de "Pechos Fuera!", idea que Nagai tomó para su personaje de Afrodita A.
Este no lo puedo confirmar, pero teniendo en cuenta la misogínia habitual de Go Nagai... Me parece creíble.

Hay un monumento a tamaño natural de Mazinger Z
En realidad no... la estatua de Mazinger que hay en un bosque de Tarragona, apenas llega a los 6 metros

pero en el caso de Gundam es CIERTO. Se trata de un monumento a escala 1:1 que hizo Bandai para celebrar el 30 aniversario de la franquicia, incluso una pareja de Otakus protagonizó una boda a sus pies.

Existe un Asesino en serie inspirado por Hello Kitty
Más o menos CIERTO, hay un criminal en paradero desconocido conocido como Hello Kitty Murderer, decapitó a una mujer en Hong Kong y guardó su cabeza dentro de una muñeca de Hello Kitty, sin embargo no podemos afrimar que esto tenga ninguna relación con la serie de Hello Kitty, al contraro de lo ocurrido con Kaoru Kobayashi, aficionado al lolicon condenado por violar y asesinar a una niña de 7 años, o el Otaku Killer que tenía más de 5.000 películas hentai y gore en su casa, secuestró a 4 niñas después de aterrorizar a su familia durante días por teléfono, las violó, les succionó su sangre, deboró sus manos, las dejó descomponerse, las incineró y les envió las cenizas a sus padres por correo. Unas perlas orientales, vaya.
 

La Moda de Sailor Moon fue tal que provocó que las niñas escogiesen ir a los institutos con uniformes de marinerito lo más sexies posibles.  
CIERTO... aunque no sabría decir si esto es influencia de Sailor Moon, o si antes ya era habitual. En el caso de que el uniforme no sea sexy es habitual retocarlo. Al final todo desenbocó en toda una serie de modas y sub-culturas urbanas que se mueven entre lo curioso:

lo hortera:

y lo extremadamente anti-erótico

Pero mejor no nos alejemos del mundo del manga-anime, por favor!

En un capítulo Marco se pierde por un barrio de prostitutas, borrachos y delincuentes
CIERTO, en realidad los escenarios crudos son muy propios de la literatura realista juvenil, pero no deja de llamar la atención verlo en un kodomo.

Marco se puede decir que es una obra maestra de los dramas literarios infantiles, fiel al espíritu de Edmondo de Amicis hasta en su crueldad, esta crudeza neo-realista acabaría caracterizando la obra de Isao Takahata, y en su época dejó a toda una generación de niños traumatizados, llorando y pidiendo más episodios. Otra leyenda urbana relacionada con Marco es que cuando encuentra a su madre y se dirige hacia ella a abrazarla, aparece un tren y la atropella. Naturalmente como se trata de una serie basada en una obra literaria conocida, y no tiene demasiados capítulos, es fácil comprobar que es FALSO.

Pero sigamos con Takahata... Tanto él como Miyazaki tenían la intención de revolucionar el mundo del anime, no querían hacer guiones lineales estilo manga, querían darle trasfondo a las historias aunque estuvieran dedicadas a niños, a la larga esto ha provocado que hasta en las películas más simples de su productora los fans intenten buscarle sentidos ocultos a todo.

Por ejemplo, la leyenda urbana de que Mi Vecino Totoro en realidad es la historia de un Shinigami, un dios de la muerte, concretamente la he sacado del Blog Fantiusen:



Os voy a contar la verdad sobre su aparente historia. Todos los que hemos visto totoro hemos visto una historia no muy complicada y sin complicaciones aparentes:

Una madre está recuperandose en el hospital, mientras su marido y sus dos hijas van a vivir a una nueva casa, en donde la niña pequeña (mei,めい) y su hermana (satsuki,サツキ) ven a Totoro, con quien juegan un rato. Al rato reciben una llamada del hospital sobre una noticia sobre su madre, las niñas, al no entender, se preocupan, y una de ellas se va a intentar buscar a su madre, con lo que se pierde y su hermana pide a totoro que le busque. La encuentra y se van a visitar a su madre y luego vuelven a casa y tan felices.

Ahora voy a contaros la verdadera historia, como he dicho, si leeis la explicación, no volvereis a ver totoro de la misma forma, seguramente llorareis y os dará pena.

Primero las explicaciones:

• En realidad, totoro es un shinigami (死神), esto es, la muerte. Shinigami viene de los kanjis shinu(muerte) y kami (dios). Este dios, se aparece a la gente antes de morir anunciando su muerte próxima o cuando ya están muertos.

• El Gatobus (ねこバス) es el transporte al otro mundo del shinigami (dios de la muerte) totoro.

• En realidad, mei y satsuki están muertas. Esto se puede comprobar como después de desaparecer mei, ya no tiene sombra en toda la película restante, satsuki, una vez que va a buscar a totoro para pedir que le lleve a donde está mei tampoco tiene sombra. obviamente, como las personas muertas. y no, normalmente los animadores no se olvidan de las sombras, esas cosas son muy importantes.

• En realidad el hospital que hizo de modelo para el hospital donde está ingresada la madre existe, el hospital 八国山病院 es un hospital para enfermos terminales, por lo que la madre de mei y satsuki está cerca de su muerte y en realidad no se va a recuperar y por eso le pareció verlas al final de la película, justo cuando se iban al otro mundo.



Ahora las 2 diferentes interpretaciones que hay:

“Cuando mei se pierde en el bosque se encuentra con el shinigami totoro y es ahí cuando se decide su suerte, ya que ya está marcada para morir. Si bien ella no lo entiende y se dedica a jugar con el. Entonces su hermana satsuki también lo ve, con con lo que también está marcada para la muerte. Cuando su padre se va a la universidad y van a buscarle a la parada del autobús para llevarle el paraguas, vuelven a encontrarse con totoro, y no solamente con el, si no con su carruaje de muerte, el gatobus.

Otro día, cuando reciben la llamada del hospital, mei se pierde, y es ahí cuando todos empiezan a buscarla, si bien, alguien encuentra una sandalia en el lago, le preguntan a satsuki a ver si es de su hermana.

 Ella, en estado de shock responde que no, pero realmente sabe que es de su hermana y que está muerta, por eso sale corriendo en busca de totoro y no sigue buscando más.

Con su madre con una enfermedad terminal y su hermana muerta se ve muy sola y se va a buscar a totoro para pedirle que le lleve con mei.

La traducción Española no tiene mucho que ver con la versión Japonésa, ya que por ejemplo, en esta escena satsuki pide al bosque que “por favor, quiero encontrarme con totoro (shinigami)”, o lo que es lo mismo, quiere morir. (Original: 「お願い・・・トトロに会わせて！！」)

Es entonces cuando entra al interior del bosque, este paso es marcado como el paso al inframundo. A su llegada con el shinigami Tororo, ella le pide que su hermana a desaparecido y no sabe que hacer, totoro le lleva encima de un arbol y llama a su nekobasu. Como puede verse, en ninguna de las escenas desde su entrada al bosque hay sombra, a pesar de haber sol. Una vez entrada al bosque ya está muerta.

En el gatobus, antes de emprender la marcha se nos muestra los lugares a los que ha ido o va a ir, y es ahí en una de las escenas donde aparece la verdad:

En su letrero puede leerse “墓道“, que significa “el camino al cementerio“, si bien, hay 4 o 5 letreros, la mitad de ellos son cementerios o templos. Menos el último que significa “mei”.

La zona en la que se encuentra con su hermana tiene un significado especial, ya, como puede verse son tumbas cerca de un santuario. Con el significado de que es un espíritu que no encuentra la senda.
El gatobus les permite hacer un último viaje para despedirse de sus padres antes de irse al otro mundo con ellas. Les lleva al hospital donde está su madre.

Es ahí donde realmente se conoce la verdad sobre su madre, aunque en la version española lo tradujeron como quisieron. En el hospital vemos a los padres hablando entre ellos con la siguiente conversación:

母「ごめんなさい・・・　ただの風邪なのに病院が電報打ったりしたから・・・」
母「あの子達きっと心配してるわね・・・　可愛そうな事しちゃった・・・」
父「いや、分かれば安心するさ」

Madre: Lo siento… parece que te mandaron un telegrama por un simple catarro.
Madre: Los niños se estarán preocupando… Pobrecillas…
Padre: No pasa nada, si lo sabrían se preocuparían de verdad.

Obviamente, el padre se refiere a la enfermedad terminal de la madre, lo que no está claro es si la madre sabe sobre su gravedad o no.

Es aquí, desde el arbol al lado de la ventana, que está el gatobús y las hermanas con esta conversación:

メイ「お母さん笑ってるよ」
サツキ「大丈夫みたいだね」
メイ「うん！」

Mei: Mamá se está riendo.
Satsuki: Parece que está todo bien.
Mei: Si

 

Y es aquí donde aparece la maldita mazorca de maiz:

La madre se fija en la mazorca de maiz que ha aparecido en la ventana desde la nada. Si bien, ella mira a la ventana y dice:

母「今、そこの松の木でサツキとメイが笑った様に見えた」”
Madre: Acabo de ver ahora a Mei y Satsuki en ese arbol riéndose.

Si bien el padre no lo ve, pero mira a la mazorca de maíz y en ella pone “para mamá”.
Ahora la explicación:

Satsuki y Mei están muertas, y solamente la gente que está próxima a la muerte puede ver a los muertos, si bien su madre está próxima a la muerte, puede verlas antes de que se desvanezcan. No hay forma humana para que en unos segundos, una niña de 5 años baje de un árbol, deje en la ventana de un edificio una mazorca y escriba “para mamá” sin instrumentos cortantes y desaparezca enseguida.

Después de ese último encuentro el gatobús se las lleva, pero no indica donde. Si bien están muy contentas, y en los créditos finales se les puede ver riendo, jugando y con su madre, así que la única explicación es que los dibujos de los créditos finales es el paraíso.

Hay un último detalle en los créditos finales para la historia, la sandalia del lago:

La segunda explicación tiene que ver con el padre:

“El padre a perdido a su mujer y su hija, por lo que en realidad lo que hace durante horas y horas en su habitación es escribir un libro imaginario llamado mi vecino totoro (となりのトトロ), por eso, el diseño del gatobus lo saca de cuando se muda a su nueva casa y ve un autobús para hacer de diseño:



También lo podemos ver aquí:

A pesar de estar a la vista, ni siquiera se da cuenta, ya que todo está en su imaginación, el padre está escribiendo la historia.”

Y para terminar,el nombre de mei es la pronunciación real de may (mayo en inglés), y satsuki es una de las pronunciaciones para el mes de mayo en Japonés (皐月). Decir que el lugar donde esta basada la historia, en la provincia de saitama, en la ciudad de tokorozaka (埼玉の所沢), en los años 60, una niña pequeña murió el 1 de mayo. Antes del día de su muerte, se perdió en el bosque durante 16 minutos, cuando volvió en estado de shock, dijo que había visto “el fantasma de un gato” , un “gato enorme” y otras frases sin sentido. También su madre estaba ingresada en el hospital y murió por una enfermedad terminal. Cabe destacar que al inicio, Ghibli había proyectado la película con una niña y no con dos, en mucho merchandaishing y calendarios actuales de mi vecino totoro se puede ver a una niña solamente en vez de las dos. Supongo que la dividirían en dos para que no sería tan idéntico al incidente de los años 60.

Realmente, después de leer esto, puedes mirar otra vez totoro y no puedes dejar de notar un escalofrío que te recorrerá la espalda. Se le preguntó muchas veces al Estudio Ghibli sobre este significado y ellos no lo negaron, con lo que al no negar, es posible afirmarlo.

Bien... empecemos explicando que Miyazaki es partidario de que la gente busque a sus películas más sentido del que realmente tienen, así parece que su obra sea más profunda. Antes que nada echemos un vistazo a la imagen de un Shinigami Tradicional:

No se parece mucho a Totoro. Totoro se parece más (en aspecto y carácter) a las divinidades de los bosques, que se suelen representar como Mapaches:

Personalmente me parece que los padres estan demasiado tranquilos como para estar la madre con una enfermedad terminal, si bien dan a entender que la madre se está grave y que no quieren que las niñas se enteren. Al estar la película centrada en el punto de vista de las niñas, este juego queda confuso, y ha dado pie a toda clase de divagaciones raras.

De todas formas, todo esto acaba sonando ridículo, precisamente en el manga-anime no necesitan ninguna excusa para añadir sexo, violencia o contenido macabro, si el guión lo requiere lo añaden y punto. Si la gente llega a imaginarse estas cosas retorcidas con Mi Vecino Totoro, ¿qué deben haberse imaginado con The End of Evangelion?

EL SUPERSAYAN DEL MANGA-ANIME

Al igual que lo ocurrido con Rumiko Takahashi, Akira Toriyama tampoco es animador, es un mangaka cuyas obras se han versionado en varios animes de éxito, aunque ha estado involucrado como Director de Arte, Guionista y Diseñador de Personajes en algunas obras.

Su estilo es una extraña fusión de influencias de Osamu Tezuka, las películas Disney de Don Bluth y el cine de Jackie Chan, debutó en 1979 en la revista Shonen Jump con el manga Wonder Island, y realizó dos one-shots más: Today’s  Highlight Islands y Tomato .

El caso es que en los años 70 el manga anime en occidente estaba ganando fama por su faceta melodramática, les costó refinar una fórmula hasta conseguir que un género tan propio como la comedia fuese exportable. A principios de los 80 aparecieron 2 series que encontraron la fórmula adecuada, una de esas primeras series cómicas que lo consiguió fue Lamu, la otra fue Doctor Slump, la primera serie de manga de Toriyama, editada entre 1980 y 1984, que rápidamente alcanzó popularidad y pasaron a versionarlo en anime.



Ésta serie ayudó a lanzar a la fama a Toriyama, donde mezcló su fórmula de comedia con el género de moda en la época: Los Superhéroes de Artes Marciales. Se trata de una niña robot llamada Arale, creada por un peculiar Dr. Slump que corre todo tipo de aventuras disparatadas en la Villa del Pingüino, una isla que es todo un micro-cosmos de la cultura popular japonesa de la época.

La serie de Anime la produjo Toei entre 1981 y 1986, y consta de 243 episodios basados en humor slapstick, escatología y referencias frikis tanto japonesas como americanas, entre muchas parodias a personajes conocidos hay un supuesto Superman que "vuela" estirado en un patinete, o un agente de la policía que purula con un casco de storm trooper. El propio Toriyama aparece a menudo en la serie caracterizado como un pájaro (Toriyama significa montaña del pájaro), como un robot, o como un dibujante kamikaze con gafas de sol y mascarilla anti-gérmenes.

Produjeron las películas:

• Dr. Slump and Arale-chan: Hello! Wonder Island (1981)
• Dr. Slump: "Hoyoyo!" Space Adventure (1982)
• Dr. Slump and Arale-chan: Hoyoyo, Great Round-the-World Race (1983)
• Dr. Slump and Arale-chan: Hoyoyo! The Treasure of Nanaba Castle (1984)
• Dr. Slump and Arale-chan: Hoyoyo! Dream Capital Mecha Police (1985)
• Dr. Slump and Arale-chan: N-cha! Clear Skies Over Penguin Village (1993)
• Dr. Slump and Arale-chan: N-cha! From Penguin Village with Love (1993)
• Dr. Slump and Arale-chan: Hoyoyo!! Follow the Rescued Shark... (1994)
• Dr. Slump and Arale-chan: N-cha!! Trembling Heart of the Summer (1994)

Y realizaron un cameo en los episodios 81 y 82 de Dragon Ball



La serie tuvo mucho éxito en Asia, en Occidente tuvo un éxito irregular, prepararon un piloto doblado para el mercado norte-americano, pero nunca se emitió, en España sólo se emitió en algunas autonomías, en Cataluña concretamente tuvo muchísimo éxito, frases de la Arale como "Oyoyo!" o la expresión "gafas de Arale" para referirse a gafas redondas aparatosas, pasaron a formar parte del vocabulario popular. Hubo un revival poco agraciado entre 1997 y 1999 de 74 episodios más.



Al que le siguieron dos películas: Dr. Slump: Arale's Surprise (1999) y Dr. Mashirito and Abale-chan (2007) que iba precedida del corto cómico One Piece Episode of Alabasta: The Desert Princess and the Pirates.



Al terminar el manga de Dr. Slump, Toriyama estrenó otra serie ochentera mítica de Shonen Jump / Toei:

PREMIO GERTIE 2011 A LA MEJOR FRANQUICIA DE ANIME

DRAGON BALL

Se trata de un manga basado en la leyenda china del Viaje al Oeste, de la que ya se habían hecho adaptaciones en anime, como el Manhua Anime de los años 60:



En ésta nueva versión de 153 episodios de anime, que se produjo entre 1986 y 1989, Son Goku viaja por todo el mundo en busca de las Bolas del Dragón, para invocar al dragón que concede tus deseos. La primera temporada de Dragon Ball era cómica, Son Goku se iba encontrando en situaciones locas con amigos y villanos a cada cual más absurdo. Progresivamente iban añadiendo tramas cada vez más oscuras, pero mantuvieron el tono humorístico de los personajes.

También hicieron 3 películas anime de Dragon Ball:

• Curse of the Blood Rubies (1986)
• Sleeping Princess in Devil's Castle (1987)
• Mystical Adventure (1988)

Más un re-vival en 1996: The Path to Power



También hicieron 2 cortos educativos en 1988: Seguridad Viaria con Son Goku:





Y la Brigada de Bomberos de Son Goku:



Fue una serie de enorme éxito en Japón y Europa, aunque en Estados Unidos no acabó de gustar mucho, en parte por su espantoso doblaje, por lo que fue cancelada y pasaron a emitir directamente la serie secuela:

Dragon Ball Z



Ésta continuación de la saga de 291 episodios que realizaron entre 1989 y 1996 ya tiene un tono diferente. Son Goku había ido creciendo hasta convertirse en un superhéroe atlético, eliminaron la mayoría de gags cómicos y se centraron en tramas más oscuras y violentas sobre razas de alienígenas guerreros, cyborgs y monstruos mágicos. Éste planteamiento más superheroico de interminables peleas épicas hizo que tuviera más éxito en USA que su serie predecesora. Se trata de una historia sobre la amistad y la auto-superación, los personajes se encuentran en bucles constantes de luchar-perder-mejorar-luchar-ganar-... Que pasa si mueren en un combate? Pues los resucitan y vuelta al bucle. Al final de la serie los personajes habían resucitado más veces que Magneto y Jesucristo juntos. El caso es que fue un bombazo tanto la serie como su inmenso merchandising. Hicieron 13 películas:

• Dead Zone (1989)
• The World's Strongest (1990)
• The Tree of Might (1990)
• Lord Slug (1991)
• Cooler's Revenge (1991)
• Return of Cooler (1992)
• Super Android 13! (1992)
• Broly – The Legendary Super Saiyan (1993)
• Bojack Unbound (1993)
• Broly – Second Coming (1994)
• Bio-Broly (1994)
• Fusion Reborn (1995)
• Wrath of the Dragon (1995)

Y también 2 especiales de TV:

• Bardock – The Father of Goku (1990)
• The History of Trunks (1993)

Y una OVA, planteada para el lanzamiento de un video-juego:

• Dragon Ball Z Side Story: Plan to Eradicate the Saiyans (2008)

La saga de mangas de Dragon Ball de Toriyama duró 11 años, 519 capítulos recogidos en 42 volúmenes, unas 8400 páginas, para que nos entendamos. A pesar de las fortunas en merchandising que estaban ganando Toriyama y Toei-Jump, Toriyama ya estaba harto de esta franquicia, y les imploró a Jump que le permitiesen acabarla, Jump le permitió dejarla para que trabajase en otros proyectos. Tras Dragon Ball, apenas dibujó historias “cortas” de 100 o 200 páginas como Cowa!, Kajika, Sand Land, y algunos one-shots, como Neko Majin. Actualmente su estudio de manga: Bird Studios, apenas trabajan en one-shots ocasionales.


Pero Toei no estaba de acuerdo con el cierre de su franquicia estrella, su versión de Dragon Ball Z termina con final abierto, de manera que pudieran continuar con otra, pero ésta vez apenas contaban con Toriyama como supervisor de proyecto de forma limitada:

Dragon Ball GT



Esta série de 67 episodios se produjo entre 1996 y 1997 (GT significa Grand Tour). Los primeros 16 episodios tratan de Goku, que se ha convertido de nuevo en niño por un deseo absurdo de Pilaf (el villano omnipresente de la primera serie), que deberá recorrer el universo en busca de las Bolas del Dragón de la Estrella Negra para deshacer el deseo. En USA recompilaron éstos episodios como un episodio único llamado "A Grand Problem", y comenzaron a emitir a partir del episodio 17, con tramas más superheroicas (patético). La serie se basa en la fórmula más humorística del Dragon Ball original, pero tomando villanos de Dragon Ball Z que vuelven en busca de venganza, cada vez más poderosos. Dispuso de un Especial de TV:

• A Hero's Legacy (1997)

Dragon Ball Kai



En el 2009 comenzaron a emitir Dragon Ball Kai, se trata de una reversión de Dragon Ball Z para celebrar el 20 aniversario de la serie, eliminaron todas las escenas y capítulos que no aparecen en el manga para hacer una versión más fiel, y remontaron las escenas de batallas para hacerlas más dinámicas. Tras eliminar de Dragon Ball Z sus principales defectos, pasaron de 291 episodios a 100.

La Saga en general, se trata de uno de los animes más rentables y con más éxito de la historia, es una franquicia que ha vendido más de 120 millones de cómics, se han producido 2 live actions: uno chino y otro americano (a cada cual más lamentable), puede que sus guiones sean repetitivos y llenos de "Deux-ex-Machinae", pero eso no ha impedido que se haya convertido en uno de los pocos iconos culturales de los años 90, y que haya influenciado a todos los animes de Superhéroes de Artes Marciales hechos a posteriori, como Naruto, Bobobo o One Piece, concretamente en este caso, Toriyama había participado con su autor, Eiichiro Oda, en el crossover: Cross Epoch entre el mundo de One Piece y Dragon Ball.



Dragon Ball sin embargo también tuvo sus consecuencias negativas, al ser una serie dedicada al público preadolescente llamó la atención la cantidad de violencia explícita que incluye, sobretodo en Dragon Ball Z, lo que originó la mala fama de "ultra-violento" que tiene el anime en occidente, junto con otras series de Superhéroes de Artes Marciales de Toei como El Puño de la Estrella del Norte.

El estilo de dibujo de Toriyama es muy simple, repetitivo y fácil de copiar, pero también es atractivo e icónico, éstas propiedades lo han vuelto bastante atractivo como diseñador de personajes de videojuegos, como Chrono Trigger, el juego de lucha Tobal, el juego de Rol Dragon Quest, que tuvo una versión en anime



Y Blue Dragon. Sobre ella Toriyama declaró:

La propuesta de Blue Dragon apareció en Febrero del año pasado (2006). Studio Pierrot consiguieron que la supervisara. Sé que Sakaguchi ha estado trabajando en formar un equipo que produzca el videojuego, antes siquiera que Blue Dragon fuese anunciado formalmente. De acuerdo con los materiales, tendría que ser un mundo fantástico como El Señor de los Anillos, con un mundo e historia bien detallada.

Este será mi anime definitivo, por lo que estoy un poco preocupado. Hay una increíble presión, pero al mismo tiempo hay una sensación de compromiso de que realmente vale la pena. Blue Dragon será una obra maestra, no sólo porque esté trabajando duro en él, sino porque el equipo no espera otra cosa.



Estudios Pierrot produjo la adaptación en anime de Blue Dragon en el 2007, dirigida por Yukihiro Matsushita y con la asistencia de Toriyama, ignoraron la trama del videojuego y crearon una serie nueva de 51 episodios, a la que le siguió una segunda serie, Blue Dragon: The Seven Sky Dragons (2008),



Blue Dragon se ha emitido en USA por Cartoon Network censurado, y Manga Entertainment las ha editado en DVD en versión íntegra.

El último trabajo de Toriyama ha sido un vídeo encargado en el 2011 por la revista Shonen Jump, en memoria de los afectados del Tsunami de Tohoku.



Se trata de todo un personaje mediático, hipercomercial, repetitivo, millonario y prepotente, después de Tezuka quizá sea el autor de manga que más éxito ha conseguido, se ha convertido en toda una referencia para los autores de shonen y creó un nuevo lenguaje para los superhéroes de artes marciales y las comedias de manga-anime. Sí, utilizando la estrategia de realizar series adictivas de calidad irregular se ha vuelto inmortal, y sin ni siquiera ser uno de los mejores autores.